Cele mai bune 10 studii de personaje din filme

Viața imită arta sau arta imită viața? Oscar Wilde era mai înclinat spre primul; în celebrul său eseu din 1889 Decaderea minciunii , a opinat că viața imită arta mult mai mult decât arta imită viața. Eu, pe de altă parte, cred că este un pic din ambele, mai ales în ceea ce privește cinematografia. Desigur, cinematografia este o reflectare a vremurilor în care trăim, dar nu este adevărat că și noi suntem o reflectare a filmelor pe care le vedem. Ce altă formă de artă ne afectează aprecierile, antipatiile și ideea noastră de fericire așa cum fac filme? Fără să știm, viața noastră este modelată constant de filmele pe care le vizionăm. De fapt, tind să cred că filmele pe care le vizionăm sunt o reflectare a reflecției noastre! Se face vânt, nu-i așa?

Și nimic altceva nu personifică această relație complicată mai mult decât caracterizările pe care le vedem în cinema. Personajele grozave au întotdeauna inspirații reale și devin o parte inseparabilă a existenței noastre. Caracterizările excelente măresc greutatea emoțională și textura tematică a unui film și se conectează cu tine în moduri de neimaginat. În esență, marile caracterizări ar fi întotdeauna universale în interpretarea umanității și a infinitelor mistere ale minții umane. Sunt cineva care a preferat întotdeauna filmele bazate pe personaje decât filmele bazate pe complot, cu atât mai mult datorită profunzimii pe care o acordă personajelor puternice unui film și, din moment ce fiecare vizionare devine inevitabil mai satisfăcătoare decât cea anterioară. În timp ce comploturile complexe se dezvăluie după un singur ceas, caracterizări puternice se vor mișca și vă vor afecta conștiința pentru eternitate și vă vor ajuta să dezlegați misterele propriilor vieți.

Și așa, noi la Cinemaholicul , am decis să enumerăm studiile noastre despre personajele preferate din 21^Sfsecol. Rețineți că aceasta nu este nici o listă cu cele mai bune spectacole și nici nu este un clasament al calității acestor filme. Ceea ce am încercat să facem este să deblocăm complexitatea personajelor din aceste filme și să le ajutăm să le înțelegem mai bine. Ca întotdeauna, disidența și critica constructivă sunt întotdeauna binevenite și așteptăm cu nerăbdare gândurile dvs. în comentarii. Așadar, fără alte întrebări, permiteți-ne să ne adâncim. Puteți viziona mai multe dintre aceste filme care studiază personajele pe Netflix, Hulu sau Amazon Prime.

10. Patrick Bateman - Psihicul american

Clasicul cult al horror al lui Mary Harron nu este doar o piesă palpitantă de cinema, ci este, de asemenea, un studiu de personaje bogat tematic al unui om prins în propriile obsesii și paranoia. Patrick Bateman este un executiv bogat, tânăr și suav din Wall Street, un bărbat care are o viață perfectă ca să spunem așa, dar nu este nici fericit, nici mulțumit. Bateman a construit fațada perfectă cu care își acoperă viața, dar sub suprafață, vedem un maniac egoist, obsesiv-compulsiv, deranjat mental, cu tendințe homicide. Și încet, pe parcursul filmului, îl vedem desfăcându-se pe măsură ce fațada este dezlipită, dezvăluind un om instabil, incontrolabil consumat de furia și delirul său.

Adaptate dintr-un roman cu același nume, există evidente inspirații caracteristice ale clasicilor precum „Șofer de taxi” și „Psiho”, ambele având bărbați a căror instabilitate mentală și paranoia îi determină spre extreme ambigue. Și, deși ‘American Psycho’ nu atinge niciodată aceste niveluri, rămâne în continuare un portret foarte convingător al singurătății și al ennui într-o lume extrem de competitivă și o carieră care definește performanța tânărului Christian Bale ridică bara cu câteva crestături mai sus, cu performanța sa inteligent detașată, dar vulnerabilă din punct de vedere emoțional.

