Cele mai bune 100 de filme japoneze din toate timpurile

În primul rând, aș dori să dedic ceva timp mențiunilor onorabile și aproape ratate: laborioasele nori plutitori de la Miko Naruse, când o femeie urcă scările, dorul și sunetul mai iertabil al muntelui nu au reușit. Am încercat să las mult timp pentru a-mi încălzi munca, dar nu reușește să mă intereseze, trist de spus. Tampopo, Castelul de Nisip, Omul din spatele Soarelui, Oul lui Angel, Belladonna tristeții și Gustul de ceai, de asemenea, din păcate nu se potriveau paletului meu cinematografic. Pentru a reduce fluxul de maree pe o abundență excesivă de Akira Kurosawa și Yasujirō Ozu, nu am inclus superbul lor Stray Dog, Scandal sau Kagemusha; și nici prolificul demonstrabil Ozu’s I was Born But & hellip ;, la începutul verii, toamna târzie, singurul fiu, sfârșitul verii, aroma de ceai verde peste orez și, respectiv, o găină în vânt.

Rețineți că această listă este pentru cele mai bune filme: Deci, niciunul dintre aceste filme nu a reușit să ajungă la locul 100, indiferent. Am vrut doar să le recunosc calitatea în mijlocul atâtea alte pietre prețioase. La fel și absenții Porcilor și cuirasatelor solide, dar în cele din urmă nesatisfăcătoare, ale lui Shohei Imamura, The Pornographers și A Man Vanishes absent, împreună cu frumoasa lovitură de stat a lui Yoshishige Yoshida și Wuthering Heights, umila Conflagrare a lui Kon Ichikawa, The Heart and Ten Black Women, precum și Hirokazu Koreeda atingând După Viață, Ca Tată Ca Fiu și Nimeni Nu Știe & hellip; toate acestea m-au făcut să fiu entuziasmat să caut După Furtună când se termină acest lucru. În cele din urmă, aș vrea să iau un moment pentru a vorbi despre lucrarea lui Sion Sono: în ciuda perseverenței frustrate și a speranței disperate - nu pot spune că o singură piesă a sa, pe care am încercat-o, a meritat efortul. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance și exagerat de săracă Love Exposure sunt toate nedumerite, nu în ultimul rând din toate acestea - care a fost cel mai rău film pe care l-am văzut în această călătorie prin cinematograful japonez. Insuportabil.

Cu asta în afara drumului: Să începem. Iată lista filmelor japoneze de top realizate vreodată.

100. Poarta iadului (1953)

O aventură de epocă luxoasă, atracția Gate of Hell se află în paleta sa superbă de modele. Regizat de Teinsuke Kinugasa, cel mai faimos pentru reperul său din 1926 O pagină a nebuniei , este o poveste strâns rănită care necesită aproximativ două încercări de apreciat pe deplin, în special pentru recenziile occidentale care nu sunt familiare cu codul legat de onoare al Japoniei feudale - dar recompensează cu o răsucire bogată și cu sinistre indicii asupra amenințării supranaturale la care face aluzie titlul.

99. Lone Lone and Cub Series (1972 ... 74)

Un ciudat concurent pentru regele francizelor de benzi desenate, Lone Wolf și Cub urmărește un călău exilat și tânărul său fiu printr-o serie de șapte părți, care alcătuiesc acest loc pe listă. Partea a III-a: Carucior pentru Hades și partea VI: Cerul alb în iad sunt cei mai puternici din mintea mea - deși fiecare este demn de un ceas și este disponibil recent din Colecția Criterion începând cu acest an. Este o selecție de piese de personaje calde, cu acțiune și umor atrăgătoare, pentru a eclipsa orice formalități din narațiune - toate merită un ceas și mai mult decât demne de a-și forța propriul spațiu aici.

98. Ichi Killer (2001)

Scandalos dincolo de scandalos, rafala de stil neînfricată a lui Miike subminează orice nevoie de substanță, centralizând accentul pe depravare și exces din cuvântul go și îndeplinind promisiunea sa de durere și vărsare de sânge într-o măsură pe care câteva filme din partea legală a liniei o pot înțelege chiar. Este o distracție glorioasă și tâmpită, cu o lingură de întuneric atât de extremă încât trebuie să o iei în serios. Nu pot să nu respect Ichi ucigașul pentru că este atât de confortabil în propriul său absurd - și, în timp ce personajul titular se dovedește a fi un plictisitor clișeu, Miike găsește suficient impuls în primele etape pentru a trece la final cu mine confuz, perplex și fascinat de experiență de fiecare dată.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, omul din spatele antologiei crimei Bătălii fără onoare sau umanitate , este un artist care exprimă aici o calitate pătrunzătoare atât de minunată în ceea ce privește cinematografia japoneză mai largă: să nu-ți fie frică să îmbrățișezi filmul de gen. Battle Royale este conceput singular ca o comedie satirică uber-stupidă și, în timp ce lovește semnele umaniste pe parcurs, râurile de stropire și sincronizare comică impecabilă pe care Fukasaku le atașează chiar și celor mai morbide situații fac din film o explozie absolută. Rândul lui Takeshi Kitano este deosebit de remarcabil, eliminând toate noțiunile de respectabilitate pentru un asalt total asupra spiritului și gustului. Battle Royale este dezordonat, atât de mult este adevărat, dar felul în care regrupează atât de neobosit din nou și din nou pentru încă un atac asupra scepticilor este glorios. Fără ezitare, Fukasaku înțelege arma contondentă pe care o ține în mâini și o leagă cu toată forța. Faptul că a fost filmul său final conferă o anumită demnitate eforturilor omului - o misiune de sinucidere care lovește un os amuzant, ar trebui să fii comat să nu te simți ciupit cel puțin o dată sau de două ori. Divertisment esențial.

96. Godzilla (1954)

Un film monstru clasic care rivalizează cu cei de la King Kong și cu oricare din gama originală originală a Universal, cel puțin la scară largă. Godzilla nu are cu adevărat umanitatea și inteligența Omului Invizibil sau dorul feroce al Creaturii din Laguna Neagră - dar este distractiv. Urmărirea unui bărbat mare într-un costum dificil de moarte străbătând Japonia urbană este o experiență captivantă până în prezent, în primul rând pentru farmecul său inevitabil de umil. Se simte în acest moment și, în ciuda efectelor sale de întâlnire rapidă, este mai mult decât binevenit să rămâi acolo, ca relicvă a unei ere demult pierdute - și acum este un moment mai bun decât oricare altul pentru a spera că plumbul mascat Haruo Nakajima se odihnește în pace.

95. Fructul nebunesc (1956)

Un fondator al New Wave-ului japonez, Crazed Fruit’s concentrarea asupra flăcării tinereții își găsește picioarele cu o poveste simplă care depășește cu mult dincolo de parametrii săi umili: Sărind gardul a doi bărbați îndrăgostiți de aceeași femeie pentru a reflecta o impresie a generației postbelice în ansamblu. Acești oameni sunt înverșunați, independenți și disperați să se dovedească - cicatrici de profanarea repetată a valorilor națiunii lor. Găsește o nișă de povestire care ricoșează prin contexte sociale și politice și reprezintă primii pași largi ai Noului Val. Pe măsură ce această listă continuă, vom vedea că mișcarea de lungă durată s-a aventurat pentru totdeauna în interior - fie fascinat, fie speriat și, făcând acest lucru, găsind o narațiune nu despre națiuni - ci despre sexualitate, perversiune, violență, lăcomie, supranaturalitate și psihoză. Al doilea război mondial s-ar putea să se ascundă în aceste povești - dar mi se pare intrigant să-l abordez la fel de deschis ca Fruct nebun În cele din urmă, sa concentrat mai degrabă decât asupra exploziei temei.

94. Viața lui Oharu (1952)

Primul nostru film de Kenji Mizoguchi, Viața lui Oharu dovedește un studiu de personaj în mișcare clasică care face ca protagonistul său să reflecte situația femeilor din Japonia de după război, lucru pe care Mizoguchi l-a făcut admirabil de-a lungul carierei sale. O piesă dramatică, complexă și expansivă, care folosește timpul pentru a evidenția situația care devine rapid punctul său central, Mizoguchi produce una dintre cele mai bune lucrări ale sale doar pentru modul în care atât de umanist se înclește și se rupe împreună cu Oharu însuși - regizorul mișcat de adversitatea cu care se confruntă. Această relație care sângerează direct pe ecran permite filmului să-și ridice drama dincolo de credibilitate.

93. Dreams (1990)

Scris pe spatele propriului său subconștient, Akira Kurosawa’s Visele este o pictură picturală a interiorului minții unui om: comparabil cu Pastorală cu excepția lipsei sensibilității New Wave în favoarea unei explorări mai măsurate și mai calme în rătăcirile nocturne ale Kurosawa. Colecția rezultată de vinete dezvăluie ceva brut și unic despre modul în care viața este filtrată prin lentilele subconștientului nostru - și în acest lucru ar putea fi doar cel mai cinstit film realizat vreodată de Akira Kurosawa. O bijuterie lucidă, minunată.