9. Nina Sayers - Black Swan

Natalie Portman a fost doar o „fetiță aflată în primejdie” de la Razboiul Stelelor flicks înainte ca ea și Darren Aronofsky să se reunească pentru a oferi una dintre cele mai întunecate și mai complexe caracterizări ale secolului. O altă dramă psihologică a omului care ne-a dat „Pi” și „Fântâna”, „Black Swan” este o poveste despre o artistă care se împletește încet în arta ei, pe măsură ce se pierde în căutarea premiului suprem - perfecțiunea.

Nina este o tânără balerină talentată, dar timidă, care este selectată pentru a juca rolul dublu al eterului lebada alba iar întunericul, senzual Lebada neagra în producția Lacului Lebedelor lui Ceaikovski. Deși joacă rolul lebada alba cu finețe, Nina este incapabilă să îmbibă seducția întunecată a Lebada neagra , și în căutarea perfecțiunii ultime, își pierde sinele conștient și identitatea. Există un sentiment de frumusețe tristă, melancolică, în dezintegrarea Ninei ca ființă umană, pe măsură ce arta ei ajunge la crescendo, iar Aronofsky juxtapune în mod strălucit aceste contradicții atât în ​​Nina, cât și în filmul în sine și le conferă amândurora o umanitate rară, dar incredibil de relatabilă. Iar Natalie Portman joacă rolul perfecțiunii absolute, deoarece ochii ei triști și fața de porțelan trădează durerea, confuzia și paranoia care i-au asediat viața.

8. Theodore Twombly - Ea

Există ceva atât de inexplicabil de romantic, dar inevitabil de tragic, despre un bărbat care se îndrăgostește de un AI sistem. Theodore Twombly este un suflet trist și deprimat care nu a reușit să treacă peste relația sa anterioară; amintirile din trecutul său îl continuă să-l țină ostatic pe măsură ce este incapabil să meargă mai departe sau să găsească dragoste. Adică, până când cumpără un software personalizat de inteligență artificială numit Samantha și formează o conexiune personală rară cu ea. El simte un mare sentiment de libertate și deschidere în această relație ciudată, una fără artificiul romantismului modern, în timp ce este incredibil de eliberator. Și pe măsură ce se încadrează încet pentru această IA fără chip, inhibițiile noastre sunt, de asemenea, ridicate pe măsură ce ne înveselim cuplul și viitorul lor incert.

Scriitorul-regizor Spike Jonze pictează un portret foarte matur al stării relațiilor moderne în timp ce ne obligă să reevaluăm noțiunile noastre preconcepute de dragoste, romantism și conexiune emoțională. Dar ceea ce îl face pe Theodore atât de convingător este că ar fi putut fi unul dintre noi; un om singur care se îndrăgostește de cineva care îl înțelege, acceptându-l și iubindu-l pentru cine a fost. Și Joaquin Phoenix locuiește neîncetat în fiecare cadru al filmului, încapsulând strălucit vulnerabilitatea și umanitatea și dragostea inimitabile pe care Theodore le personifică.

7. Michele Le Blanc - Ea

Unul dintre cele mai controversate filme lansate anul trecut, ‘Elle’ este un film care m-a suflat cu umorul său tulburător și comentariul social ezoteric. În urma vieții unei femei de afaceri bogate, de succes, care este violată în casa ei de un atacator necunoscut, „Elle” este capodoperă post-feministă, cu o femeie lipsită de scuze în frunte, care nu se conformează normalităților și nu își explică acțiunile. . O femeie fascinantă, există o calitate ciudată a telenovelei în viața lui Michele; totul se întâmplă deodată. Și totul ar fi putut merge cu ușurință spre sud, în afară de strălucirea pură a lui Isabelle Huppert, care oferă una dintre cele mai mari spectacole ale secolului.

Huppert aduce o anumită curent emoțional care îi completează exteriorul inteligent și neînfricat și, în calitate de Michele, nu-i lasă violul să preia controlul asupra vieții sale; continuă să fie activă sexual și rămâne la fel de îndepărtată din punct de vedere emoțional precum a fost dintotdeauna. Nu este o victimă; nu, regizorul Paul Verhoeven duce acasă la punctul în care face parte dintr-o societate care fetișează cultura violului și obiectivarea sexuală; este la fel de vinovată ca și atacatorul ei. „Elle” este cu siguranță un film care te poate deranja până la capăt, dar nu este o „comedie de viol” așa cum cred mulți; de fapt, este un film despre o femeie al cărei viol o eliberează; o eliberează de cătușele care i-au legat existența și o împuternicește să fie femeia pe care vrea să fie.

6. Freddie Quell și Lancaster Dodd - Maestrul

Paul Thomas Anderson este, fără îndoială, unul dintre cei mai mari autori americani care lucrează astăzi. Un maestru al caracterizărilor bogate, ambiguitățile tematice din cinematograful lui Anderson sunt ceea ce îl face un geniu. Dar, cu „Maestrul”, Anderson nu ne prezintă doar un studiu al personajelor, ci subminează asiduu toate constrângerile unui complot sau a cunoașterii narative și, mai degrabă, pune doi bărbați complecși în timp ce privim relația lor desfășurată pe ecran. În timp ce Freddie este un om pierdut în propria sa conștiință, căutând cu disperare libertatea de înnoiurile postbelice, Dodd este un guru spiritual carismatic care este fascinat de abandonul lipsit de frecvență al lui Freddie. Pe măsură ce acești doi bărbați se împărtășesc, dimensionându-se reciproc în speranța de a-l susține pe celălalt, adevărata natură a comportamentului uman este dezvăluită - nevoia noastră de companie, setea noastră de credință, căutarea noastră de acceptare și, mai presus de toate, obsesia pentru noi înșine.

„Maestrul” este o piesă de cinema decisiv obscură; nu este ușor să-ți placă, dar își pătrunde calea în psihicul tău și refuză să-i dai drumul. Philip Seymour Hoffman și Joaquin Phoenix aduc o intensitate emoțională ciudată și o vulnerabilitate față de performanțele lor, care sunt deopotrivă straniu magnetice și ciudat de respingătoare. Anderson folosește atracția inexplicabilă care îi conduce pe acești doi bărbați unul către celălalt pentru a face o examinare foarte subtilă a condiției umane și a ceea ce ne face să bifăm.

5. Caden Cotard - Synecdoche New York

Debutul în regie al legendarului scenarist Charlie Kaufman, ‘Synecdoche, New York’ este unul dintre acele filme care vin o singură dată în viață. Povestea lui Caden Cotard, un regizor de teatru paranoic, de nesuferit, care se luptă să se împace cu propria sa mortalitate; este unul dintre cele mai triste și deprimante filme realizate vreodată și, de asemenea, cel mai intens. O piesă pe ideea timpului și a realității perceptive, filmul trece elegant de la realismul sângeros la suprarealismul de vis în timp ce Caden se luptă cu singurătatea și nevoia sa. În timp ce filmul este perfect în scenariul său și în alte aspecte tehnice, ar fi putut merge totul degeaba dacă nu ar fi fost pentru Phillip Seymour Hoffman .

În portretizarea vieții unui om idiosincratic de vârstă mijlocie până la moartea sa, Hoffman se transformă într-o performanță pe care o putem numi doar „miraculoasă”. El aduce la viață toate ideile complexe metafizice și filozofice ale lui Kaufman, în timp ce joacă un personaj care ar putea fi oricare dintre noi. Caden este paranoic în legătură cu moartea sa, este singur și îi lipsește familia și își urăște existența. Hoffman reușește să scoată la iveală toate frământările emoționale și ororile personajului său cu o astfel de sensibilitate, care te va sufla. Ochii săi tristi și chipul melancolic transmit frumos nu numai durerea și temerile adânci în Caden, ci și deschid o ușă către propriile temeri și nesiguranțe ca indivizi și, la rândul lor, pun la îndoială existența noastră. „Synecdoche, New York” este, fără îndoială, una dintre cele mai bune experiențe cinematografice ale secolului, iar spectacolul lui Hoffman este unul dintre epoci; ceva care probabil nu va mai fi repetat niciodată.