92. Parada funerară a trandafirilor (1969)

Piesa larg deschisă a regizorului Toshio Matsumoto asupra lui Oedipus Rex (poate cel mai bun cinematograf are de oferit), Parada funerară a trandafirilor marchează un esențial crucial pentru sexualitate alternativă și imagini provocatoare de gen în cinematografia japoneză - și se comercializează fără limitele care au transformat mișcarea astăzi. Este atât o sărbătoare, cât și o critică a expresiei umane, înțelegând confuzia cu care se confruntă personajele sale, precum și îmbrățișând propriile decizii cu umilință și bucurie. Această conjectură critică de conflict este ceea ce definește Parada funerară a trandafirilor Succesul și, deși nu cred că este realizarea încoronată a lui Matsumoto, dispărut, felul în care și-a promovat subiecții într-un mod atât de cinstit este ceva ce am putea învăța cu toții de astăzi.

91. Paprika (2008)

Filmul din 2008 al lui Satoshi Kon este adesea comparat cu cel al lui Chris Nolan Inceput - ambele bazate pe concepte de invazie și constrângere de vis. Cred că diferența cheie care îi lasă pe fani împărțiți pe o baricadă este faptul că încercarea lui Nolan deține o rezonanță emoțională mai mare și o concentrare a personajului - dar toate acestea se împotmolesc într-o structură plictisitoare. Kon scrie timp de 85 de minute și umple fiecare cadru cu o înfloritoare îmbătătoare de energie și culoare - punând în legătură între straturi cu o asemenea libertate și flexibilitate în povestiri, încât munca mai densă a lui Nolan pur și simplu nu poate ține pasul. În cele din urmă, ambele stau ca exemple solide de artizanat și ingeniozitate - dar în ceea ce privește ceea ce aș prefera să pun la sfârșitul unei zile grele, nu există niciun concurs. Și pentru a descoperi marea gamă de puteri creative Paprika deține în arsenalul său, mai presus de a fi doar o aromă distractivă a Inception - trebuie doar să apuci un blu ray și să joci.

90. Extazul îngerilor (1972)

În calitate de mișcare la nivelul întregii industrii, simt că punctele predominante ale noului val japonez se învârt pe baza sexului și a violenței. Ambele sunt intrinseci vieții și artelor - elemente care continuă să cocheteze producția cinematografică mondială - dar simt că puține filme le abordează într-un angajament. Extazul îngerilor înțelege propria vulgaritate. Relațiile continue ale regizorului Kōji Wakamatsu cu astfel de subiecte extreme i-au oferit abilitatea de a perfecționa descrierea unor personalități brutal violente - iar rezultatul este o explorare nebună Sid-Nancy-esque în pierderea anarhică a sinelui, precum și o nuanță amară de romantism aruncată în blenderul. Indiferent de punctul de vedere de la final, este o plimbare sălbatică.

89. Acționare ornamentală (1941)

Dintre toți artiștii de dinainte de război a căror amintire este extrasă de timp, Hiroshi Shimizu este probabil principalul dintre cei care au nevoie extrem de redescoperire. În ciuda lansării abundente a Eclipsei de către colecția Criterion (o durere pentru a obține și a juca oriunde în afara Americii), el pare să nu fie menționat printre cei mai importanți regizori ai perioadei și sunt absolut de părere că ar trebui să fie susținut printre cei mai buni dintre ei. Ac de păr ornamental a fost eliberat în timp ce Japonia trăgea America în cel de-al Doilea Război Mondial și totuși este dantelat de o speranță și o simplitate care păstrează o vârstă mai civilizată - sau cel puțin vorbește despre pacifismul pe care ar fi trăit-o Shimizu de la o zi la alta - ignorând un conflict el îl consideră barbar și sfidează imaginea exterioară a Japoniei de atunci. Fără să tulbure această descriere în prea multe politici, Ac de păr ornamental se numără printre cele mai bune caracteristici create de Shimizu și minimalismul său durabil este cel care îi asigură rezonanța frumos subevaluată.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Nu mă îndoiesc că am fost întâlnit cu un vitriol răspândit pentru a plasa atât de scăzut un clasic atât de admirat universal - dar trebuie spus că printre nenumărate mii Ugetsu Monogatari se clasează încă printre cele mai bune 100 de filme japoneze realizate vreodată. Am un dezgust distinct pentru capodopera mărturisită a lui Mizoguchi: o rană persistentă de direcție uneori prea simplă care îi distruge adesea artificiul atât de des perfect și îi distruge orice efect anterior. Acestea fiind spuse, aș minți dacă nu cumva să menționez cât de fascinant a fost acest film pentru mine când eram mai tânăr și, în ciuda unei serii dezamăgitoare de reviziuni din vremurile recente, a momentelor magice în care totul se încadrează la locul său și a lui Mizoguchi compusă în mod miraculos, captivant din punct de vedere cinematografic și în cele din urmă atracția umană s-a strecurat înapoi în venele mele. Ugetsu Monogatari pătrunde pe listă parțial pentru că este o lucrare seminală, ceea ce este păcat pentru că mă mândresc cu faptul că pun preferința personală asupra statutului: dar esența problemei este că vreau să o iubesc. Într-o zi curând, afecțiunea ar putea reapărea și capodopera lui Mizoguchi va crește și mai sus. Timpul va spune.

87. Infernul primei iubiri (1968)

Urmărirea paralelelor în concepția sa se întoarce direct la gusturi Cu sufletul la gura și compania meditativă a lui Eric Rohemer în Noaptea mea la Maud’s din Nouvelle Vague, Infernul primei iubiri este o observație liniștită, frumos absorbantă, a unui cuplu care face primii pași împreună și a aerului primitor, pasionat, supărat, rece, adesea gol, care atârnă în jurul lor în timp ce încearcă să valorifice conexiunea pe care titlul filmului o promite atât de îndrăzneț publicului său. Este o operă de artă cu întreținere redusă, care recompensează spectatorii pacienți cu interacțiuni umane în mișcare.

86. Cure (1997)

Editarea în Vindeca este mortal. Acesta progresează până la un punct în care doriți să priviți în altă parte, Kurosawa umple audiența cu o înțelegere implicită a nemiloasei filmului său în felul în care traversează rutina internă și cadavrele împrăștiate cu sânge la fel de natural ca respirația; și tocmai această acceptare extrem de rece, aproape psihotică a morții în viață mă face să-l întreb pe ofițerul său principal, Takabe, și cât de naibă este situația cu privire la violența din Japonia atât de obișnuită cu crimele brutale. În timp ce se mișcă într-un târâtor lent care începe să submineze tensiunea fără suflare, Kiyoshi Kurosawa a reușit să respire în bucată, Vindeca este încă o completare mai mult decât demnă la puternicul său canon cinematografic.

85. Somnul rău bine (1960)

Cea mai slabă adaptare la Shakespeare a lui Akira Kurosawa rămâne unul dintre cele mai puternice filme ale sale, urmărind în mod vag povestea lui Hamlet cu o bătaie de critică corporativă care așteaptă în aripi. Ținută împotriva altor versiuni, în ciuda tangenței sale, BSW se află ca o interpretare slabă a veneratei piese a cărei compoziție încărcată de dialog nu reușește să surprindă lățimea și greutatea dramei lui Shakespeare - deși cultivă un stil curosawan unic de povestire care adaugă o dimensiune suplimentară materialul sursă și forjează un ritm narativ delicios convingător. Cu totul mai modern și mai suspans decât inspirația sa, The Bad Sleep Well este o vizită obligatorie pentru fanii Kurosawa care doresc abilitatea și subtilitatea eforturilor sale contemporane.

84. Tetsuo: Omul de Fier (1989)

Abordarea Tetsuo cu stomacul slab este ca și cum ai lua un glonț fără vesta. Amestecate împreună cu o mizerie de recuzită, seturi aglomerate și efecte speciale dureroase - există o Tetsuo: The Iron Man’s urmărirea neplăcutului care îl face admirabil. Am un respect pentru ieftinitatea pe care creatorii săi s-au ocupat pentru a obține cea mai mortificantă experiență posibilă: Șocant cu amestecul lor sonor și cu imagini monocromatice murdare care aruncă ceea ce știm pe tărâmul enigmei. Alb-negru pictează chiar și cele mai recunoscute obiecte care alcătuiesc Tetsuo ’ lumea ca niște bastioane oribile ale necunoscutului, târându-se sub crăpături și prindându-se de noi pentru a începe o metamorfoză a mutației atât violente, cât și inevitabil îmbolnăvitoare. Este o lucrare care depășește punctul de îngrijorare pentru sensibilitățile delicate ale publicului - și tocmai asta ar trebui să fie groaza corporală bună. Tetsuo: Omul de Fier este fără îndoială una dintre cele mai bune.