4. Betty Elms / Diane Selwyn - Mulholland Drive

Includerea noastră a oricărui lucru legat de „Mulholland Drive” a devenit un gag în curs de desfășurare în rândul cititorilor noștri; Cu toate acestea, nu sunt dispus să las asta să mă oprească să recunosc strălucirea lui Betty / Diane în David Lynch capodopera. „Mulholland Drive” este unul dintre cele mai mari filme pe care le-am văzut vreodată, un film care mi-a schimbat percepția față de viață și cinema. O dramă misterioasă neo-noir situată în oras de vise , filmul urmărește o tânără actriță aspirantă, în timp ce o ajută pe o femeie amnezică ciudată să-și găsească adevărata identitate. Cu toate acestea, pe măsură ce se îndreaptă spre această călătorie, identitățile se suprapun și realitățile se unesc pe măsură ce suntem tratați cu vinete aparent fără legătură și evenimente care duc la un punct culminant care vă poate șoca până la capăt. Scrierea lui Lynch nu conferă prea multă profunzime niciunui personaj, cel puțin nu în mod explicit, întrucât canalizează aura clasicelor pietre prețioase de la Hollywood și dă un ton campion, aproape parodic, pe măsură ce ne cumpărăm în artificiul pe care îl construiește. Dar, când în cele din urmă scoate covorul de sub picioarele noastre, percepția noastră asupra realității se prăbușește pe măsură ce experimentăm frica și umilința singurătății.

Spre deosebire de ceea ce se prezintă a fi, „Mulholland Drive” nu este un alt vis suprarealist de la Lynch; mai degrabă, este o poveste sfâșietoare despre dragoste, speranță și vise și despre modul în care mințile noastre se înfășoară în jurul fanteziilor și realităților noastre. Iar Betty / Diane este oxigenul care conduce filmul; Naomi Watts, într-una dintre cele mai mari interpretări actoricești din toate timpurile, își dă sufletul și rolul în aceste două femei; aceste femei, care la fel ca doctorul Jekyll și domnul Hyde, personifică complexitățile conștiinței umane și natura existenței noastre. Niciodată de la „Persona” a lui Ingmar Bergamn nu am văzut două femei prezentate cu magnetismul straniu și energia brută pe care Lynch o afișează în „Mulholland Drive” și aceasta este o realizare în sine.

3. Charlie Kaufman și Donald Kaufman - Adaptare

Charlie Kaufman este, după părerea mea, cel mai mare scenarist din istoria cinematografiei, un om ale cărui scenarii au o intensitate străpungătoare și o umanitate care este inerent inconfundabilă. Și cu „Adaptare”, a creat cel mai mare scenariu pe care l-am citit vreodată, trasând o nouă direcție în scenariu, depășind toate tropurile convenționale care existau. Și cum a făcut asta? Ei bine, el a comis păcatul cardinal - s-a scris în scenariu. „Adaptare” trebuia să fie adaptarea pe ecran a aclamatei cărți Susan Orlean Hoțul de orhidee , despre viața lui John Laroche; totuși, blocul scriitorului lui Kaufman l-a forțat să schimbe direcțiile pe măsură ce se încorpora în scenariu și scria despre propriile sale lupte creative în adaptarea cărții. Kaufman amestecă doze grele de ficțiune într-o premisă non-fictivă în timp ce el și regizorul Spike Jonze au conceput una dintre cele mai exaltante experiențe cinematografice ale secolului - un film în același timp incredibil de hilar și de nesuportat de tragic. Iar Charlie Kaufman, personajul, se află la baza acestui meta-film; un scenarist respingător, neconfidențial, care se răstoarnă în mizeria și singurătatea sa, care se simte ca un ratat complet.

În încercarea de a-și înfățișa propria persoană fragmentată, Kaufman creează un frate fals, un aspirant regizor gregar Donald, ale cărui idei și povești neoriginale îl enervează pe Charlie. Reprezentând două școli de gândire în expresia artistică, atât Donald, cât și Charlie merg pe drumul lor, iar noi, publicul, urmărim cu seriozitate progresul lor până când mesele sunt îndreptate spre noi la final și filmul devine o parodie a cinematografiei în sine. „Adaptarea” este unul dintre cele mai originale filme pe care le-am văzut vreodată, iar Charlie Kaufman și actorul Nicholas Cage realizează, fără îndoială, cel mai convingător portret al unui geniu auto-depreciat, care își îndoiește constant locul în lume.

2. Daniel Plainview - Va fi sânge

Desigur, nu poate exista niciodată o listă de caracterizări grozave fără un film care să-l interpreteze pe cel mare Daniel Day-Lewis , probabil cel mai mare actor care lucrează astăzi. De fapt, am fost foarte aproape de a avea acest lucru la vârf și multe dintre ele au avut legătură cu interpretarea brutală a lui Day-Lewis, ca Daniel Plainview. Dar, după ce am decis că o caracterizare excelentă este o combinație de scriere excelentă, regie excelentă și interpretare excelentă, am decis că există un film care ar putea să fie cel mai bun pe acest film. Cu toate acestea, acest lucru nu ar trebui să îndepărteze nimic de această capodoperă a lui P T Anderson, unde concepe un om terifiant a cărui prezență pură rămâne în psihicul tău mult timp după ce i-ai făcut cunoștință. Anderson, ca de obicei, își lasă personajele să conducă narațiunea în „There will be Blood”, o dramă istorică epică care relatează creșterea și căderea nemiloasei, petrolierului sociopat Daniel Plainview la începutul secolului al XX-lea.

În portretizarea unui om care nu se va opri la nimic în căutarea bogăției, Anderson ne oferă una dintre cele mai bune deconstrucții ale ideii de Visul american , unde capitalismul creează și distruge viitorul. Și mai presus de toate, cea mai mare realizare a lui Anderson aici este Plainview, un personaj atât de imprevizibil și de înfricoșător, încât însăși prezența lui devine deranjantă. Orbit de obsesia sa pentru avere și bani, Plainview este un om fără reguli, fără limite; el folosește chiar și un mic orfan nebănuit pentru a-și juca fiul, astfel încât să vină ca un om de familie plin de compasiune. Și Anderson realizează filmul în jurul său, oferind o portretizare convingătoare a convențiilor societale americane de familie, credință și religie. Niciun film de la tragica capodoperă a lui Orson Welles, „Citizen Kane”, nu a reușit să ne ofere un american la fel de convingător și de complex ca Plainview în „There will be Blood”; și asta nu este o faptă răutăcioasă.

1. Erika Kohut - profesoara de pian

Și iată-l ... o alegere controversată, da, dar și cu adevărat meritată. Bijuteria lui Michael Haneke este cu ușurință unul dintre cele mai deranjante filme ale secolului și nu din cauza vreunui sânge, sânge sau violență fizică, ci pentru că Haneke are îndrăzneala de a lua ceva la fel de incitant și revigorant precum sexul și se transformă într-o explorare neliniștitoare a voyeur întunecat care se ascunde în noi toți. Am avut, într-o piesă recentă , a argumentat cum cinematograful Haneke este o explorare prelungită a violenței cu care ne-am otrăvit și cum afectează toate alegerile și deciziile noastre.

În „Profesorul de pian”, Erika este o profesoară de pian respectată și admirată, a cărei existență intelectuală este mai degrabă o fațadă care maschează dezechilibrul vieții sale sexuale și relația ei abuzivă emoțional cu mama ei. Este o femeie puternică, cu toate acestea este imposibil să-i placă sau să o relaționeze din cauza inumanității acțiunilor sale, dar pe măsură ce filmul progresează, ne dăm seama că Erika nu este menită să fie o persoană reală; mai degrabă, ea este alter ego-ul celor mai rele euri ale noastre - cele mai grave dorințe, acțiunile noastre cele mai rele și partea noastră cea mai proastă ca ființă umană. De asemenea, este insuportabilă, singură și tristă, și există momente în care se strecoară o tentă de simpatie, dar Haneke nu o lasă să persiste, pentru că nu vrea să ne placă Erika. El dorește să o urâm, nu din cauza înclinațiilor sale sexuale sau a naturii sale de control, ci pentru că vrea să ne arate oglinda a ceea ce am devenit cu toții.

O poveste de dragoste în esență, cu „The Piano Teacher”, Haneke ne oferă o femeie căreia nu îi pasă de acțiunile ei, care vrea doar să existe. Foarte rar, în cinematografie, portretizăm o femeie cu profunzimea și complexitatea pe care o afișează Erika și are mult de-a face cu zeița franceză Isabelle Huppert care pune în spectacol o viață. Puțini autori și actori au furia să rupă lanțurile și să meargă până la capăt; Haneke și Huppert au făcut-o și, făcând acest lucru, s-au înzestrat cu unul dintre cele mai mari studii de personaje pe care cinema le-a văzut vreodată.