83. Black Rain (1989)

Un film ciudat cronometrat care îl consideră co-inclus în tratatul propriu al lui Isao Takahata asupra taxei umane a bombelor nucleare aruncate la punctul culminant al celui de-al doilea război mondial și tratează teme similare, Black Rain’s inferioritate față de minunat Mormântul licuricilor în nici un caz nu înseamnă că trebuie neglijat. În orice caz, legiile de admiratori care se adună pe bună dreptate în jurul operei lui Takahata ar trebui să se adune și aici. Primul film al lui Shohei Imamura pe această listă, Ploaie neagra aruncă o privire profund tragică, minuțioasă și personală asupra greutății exploziei nucleare: abordarea vinovăției supraviețuitorului, a ostracizării, a durerii, a pierderii și acceptării evenimentului și a ramificațiilor sale grave într-un stil cu tact direct, caracteristic Imamurei, care este modul său propriu la fel de izbitor și imediat ca Hiroshima dragostea mea luciditate onirică.

82. Umanitate și baloane de hârtie (1937)

Un clasic formalist în același tărâm cu venerabilul corp de operă al lui Kenji Mizoguchi, cu excepția faptului că aici, la fel de venerat regizor Sadao Yamanaka se ține cu o smerenie de la care toată lumea care intenționează să intre în lumea cinematografiei poate învăța. Celălalt tablou celebru al său, Potul milionului Ryo , este o poveste comparativ calmă, sobră compusă și dramatizată cu expertiză - deși cred că marginea atinge Umanitate și baloane de hârtie deoarece reușește să facă o declarație mai largă despre esența vieții de zi cu zi. Confortul titlului său ambițios, jucăuș, răsună în fiecare cadru și, deși nu este un film, mi s-a părut intens convingător sau chiar cu răbdare mișcare - există ceva aici care necesită un ceas.

81. Silence (1971)

Adaptat din același roman abordat recent de Martin Scorsese, al lui Masahiro Shinoda Tăcere servește ca un punct de vedere fascinant asupra diferențelor dintre stilurile cinematografice occidentale și orientale. Tonul stoic exterior și dur al lui Scorsese este împăturit în favoarea unei perspective mult mai umile sub mâna studiosă a lui Shinoda, permițând un fir de remușcare și sentimentalism într-o abordare de altfel captivant naturalistă, dezbrăcată. O scenă care evidențiază priceperea lui Shinoda în dezvoltarea unei atmosfere lumești pentru povestea sa religioasă fără a fi nevoie de manipulare vine sub forma unei bătrâne care cântă într-o cameră plină de oameni: Abia un cuvânt rostit rezonează cu povestea la îndemână și nici nu există o caracterizare ulterioară transmisă - și totuși, conferă restului filmului o vitalitate inevitabilă, care se învârte atât de evocativ sub greutatea angoasei și disperării cu care se confruntă preoții și discipolii lor. Subevaluată și atrăgătoare, umilința sa este în fruntea piesei legendarei regizori italo-americane pentru mine în orice zi.

80. Go Go Virgin Second Time (1969)

Facând imediat lucrurile dificile pentru sine, Du-te Du-te Fecioară a doua oară își atinge timpul de execuție de 65 de minute cu una dintre mai multe scene incomode de viol. Construirea unei narațiuni din relația serendipită a tânărului afectat cu un ucigaș la fel de tânăr și tulburat, care a urmărit din depărtare opusul scurt, dar vital al regizorului Kōji Wakamatsu, se definește prin a nu atașa niciodată convenția narativă la împerechere. Lăsat pe propriile dispozitive, revelații și conversații, filmul folosește surprinzător bugetul său abundent, cu o compoziție frecvent eficientă în caracterul noului val japonez, precum și o descriere confruntată a violenței sexuale mult mai atrăgătoare, densă și prevăzătoare decât Nagisa. Infamul ratat artistic al lui Oshima din 1976 (și asta o pune cu generozitate) În Tărâmul Simțurilor .

79. Păcătoșii iadului (1960)

Marcat de un scenariu mai puțin intuitiv și de un complot lipsit de lumină, Păcătoșii Iadului încă reușește să-și croiască locul pe această listă pentru controlul excepțional al artificiului. Fiecare cadru este plin de lumină umedă și acoperit cu o paletă de culori tulburi, punctate ocazional de înțepături pătrunzătoare de roșu, care servesc ca o amintire subtilă a agoniei viitoare. Vezi, Jigoku este un joc de așteptare: un film care își pleacă timpul în lumea monotonă reală înainte de a se arunca în Iad. Scena excelentă de deschidere oferă publicului un suflu de sânge care tentativ tentativ în orice altă scenă până când ni se permite în sfârșit să experimentăm Tartarusul pentru noi înșine: o cavalcadă de setwork uimitoare, culoare glorioasă, figuranți excesivi și panică autentică, deoarece personajelor li se acordă timp pentru contemplă consecințele acțiunilor lor. Deci, în timp ce este plictisitor, recompensa ne recompensează cu mandate de urmărire Păcătoșii Iadului cel puțin o dată - pentru puțin în cinematografie se potrivește cu viziunea sa intrinsec conflictuală, fără viață, a lumii interlope.

78. Douăzeci și patru de ochi (1954)

După locul matriarhal al unei tinere femei în fruntea unei clase de școlari și implicațiile sale asupra societății înconjurătoare, Twenty-Four Eyes este un text feminist căruia îi lipsește neutralitatea de gen transcendentală a unui lucru la fel de magistral ca Jeanne Dielman, dar își păstrează locul ca rol important lucrează pentru o performanță centrală puternică de la Hideko Takamine și piesa narativă Thiassos-esque care se desfășoară între 1928 și 1946 într-un studiu amplu al politicii interne și al progresului percepției de-a lungul anilor de la pace la război.

77. Mr. Thankyou (1936)

Meditația tactică a lui Hiroshi Shimizu asupra interacțiunii noastre, Domnule Multumesc urmărește un grup de oameni într-un autobuz și explorează tot felul de caracter emoțional în călătoria de o oră până la destinație (fericindu-se să se îndepărteze de un drum cu autobuzul care s-ar termina mult mai ușor puțin mai târziu pe această listă). Este un portret fermecător al poeziei din viața de zi cu zi, care se ridică deasupra multor filme mai ambițioase superficial de pe această listă pentru capacitatea sa de a sta și de a vorbi puțin peste 60 de minute, fără a rata o bătaie. O mică comoară.

76. Strada Rușinii (1956)

Zguduit pe marginea unui opus, al lui Kenji Mizoguchi Strada Rușinii este una dintre marile cântece de lebădă - una care trage din toată experiența cinematografică a omului până acum în cariera sa și o asamblează într-o lucrare oportună, caracteristică atentă și remarcabil umană. Trăind într-o cămăruță în amurgul legalității prostituției în Japonia, Mizoguchi construiește o tapiserie frumos mișcătoare de conflicte și „amoralitate” aparentă, având în vedere adevărata sa față care străpunge percepția și ne permite să vedem prejudecățile din trecut. În zilele noastre, publicul se bucură de multe ori de personaje clar antieroice sau neobișnuite din punct de vedere criminal datorită strălucirii strălucitoare a Buni prieteni și alte interpretări leioase, adesea vesel sadice, ale unor personaje moral nesănătoase. În 1956, în special în timpul unei tranziții legale - un astfel de film trebuie să fi fost nemaiauzit. Femeile din Strada Rușinii doar încearcă să trăiască - și asta le face povara lor cu atât mai sfâșietoare.

75. Buruieni plutitoare (1959)

Considerat pe bună dreptate printre cele mai mari realizări ale lui Ozu ca artist, 1959 Buruieni plutitoare urmărește o trupă itinerantă de interpreți și problemele familiale cu care se confruntă în timpul călătoriilor lor - în special reuniunea unor părți separate anterior, care amenință să absolve compania de teatru profitabilă. Este la fel de puternic ca cele mai bune filme ale lui Ozu, dar eu nu mă gândesc la o poveste de povestire aici, în special la structură. Ținând cont de unele dintre filmele Ozu de mai târziu pe care le vom întâlni aici, nu le poate ține o lumânare - dar cel puțin este o măsură a cât de iscusit era un artist Buruieni plutitoare încă reușește să spargă primele 75 într-o formă luminoasă și contemplativă. Încă seminal.

74. Pastorală: să mori în țară (1974)

Shūji Terayama Pastorală este un exercițiu sublim de ciudățenie. Ar fi naiv ca cineva să dubleze această ramură specială a bizarului „suprarealist”, deoarece Pastorală este mult mai puțin subtil decât atât: împachetarea scurtului său timp de execuție plin de comedie absurdistă și imagini fantastice care amintesc de o amintire pe care regizorul a trăit-o în viitorul său. Înțelesul unei astfel de inspirații este puțin în fața complotului și ideilor sale - deși, la fel ca în lucrarea sa anterioară, laxitatea de complot a lui Terayama nu afectează în niciun fel experiența pe care încearcă să o furnizeze - și dacă magnus opusul său încearcă să exprime furia și pasiunea unui tânăr nemulțumit, atunci acesta este urmărirea lui mai personală: o explorare într-o minte captivantă superb fotografiată și realizată cu căldură. Este ușor să faci un film ciudat, dar pentru a accentua apoi impactul, virtuosismul vizual cu personalitatea, tehnica și abilitatea regizorală este ceva ce omul realizează aici. Este cu adevărat ceva de văzut.

73. Perfect Blue (1998)

Un strigăt definitoriu de talent de la animatorul Satoshi Kon, Albastru perfect găsește fizicitatea în lupta internă a unui idol pop în retragere care încearcă să înțeleagă noua ei identitate - totul înfășurat în împingerea în continuă evoluție a lumii moderne. Sensibilitățile vizuale ale lui Kon duc atât la momente cinematografice superbe, cât și atât de trist exagerate - dar cred că designul narativ îmbătător Albastru perfect găsește în nemulțumirea cu care protagonistul său se torturează și, făcând acest lucru, este torturat îl împinge peste orice sughiț regizoral. Este o piesă metafizică care își permite să facă groaza reală - care împinge limitele trăsăturilor animate tradiționale pentru ceva cu totul mai întunecat și mai deranjant pentru vitejia sa. În ciuda lui însuși, Kon nu se îndepărtează de realitate în descrierea degradării sale mentale - și asta ancorează dilemele altfel datate ale Albastru perfect până azi. Un experiment de animație fascinant, adesea nedumeritor.

72. Apa întunecată (2002)

O evoluție directă a terifiantului Inelul , Hideo Nakata Apa intunecata reprezintă al doilea hit al regizorului și poate doar altul - și unul care reușește să-și aducă stilul chiar mai departe. Are o maturitate care scapă multor J-Horrors, sprijinind puterea dramei sale, cu o atenție vicleană la echilibru și precizie pe care artiștii mai mici nu ar putea să o înțeleagă. Urmărirea palpitantă a unor obiective nevăzute reverberează în fiecare scenă, iar moda este inevitabilă într-o armă nu numai de frică, ci și de constrângere.

71. Yûkoko: Ritul iubirii și morții (1966)

Yûkoko: ritul iubirii și al morții este infam din câteva motive, și anume pentru că directorul său Yuiko Mishima s-a sinucis și prin seppuku după o lovitură de stat militară eșuată. Omul a stat la baza celui mai bun film al lui Paul Schrader, O viață în patru capitole , și se centrează ca un subiect demonstrabil fascinant aici - folosind înscenarea Noh și compoziția puternică pentru a-și mărturisi mesajul fără cuvinte. Efectele speciale care provoacă scârțâituri sunt extrem de impresionante pentru timpul lor, simulând actul lui Harakiri ca efect uimitor și făcând punctuația perfectă pentru patriotismul lui Mishima. Fără predare.

70. Akira (1988)

Un punct de reper strălucitor, neon, dantelat al animației japoneze și infiltrarea ei în centrul scenei internaționale, Akira marchează un punct revoluționar din anime și impresionează chiar și astăzi prin culorile sale strălucitoare, futurismul drăguț și transformarea sumbruă a personajului de titlu amorf și abominabil. În timp ce structura poveștii este aglomerată de note laterale și nu poate găsi o direcție clară în care să se dezvolte, realizarea popping a Akira’s acțiunea și fapte mai impresionante de animație sunt ceea ce o face atât de influentă și de captivantă, captivantă cu ecrane cu viniete realizate expres și transcendând prostia cu fălci slabe a progresiei sale pentru ceva cu adevărat spectaculos. Este vicios, dinamic și plăcut - un clasic demn și un început pentru o epocă minunată de a produce animații de înaltă calitate.

69. Sansho executorul judecătoresc (1954)

În acest moment trebuie să mărturisesc: nu mi-a plăcut niciodată opera lui Kenji Mizoguchi. În ciuda faptului că a încercat de mai multe ori să-mi pătrund în imagini, nimic nu s-a blocat vreodată. Puține lucrări despre mine mă angajează și ceea ce există la un nivel scris coboară în anostă după ce o transplantează atât de direct pe ecran. Fără îndoială, există o minune în lucrarea omului - dar continuă să mă iluzioneze. Cu toate acestea, în minte, am găsit cel puțin o consolare în reluarea mea Sansho executorul judecătoresc pentru această listă - un film care mă lăsase anterior frustrat de risipa de materiale atât de puternice. Această încercare a înflorit într-o nouă apreciere a abordării iconoclaste a lui Mizoguchi, una care se simte vacantă în lucrările sale anterioare. Este piperat de scene care afectează profund și, deși simt că filmul este prea lung de aproximativ 20 de minute - și ar putea ajunge la tărâmurile măiestriei într-un spațiu mai succint în mișcare - cel puțin a creat teren pentru legendara artistă de pe această listă. Poate că peste ani aș pune munca lui Mizoguchi mai sus aici - nu putem decât să sperăm.

68. Onibaba (1964)

Primul nostru film de la Kaneto Shindo, Onibaba învârte o poveste de neîncredere și înșelăciune - două femei hoțe influențate de o mască posedată care își caută în curând propria agendă. Atmosfera de paranoia Shindo se dezvoltă prin punerea în scenă atentă și povestea discordantă echivalează cu succesul filmului în replicarea de noi personaje și evenimente pentru a spori sentimentul de frământare al publicului, împreună cu cel al jucătorilor săi principali, pentru a alimenta o conexiune emoțională paralelă. Dar cred că, mai presus de toate acestea, Lui Onibaba statutul de durabil ca un clasic al cinematografiei japoneze de groază provine dintr-o singură fotografie: o singură imagine care împachetează atât de multă energie viscerală în liniștea sa paralizantă, încât am fost fizic surprins de el - descurajat să mă aventurez înapoi în Onibaba de teama de a întâlni aceeași prezență terifiantă. În fața aceluiași set de cadre perfect bântuit, restul filmului aproape se estompează în comparație: Dar a-l descărca în totalitate ar însemna să pierdeți punctul de vedere al unei astfel de acumulări controlate, precum și punctul culminant al acestuia, gestionat senzațional.

67. Sonatine (1993)

Ceea ce este întotdeauna impresionant la lucrarea lui Takeshi Kitano este felul în care dă împrumut chiar și celor mai istovitoare scenarii. Aproape lipsă Focuri de artificii și Polițist violent amândouă își împărtășesc într-un fel locul lor pe listă cu opusul său, Sonatine , și toți vorbesc despre popularitatea sa în Japonia nativă ca comediant de ecran și despre modul în care acele rădăcini se filtrează subtil în ofertele sale cinematografice. Fiecare cadru pe care îl locuiește strălucește - în ciuda compoziției sale de povești întunecate și adesea brutale. Jocul cu percepția noastră despre moralitatea și simpatia umană atât de abil este ceea ce face Kitano o figură la fel de fascinantă care a ieșit din cinematograful japonez în ultimele decenii - și demonstrează, așa cum a fost atât de priceput spus de Rodger Ebert după ce am văzut Sonatine , că studiile crimelor sângeroase nu trebuie să sacrifice profunzimea pentru logodna a-la Tarantino cu monologurile sale superficiale și „caracterizarea” portavocei. Kitano le poate face pe amândouă.

66. Demonii (1971)

Filigranul New Wave Toshio Matsumoto a uimit cu 2 ani înainte cu rafinatul său Parada funerară a trandafirilor iar demonii lui 71 își mențin elanul senzorial cu un peisaj nocturn puternic împușcat, care aruncă fiecare imagine în locuri întunecate - numai jucători și jucători luminați în întunericul coșmarului. Alți regizori au experimentat cu această tehnică, probabil un prim exemplu remarcabil care a stat cu interogarea lui Louis Malle în Elevator to the Gallows - dar puțini au împins-o la astfel de efecte invazive - fiecare împușcare a provocat un sentiment extins de frică și, în mod crucial, disperare. Oricât de apropiați ar fi protagoniștii să scape de atacatorii lor supranaturali - nimic nu este niciodată sigur. În mod clar, aceasta este o groază existențială exemplară.

65. Still Walking (2008)

Cred că umbra falnică a lui Yasujiro Ozu poate arunca o umbră considerabilă asupra oricărui producător de filme dramatice, iar îndrăgitul Hirokazu Koreeda este probabil șeful printre cei afectați. Omul încearcă să se sustragă comparației comparându-și lucrarea cu cea a lui Ken Loach, mai mult decât legenda japoneză, cu toate acestea o asemenea asemănare este de neevitat și evidențiază mai multe neajunsuri în metoda lui Koreeda. Ozu te invită să te așezi cu personajele sale și dezvăluie treptat punctul poveștii, în timp ce Koreeda își bagă camera în aceeași cameră cu drama și doar observă în tăcere. Stilul său este mult mai puțin direct, oarecum amintește de tehnica maestrului taiwanez Hsiao-Hsien Hou, dar încă și mai detașat.

Cu toate acestea, refuzul lui Koreeda de a pătrunde, totuși, duce la câteva momente puternic intime mai târziu pe linie - unde începe să înflorească pe măsură ce personajele ne permit să punem capăt celor șase grade de separare dintre lumea lor și a noastră. Ceva la fel de simplu ca o persoană care se apropie de un pian, extremă disparitate în focalizare, subliniind importanța scenei, face minuni în a oferi publicului mici și evocatoare priviri în mintea personajelor sale. Intr-adevar Încă Mergând este un bastion al speranței care îi încurajează pe producătorii de filme din Japonia contemporană să cadă în plaja dramaturgiei de familie și să se străduiască să o impregneze cu aceeași constrângere și impact ca artiști precum Ozu și Naruse cu toți acei ani în urmă. Cu regizori precum Sion Sono pe scenă, este un cadou că oameni ca Hirokazu Koreeda sunt încă în jurul coastei deasupra burtelor subțiri și ne oferă ceva atât de liniștit și captivant în portretul vieții suburbane.

64. Mărturisiri printre actrițe (1971)

Un film brutal onest, caracteristic deschis - care nu este asemănător cu inchizarea neîngrijitoare a Lumina de iarnă - Yoshishige Yoshida Mărturisiri printre actrițe urmărește traumele care au făcut ca trei femei să se angajeze în meseria lor - primul film colorat al regizorului și, fascinant: unul care, în această nouă bogăție roșie de benzi colorate, îndepărtează o mulțime de lucrări extreme ale camerei sale pentru o goană goală și goală a adevărului și efectul său asupra acestor oameni. Revelația este, în felul său, o formă de vindecare - și a lui Kiju Yoshida Mărturisiri printre actrițe funcționează minunat ca o dezbatere asupra acestei idei.

63. Balada lui Narayama (1984)

Balada lui Narayama reprezintă probabil cel mai faimos film al lui Shohei Imamura, în sine un remake al unui clasic la fel de venerat. Ceea ce diferențiază piesa lui Imamura este abordarea sa tactilă a acțiunii umane - fascinat de răspunsurile sumbre și psihicele mutante, o mare forță emoțională asupra mintii unui bărbat sau a unei femei. Filmele sale anterioare au tratat astfel de subiecte mult mai bine, cu toate acestea, cred că nu exclude Balada lui Narayama din a sta înalt printre ei. Povestea sa populară familiară este un studiu la fel de atent asupra comportamentului uman și, în timp ce îi lipsește morbiditatea care i-a dat mușcătura operei sale din anii '60, Shohei Imamura oferă încă o piesă de artă reală plină de compasiune.

62. Mandara (1971)

Mandara este, în felul său, unul dintre cele mai fascinante filme cinematografice de la începutul anilor șaptezeci. Provocatoare, dar universal plină de satisfacții în ceea ce privește tema, fotografia și starea de spirit uimitoare pe care o creează - este o lucrare inegalabilă de ciudată care ar fi putut intra în eșaloanele superioare ale acestei liste dacă aș fi avut timp să mă scufund mai adânc în lumea ei bogat de bizară. Este suficient să spunem: această bijuterie New Wave puțin văzută este o necesitate absolută.

61. Povestea prințesei Kaguya (2012)

Venerabilul Isao Takahata revine la forma din 2012 după uimitorul din 1988 Mormântul licuricilor , Povestea prințesei Kaguya este doar superb. O fabulă de familie potrivită pentru orice vârstă, stilul său de animație absolut frumos revine la design-urile clasice pictate într-o pătură de alb - un ideal înapoi la elementele de bază care a inspirat proprietăți în mai multe medii de atunci. Extragerea estetică de mare anvergură Kaguya nu este chiar eclipsat de poveste - dar constrângerea sa luminoasă cinematografică este încă în mod inevitabil îmbătătoare de la început până la sfârșit și necesită atenție de la orice fan al animației.

60. Numele tău (2016)

Cel mai recent film de pe această listă, cel de anul trecut Numele dumneavoastră este o revelație. Cinematograful popular din America poate fi adesea atât de lipsit de viață și cinic, chiar și scena sa independentă începe să fie atrasă de faimă mai mult decât de merit artistic (pentru a nu discredita excepțiile evidente de la această observație în creștere). Spun toate acestea pentru că după ce am studiat lansările japoneze contemporane pentru această listă, este palpitant să ai un film la fel de minunat ca Numele dumneavoastră să fie la fel de reușit în mainstream ca și cum a fost. Japonia a fost atât învinsă, cât și înzestrată cu o serie de caracteristici animate de atunci Akira în 1988 și în timp ce durul mlaștină adesea diamantele de sub el - un film atât de puternic a pătruns cu ușurință. Fără introducere sau comentariu vezi Numele dumneavoastră . Este ceva cu inima și intenții oneste pe care le-am putea lua cu toții o lecție de astăzi.

59. Nausicaä din Valea Vântului (1984)

Nausicaä din Valea Vântului este un bastion timpuriu al abilității sublime ca artist a titanului de animație Hayo Miyazaki. Povestirea este deosebită - construiește un fel de viitor apocaliptic urât ca și cum ar fi în propria noastră lume cu libertate de direcție și realizare superbă a florei și faunei unice a țării - toate populate cu o mulțime diversă de suflete singuratice care exprimă recunoașterea târâtoare a lor nedorite lumea minunat. Prima dintre numeroasele lucrări de la Miyazaki cu adevărat sincere, originale și inspirate delicios.

58. Să dansăm? (1996)

Cred că ceea ce separă Să dansăm? din orice altă imagine „afirmarea vieții” este cât de serioasă este. Tratatul lui Akira Kurosawa privind împlinirea (sau lipsa înfiorătoare a acestuia) din Ikiru este un contrast puternic cu farmecul inofensiv de aici - unul care germinează în mod natural și se strecoară în inimile noastre, mai degrabă decât să-și pătrundă calea prin puncte de complot conduse cinic. Este un film minunat - unul care a primit o poziție atât de înaltă pentru cât de fericită este povestea ei și cât de confortabil este regizorul Yoshikazu Suo cu produsul său. O placere.

57. Akitsu Springs (1962)

Marea descoperire a lui Kiju Yoshida, Akitsu Springs reprezintă zorii a ceva special în tărâmurile noului val japonez. Încă din 1962, Yoshida a reușit să aducă focul psihosexual al multor filme japoneze din acea vreme și să-și conecteze profunzimile interioare cu o acuratețe impecabilă - o fascinație pe care ar continua să o accentueze doar pe măsură ce trecea timpul. O serie de urmări la fel de fantastice l-au consolidat ca membru cheie al mișcării, dar pentru mine este Akitsu Springs care este cel mai puternic ca proprietar al geniului său cinematografic.

56. O soție mărturisește (1961)

Primul nostru film, datorită prolificului Yasuzo Masumura, din 1961 O soție mărturisește este o realizare încununată a primului val japonez timpuriu. După o femeie acuzată de moartea presupusă accidentală a soțului ei, aceasta surprinde valurile de agresivitate, cinism și diversiune caracteristice laturii întunecate a cinematografiei japoneze din acea vreme - cu excepția violenței sale deseori sângeroase și brutale. Ceea ce avem aici este violența minții, împușcată prin voci împânzite de amărăciune și urmărită de ochi căutând un caz sărac, încarcerat pe viață, pentru a-și compara propria lor mizerie. Este morbiditatea voalată a O soție mărturisește care oferă o apăsare gravă mușcăturii sale sociale.

55. Dorințele profunde ale zeilor (1968)

Cel mai lung film al lui Shohei Imamura, Dorințe profunde ale zeilor este, de asemenea, poate filmul care exemplifică cel mai pe deplin stilul său. Urmând dinamica tensionată a unei colonii izolate și romantismul înfloritor care înflorește în urma ei, direcția ușor îndepărtată a Imamurei și strălucirea impregnată a integrității aproape jurnalistice permite un document fascinant despre viața nativă, dragostea și modul în care suntem indisolubil atrași de propriile dorințe - fie prin intermediul unui impuls primar împărtășit în mod conștient, sau printr-un implant intangibil trimis direct de sus. În cele din urmă, întrebarea principală a lui Imamura pentru mine a fost greu de gestionat: Este mai ușor să acceptăm că zeii noștri sunt cruzi sau că suntem noi?

54. Condiția umană partea 1: Nici o dragoste mai mare (1959)

Primul dintr-o trilogie epică de filme, Condiția umană partea 1: Fără dragoste mai mare este un film care ar stabili precedentele urmăririlor sale - o listă atât a punctelor forte, cât și a punctelor slabe, regizorul Masakai Kobayashi ar avea timp să învețe doar din retrospectivă, clarificând niciodată echilibrul perfect pentru piesa sa extrem de ambițioasă. Fără dragoste mai mare prezintă mai multe momente nemuritoare, în special o scenă de execuție care durează 10 minute și vede furia fierbinte a bulei oprimate Manchu dincolo de frica pe care toate armele și sârmă ghimpată o inspiră pentru ceva deosebit de rezonant până în prezent - precum și sfârșitul unei arc pentru mai multe personaje. Este un film de lungă durată, suprasaturat și ineficient & hellip; dar este, de asemenea, o examinare magistrală a numărului de război. Dezechilibrat la extrem, Condiția umană Capitolul inițial găsește un teren suficient de solid pentru a forma un film nici execrabil, nici excepțional: dar unul încă suficient de demn pentru a intra în top 60 aici.

53. Aruncă-ți cărțile, Rally in the Streets (1971)

Aruncați-vă cărțile, Raliul în stradă este o gură de sânge în cap. Un aranjament vibrant, lipsit de listă, de vinete deconectate care pictează o imagine vie a detașării tinerilor japonezi de valorile vechi. O respingere a formalismului pentru ceva cu totul mai modern, futurist - tăiat în bucăți și totuși total confortabil în propria sa neînțelegere. Este natura creativă a industriei manifestată în mintea tinerilor, rezultând în scene de lot uluitoare, atrăgătoare și adesea uluitoare. Puține filme din chiar New Wave-ul japonez pot aprinde același foc riguros rebel.

52. Red Angel (1966)

Maestrul prolific Yasuzo Masumura a lucrat la 33 de filme colosale chiar în anii 1960 - și unul dintre punctele culminante ale operei sale umflate este sublimul înger roșu din 1966. Centrat pe o tânără infirmieră logodită romantică care este împinsă în război, Red Angel își dezvoltă lumea extrem de bine: începând cu legiunile veteranilor, prinse cu cicatrici și împrăștiate cu propriul lor sânge și sudoare pe masa de operație într-un complex murdar și abandonat - toate înainte de a fi în cele din urmă aruncat în creuzetul acestui conflict mortal. Frica palpabilă este un semn al avantajului impresionant al lui Masumura - și îl marchează ca o voce definitorie, trist umbrită a cinematografiei națiunii din anii 1960.

51. Omul fără hartă (1968)

O intrare necunoscută din opera impecabilă a lui Hiroshi Teshigahara, umbrită cu atenție de falnicele sale lucrări din anii '62 până în '66, anii 1968 Omul fără hartă vede regizorul riguros iconoclastic trecând de la monocrom crud la fotografia atrăgătoare în culori: Privind peste labirintul întins al Japoniei industriale, cu o paletă sumbru, oarecum plictisitoare, care reflectă atât de bogat dorința nesatisfăcută de răspunsuri a protagonistului. Omul fără hartă aleargă în râuri de îndoială și confuzie, aterizând detectivul în apă adâncă pentru cea mai mică incursiune și rareori îi permite o secundă să respire și să admită imensitatea tuturor.

Teshigahara urbanizează în mod jucăuș urmărirea chinuitoare a protagoniștilor săi cu o lume care neagă catharsisul la fiecare pas, comentând incertitudinea nesigură a vieții moderne cu o precizie diabolică. El renunță la supranaturalitatea și suprarealismul nuanțate ale operei sale anterioare pentru o piesă mult mai întemeiată, care este, prin urmare, poate chiar mai bântuitoare decât agonia Sisifeană a Femeie în Dune sau Pitfall’s înaintarea nepăsătoare a morții. Omul fără hartă ne lovește pe gazonul nostru de acasă și de aceea este atât de uimitor - atât de deranjant - și de ce rămâne o piesă cinematografică atât de vitală până în prezent.

50. Femeia cu insecte (1963)

Al patrulea film de până acum venerat de maestrul Shohei Imamura, partea oarecum mai respectabilă a monedei mai periculoase excesive a lui Nagisa Oshima, Femeia cu insecte este o reprezentare exemplară a motivului pentru care viziunea lui Imamura despre politica sexuală a fost întotdeauna mult mai fascinantă decât cea a controversatului său contemporan. Este un film cu un control vizual somptuos: să-și insufle imaginile cu semnificație și greutate, precum și cu o putere estetică delicioasă care sângerează atât de mult în monocrom - Viața de zi cu zi a femeii, asaltată de o mare de alb și negru care se transformă atât de mult în mister, în Tetsuo: Omul de Fier . Scena sa de deschidere extrem de prescientă, deși simplă, coase semințele cuștii Kafkan Tome (interpretat frumos de meritatul onorat Sachiko Hidari) este plasată și sugerează implicațiile monstruoase ale titlului vicios al lui Imamura. Este dificil de vizionat, nu cel puțin ajutat de problemele lui Imamura cu ritmul - dar rămâne un cinematograf cu adevărat vital pe tot parcursul.

49. Puls (2001)

Kiyoshi Kurosawa a lovit în mod constant deasupra clasei sale sub greutatea omonimului său familiar cu un șir fantastic de eforturi nefastă - dar niciunul nu a eclipsat destul de mult vacanța copleșitoare din 2001 presa . Picurând de spaimă și folosind cu atenție referințele tehnologice în timp util, fără a vă baza pe ele într-o asemenea măsură încât îmbătrânește imaginea, presa este o abordare superlativ înfricoșătoare a obsedării moderne, care face o utilizare mult mai eficientă a feței familiare a spiritelor sale Yūrei decât mult mai multe reprezentări faimoase ale stalkerilor cu față palidă.

48. Bătălii fără onoare sau umanitate (1973 & hellip; 1975)

Antologia criminalității în mai multe părți a lui Kinji Fukasaku este Nasul îmbrăcat la fiecare drog sub soarele care răsare. Eliberat de structurismul adesea dominator al piesei perfecționiste a lui Coppola, Fukasaku filmează violența ca jazz în timp ce urmărește o familie criminală conducătoare de-a lungul anilor - Adesea scufundându-se în unghiuri hiperstilizate gratuite și editând pentru a asigura efectul evanescent al montajului său cinetic. Deși îi lipsește dezvoltarea complexă a caracterului, rezoluția tematică sau chiar gustul de bază - există ceva atât de strălucitor de viu Bătălii fără onoare sau umanitate că nu pot să nu-l iubesc. Fiecare film se adaugă ultimului și reprezintă în mod colectiv un zenit pentru cinematografia criminalistă populistă din Japonia anilor '70. Puțin s-ar putea apropia vreodată.

47. Kwaidan (1964)

Antologia caracteristică bine creată a lui Masakai Kobayashi Horror, Kwaidan este o scufundare captivantă în misterul și răutatea fabulelor japoneze în vârstă, rădăcinile medievale ale distribuției asortate de J-Horror de apariții cumplite și blesteme inevitabile. Lipsa nemiloasă de milă sau răgaz omniprezent în înfloritoarea scenă de groază a Japoniei este atinsă de mâna unui maestru de aici, rezultând o bijuterie somptuoasă din punct de vedere vizual care reușește să inspire o viață alarmantă nouă în povești altfel datate. Este, fără umbră de îndoială, cea mai bună Antologie de groază realizată vreodată: cu vocea nediluată a unui cineast rafinat care suna tare și clar că J-Horror este ceva de temut. Câteva decenii mai târziu, suntem încă prinși în strânsoarea sa cumplită.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Fierbătoarea felie de geniu a artei pop, Seujin Suzuki Tokyo Drifter dispare ca un foc de artificii și împrumută mai mult marginea sa stilistică decât pot pretinde chiar și Quentin Tarantino și Martin Scorsese astăzi. Influența aprinsă a filmului marchează în special montajul și abordarea acțiunii lor - nu diferă de modul în care Goddard este interminabil excesiv Cu sufletul la gura continuă să modeleze felul în care tăiem. Într-o măsură mult mai mică, piesa lui Suzuki se strecoară în atât de multe cadre ale cinematografiei moderne ale criminalității - dar este exemplul mai puternic de stil care scapă de toate nevoile de substanță: jocul său de armă se desprinde ca un foc de artificii cu efecte de neon zappy care arde gloria purpurie cu fiecare grindină de focuri de armă. Realizat de un maestru coregraf în partea de sus a jocului său- Tokyo Drifter este cel mai bun palpitant cinematografie. Electric și încă un butoi mare de distracție.

45. Mormântul licuricilor (1988)

La suprafață, un invers al fabulelor publicului universal ale lui Hayo Miyazaki, venerabilul pictograma Ghiblian Isao Takahata Mormântul licuricilor stă ca una dintre cele mai aclamate animații realizate vreodată - cu greutate emoțională, născută din utilizarea sa magistrală a mediului. Caz elocvent: Mormântul licuricilor nu ar fi la fel de apreciat universal sau chiar remarcabil dacă ar fi abordat povestea respectivă în tărâmul realității. Cu toate acestea, obiectivul lui Takahata este desenat. Imaginile sale sunt injectate cu o eleganță și o inocență care indică copilăria - una care completează perfect situația protagoniștilor săi. În timp ce pentru unii sunt sigur că vine ca un comutator de batant, puține filme au folosit atât de priceput arta animației pentru a accentua cu grație puterea mesajului lor. Înfricoșător de anti-război, vizualitatea expresivă elegiacă a lui Takahata începe să se ciocnească de configurația covârșitoare de tristă a poveștii: Lăsând un miros de cinism să scape din stăpânirea estetică etanșă a aerului - deși are puține consecințe. Mormântul licuricilor este o experiență obsedantă și adesea frumoasă în timpul războiului.

44. Trilogia Samurailor (1954-55-56)

Un pachet rafinat de divertisment plin de viață, seria populistă delicioasă și atrăgătoare a regizorului Hiroshi Inagaki este un reper în realizarea filmelor de acțiune-aventură - și, probabil, cea mai bună trilogie pentru grația sub-genului. Conduse de un spectacol ca întotdeauna sterlin de la Toshiro Mifune și marcat cu mici bucăți de maturitate, mai ales la sfârșitul primului film, narațiunile relativ inofensive și incomplexe ale lui Inagaki sunt susținute de o acțiune cinematografică la fel de ascuțită și interesantă ca anii 1950 au de oferit. Mișcarea sa a camerei este palpitantă, regizând actorii cu o înverșunare și vigoare care ajută trilogia să depășească vrăjile sale uscate cu adăugarea unei palpitante secvențe de sabie. Nu este nimic special pe un front dramatic - dar se mândrește cu suficientă pasiune pentru ambarcațiuni și o sufletește surprinzătoare în succesele sale pentru a garanta o plasare atât de înaltă. Vizualizare vitală pentru fanii cinematografiei de aventură.

43. Harpa birmaneză (1956)

Piesa lui Kon Ichikawa despre un soldat japonez alunecând în țara pe care a ocupat-o cândva și încercând să găsească pacea în durerea unei lumi postbelice, Harpa birmaneză a atras critici ușor de înțeles pentru descrierea războiului de multe ori tocită: mai multe plutonii dansanți și mișcări ușoare de puncte de complot decât o preluare completă și captivantă a timpului. Paradoxal, cred că ceea ce ajută Harpa birmaneză depășirea acestor probleme este inima din spatele lor. În ciuda povestirilor sale abundent controlate, Ichikawa țese imagini frumoase de-a lungul filmului, îmbrăcând fiecare scenă în cel puțin un tablou încadrabil care, în timp ce contribuie la sophomoricismul static al direcției sale, reușește în mod eficient să transmită starea de spirit - mai ales într-o secvență în care moartea este condusă de moarte. soldații sunt tăiați de mortare și eroul nostru se trezește în mijlocul unei sânge mari de cadavre: Cu fotografii inspirate mai asemănătoare cu compoziția uimitor de strânsă a Rembrandt decât orice aventură obișnuită din timpul războiului. Este simplist într-un anumit sens, dar slăbiciunea sa nu umbrește niciodată impactul colectiv pe care il creează fotografia iluminatoare a lui Ichikawa și umilința fermă.

42. O pagină a nebuniei (1926)

Cea mai veche piesă din această listă, O pagină a nebuniei este un produs de bază al cinematografiei japoneze tăcute pentru vocea sa estetică răsunătoare: o piesă care a informat nebunia și scânteia creativă care alimentează cele mai minunate opere ale industriei lor chiar și astăzi. Portretul său de azil nu are nuanța sau profunzimea a ceva de genul Titucut Follies sau chiar umanitatea din Un zbor deasupra unui cuib de cuci într-o formă fictivă - totuși preluarea transcendentă de la această etapă din 1926 este o apreciere extinsă a cinematografiei japoneze de dinainte de război în afara titanilor dramatici precum Ozu, Mizoguchi, Yamanaka și Shimizu. Ceea ce avem aici este o sursă a râului lor în curs de desfășurare a unor lucrări provocatoare din punct de vedere cinematografic, provocatoare din punct de vedere stilistic și intenționat de periculoase, care sunt cu atât mai fascinante cu această gâlgă de artiști tragici în minte.

41. Cetatea ascunsă (1959)

Frumoasa franciză a lui George Lucas, Star Wars, a fost construită pe spatele Cetății Ascunse, O nouă speranță fură totul, dar se rezolvă din această poveste de aventură excepțională. Este păcat să vezi acest „remake neoficial” scăpând de crimă, zdrobind filmul lui Kurosawa sub greutatea colosalului său următor - pentru că Fortăreața ascunsă este un film clasic mult mai valoros decât ar putea pretinde vreodată seria lui Lucas. Plin de acțiune captivantă, caracterizare hilară și un puternic fler vizual obișnuit chiar și cu cele mai medii eforturi ale lui Akira Kurosawa. Având în vedere toate acestea, nu mă supăr pe Războiul Stelelor pentru asta - doresc doar ca lucrarea strălucită a lui Kurosawa să fie ținută în aceeași respirație.

40. The Human Condition pt 2: The Road to Eternity (1960)

Piesa mușcată de luptă din trilogia epică a lui Masakai Kobayashi, Drumul către eternitate servește ca o potrivire epică considerabilă în timpul războiului japonez pentru a contesta orice Salvați soldatul Ryan , dacă nu chiar atât de periculos ca ceva de genul lui Sam Fuller Marele Roșu sau chiar Casca din otel . Păstrează obsesia etică dezordonată a Condiția umană partea 1: Fără dragoste mai mare dar reușește să se bazeze pe ea cu experiență de luptă viscerală și o abordare măsurată și consecventă a personajelor sale, care este subliniată de viața și moartea lor într-o parte mortală a istoriei umane. Ca și în cazul fiecărui segment de procedură, Condiția umană se apropie din ce în ce mai mult de realizarea omonimului său și, deși partea 2 nu realizează această ambiție - cel puțin încearcă. Mai mult decât putem spune pentru majoritatea oricărui film al vremii.

39. Purgatoriul eroic (1970)

Imediat de neînțeles, expresiv și confuz vizual: Purgatoriul eroic este un manual perfect pentru filmografia excepțională a lui Yoshishige Yoshida. Estetica lui superb străină este de multe ori dezorientantă - fiecare lovitură îndoind relația noastră cu spațiul, fiecare timp de fragmentare tăiat nu diferă de narațiunea frenetică inspirată de memorie a lui Alain Resnais - și, cu toată onestitatea, face complotul Purgatoriul eroic în special cu adevărat dificil de urmărit și de înțeles. Tehnica sa de povestire fragmentată pune o presiune și mai mare pe dorința publicului mai puțin deschis pentru o experiență narativă total coezivă - dar deliciile nedefinibile care se află în lumea deformată a lui Yoshida fac dreptate precedentului lor față de poveștile bine structurate. A descrie Purgatoriul eroic ar fi imposibil. A nu-l recomanda doar din cauza propriei sale imposibilități - ar fi o infracțiune.

38. Intentions of Murder (1964)

Tripticul sumbru al lui Shohei Imamura Porci și corăbii, intenții de ucidere și Pornografii a lovit punctul mort de vârf necontestat cu un film care observă cu detalii periculoase situația unei femei care cochetează între o relație degradantă cu soțul ei și o aventură afectată cu violatorul ei. Prima întâlnire a acestuia din urmă și scena care o urmează în mod direct sunt exemple succinte de cât de sublim de urâte pot fi lumile Imamurei - și de modul în care contactul uman poate duce adesea personajele sale la extreme, mulți ar putea încerca să discrediteze ca fiind inacceptabile. Întradevăr, Intențiile lui Murder’s un studiu crud, dar onest, al opresiunii și al unei libertăți bolnave prin expresia trupească reușește să reflecte la fel de exact un portret al oricăruia dintre noi în aceeași situație ca și cele mai bune filme ale sale.

37. Asasinat (1964)

Anul de lansare dublă a lui Masahiro Shinoda în 1964 a văzut în mod previzibil două dintre cele mai bune filme pe care le-a produs încă țara, din care Asasinat . Un exemplu strălucitor de confort la scară, Asasinat țese o dramă tematică neambițioasă care scoate suficient din povestea sa simplă pentru a fi privită în mijlocul filmelor mai fine de pe această listă: La fel de frumos iluminat și fotografiat ca orice film de la mijlocul anilor '60, cu acțiune la fel de precisă și puternică pe care te-ai aștepta de la grajdurile din Shinoda. Este mimetismul subestimat al stării mentale pe măsură ce zvonurile sălbatice despre țintă sunt anulate și înăbușite formează o narațiune care se delectează în momentele sale de neînțeles neprevăzut - trecând rapid de la realitate la trecut pentru a părăsi atât publicul, cât și mai multe grupuri temătoare de ucigași pe marginea aparatului de ras al victoriei triumfătoare și a înfrângerii mortale cu siguranță.

36. Insula goală (1960)

Examinarea stoică a lui Kaneto Shindo despre o viață liniștită la țară, Insula goală nu conține aproape niciun dialog vorbit - mutând accentul în întregime asupra imaginilor sale pentru a-și spune povestea sau, mai exact, pentru a-și crea sentimentul. Abordarea iconoclastică a lui Shindo în ceea ce privește realizarea filmului duce la câteva imagini frumos rezonante pe tot parcursul filmografiei sale, în timp ce imaginile lui Onibaba și Kuroneko își îmbunătățesc narațiunea în mici buzunare de inspirație vizuală - Insula goală reprezintă 96 de minute de fotografie esențială. Se țese împreună într-un mod care l-ar face pe Bergman să roșească, cultivând o dispoziție și permițându-i să înflorească în ceva universal și afectiv. Liniștea și necazul micii familii de insulari ai lui Kaneto se confruntă în fiecare zi, aproape ca un invers ciudat de optimist al Calului din Torino al lui Béla Tarr. Ceea ce îi lipsește în puterea zdrobitoare a filmului, Shindo se transformă în schimb într-o celebrare ritualică a rezistenței umane și a frumuseții naturale pe care un asemenea efort o poate oferi. Îndrăgitoare, iluminatoare și o experiență puțin absorbantă.

35. Branded to Kill (1967)

Dacă sus-menționatul Sejiun Suzuki și-ar atinge vârful stilistic cu 1966 Tokyo Drifter , un film atât de jignit de producătorii săi, încât i-au condamnat imaginile de urmărire la bugete mai stricte și i-au scos orice șansă de a folosi culoarea, apoi De marcă pentru a ucide ar deveni zenitul său creator și un exemplu perfect de artă prin adversitate. Magnusul opus electrizant al omului, De marcă pentru a ucide urmărește un criminal care încearcă să iluzioneze un asasin chiar mai mortal, în timp ce-și deschide calea prin legiuni de capri și o poveste de trăsnet. Este pentru totdeauna ascuțit, fără a-și pierde greutatea, ajunge provizoriu pe un teritoriu mai ambițios și reușește să împacheteze setări pline de răi fără chip pentru ca anti-eroul nostru să fie împușcat în masă. De marcă pentru Kill’s stilul reușind încă să caute sens, indiferent de rezultat, este ceea ce îl marchează deasupra restului pachetului.

34. The Sword of Doom (1966)

Pilotul elegant al maestrului de acțiune Kihachi Okamoto pentru o trilogie anulată din păcate, The Sword of Doom este catharsisul cinematografic suprem. Este o expunere coregrafiată în mod expert a jocurilor de sabie diabolice, în timp ce legenda principală Tatsuya Nakadai se confruntă cu Toshiro Mifune și o hoardă nesfârșită de gâfani fără nume, toți dornici să demonstreze cât de mortală poate fi arma titulară. Zeci cad în fața lamei, mai ales în scena finală nerezolvată, glorioasă și nesăbuită, și, în timp ce devotamentul față de povestiri și caracterul este tangențial în cel mai bun caz - atmosfera și bravura regizorală îl salvează de la a deveni doar o altă rolă de acțiune. Merită să văd până la sfârșitul amar și sângeros.

33. Hausu (1977)

Un compliment atât de mare pe cât cineva poate plăti un film ciudat este că rămâne ciudat. Mulți dintre noi am numit ceva ciudat pentru că suntem neinițiați - doar pentru a constata că se presupune că ciudățenia se estompează în comparație cu descoperirile cinematografice ulterioare. Acesta este calea drumului nostru prin film - la fel și acesta este un mod foarte lung de a afirma că Hausu este total mental. Hărțuit constant de un scor de fundal uneori inspirat, de multe ori rătăcitor, dar întotdeauna nebunesc și plin de scene de școlare care luptau cu pepeni verzi, fiind mâncați de pianele ucigașe și scăpând de un iad fantomă de pisică fantomatică, aplecat să înjure fiecare suflet care îi trece pragul. Practic, este Ju-On dar cu conștiința de sine și creativitatea amețitoare de a merge pe tot drumul doar pe stil - renunțând la povestea mitului de fundal care atât de des marte bântuia poveștile casei cu o devotament absolut pentru artificiile amețitoare. Experiența rezultată este un glorios cuptor de distracție.

32. Ikiru (1951)

Portretul mult îndrăgostit al Akira Kurosawa despre bătrânețe, Ikiru se desfășoară ca o paralelă puternică cu munca proprie a lui Ozu despre oameni în anii lor de iarnă - pierzându-și direcția minimalistă pentru munca mult mai directă și intensă a lui Kurosawa. Rezultatul are un pumn: mai multe scene lins cu feedback cinetic numai prin puterea imaginilor lor și prin tăcerea sau umflăturile de sunet care le însoțesc. Cred că vocea lui Kurosawa contribuie cu puțin la canonul excepțional de puternic al cinematografiei despre îmbătrânire și, în general, nu reușește să atingă înălțimile revelatoare ale Căpșuni sălbatice sau Viața și moartea colonelului Blimp în ciuda lipsei lor comparative de imediatitate cinematografică - totuși nimic din toate acestea nu scade din rezonanța uimitoare a operei lui AK aici.

31. Blind Beast (1969)

O explorare incomparabilă a senzualității și a esenței fizice, Bestia oarbă urmărește relația dintre un orb și o femeie pe care o ia captivă, prinsă într-un labirint laborios conceput cu sculpturi ale formei umane - cu pereții acoperiți în ochi și buze, în timp ce podeaua este plasată cu o încurcătură inavigabilă de membre. Surrealitatea și premisa intrigantă nu sunt ferestre către niciun teren tematic cu adevărat dens, deși regizorul Yasuzo Masumura reușește să exteriorizeze relația poftei cu dorul mult mai bun decât marginea consecventă a eșecului Nagisa Oshima, atât de des, se strecoară și se tăie. Pentru piese mai contemplative despre sexualitate, Yoshishige Yoshida este un artist esențial - dar a nega viziunea complet unică a lui Masumura aici ar fi criminală - indiferent de substanța sa lipsită. În schimb, el își umple filmul cu decoruri superbe și cu sentimente dureroase care îi prind pe personaje. Pe un front stilistic, Bestia oarbă se ridică absolut.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

Concluzia devastatoare a lui Masakai Kobayashi a trilogiei sale de zece ore, Condiția umană partea 3: rugăciunea unui soldat servește ca un punct culminant al tot ceea ce Kobayashi a dezvoltat de-a lungul întregii părți, egale cu impact și suprasolicitate - ca și celelalte piese. Este păcat că seria nu a depășit niciodată lungimea cărții și nici umanismul forțat care poate ocazional ocazional forma altfel puternică a regizorului său: cu toate acestea, fără aceste momente stilted, nu am fi fost niciodată înzestrați cu o colecție copleșitoare de realizări frumoase. scene care ar fi putut face o capodoperă pe cont propriu. O rugăciune a soldatului nu este mai delicat decât predecesorii săi - cu toate acestea, sentimentul unui final atârnă peste opera lui Kobayashi ca o zori obosită - dornic să ia noua zi cu un stoc reînnoit în industria cinematografică japoneză. Atât un falnic triumf al cinematografiei epice, cât și, mai important, acel ultim pas prin poarta faimei care i-a oferit lui Kobayashi o abundentă libertate artistică pentru următorul deceniu. Rezultatul este, după cum vom vedea, mai mult decât merită câteva ore de practică & hellip;

29. Double Suicide (1969)

O explorare alarmant de stranie a procesului creativ, Suicid dublu vede o piesă de păpuși din lemn pusă în scenă cu intenția celor două piese ale sale care se termină aduse la viață - cu figuri umbroase care străbăteau etapele pentru a-și progresa falsul narativ. O poveste înfricoșătoare înfricoșătoare când fațada cade și păpușarii ei de coșmar își execută următoarele mișcări - adesea transformând seturile împreună cu camera schimbătoare a lui Masahiro Shinoda pentru a forma un sentiment de spațiu contorsionat hidos. În afara dispozitivului său artistic cu mai multe fațete, complotul Suicid dublu este relativ convențional și nu reușește să găsească niciun motiv profund - dar probabil asta este ceea ce îi asigură succesul: cercetarea atentă a lui Shinoda în propriul său bloc creator în timp ce mâinile demonice indiscrete trag de marginile viziunii sale pentru a o face mai precisă intenții în întregime. Fie că sunt o reprezentare a luptelor sale interioare sau o forță de muncă pe care directorul nu reușește să o coordoneze - concepția dublă a Suicid dublu transcende fabula sa mediocră pentru o experiență cinematografică care merită primii 50 și mai mult decât exemplară a talentelor colosale ale lui Masahiro Shinoda ca realizator de filme.

28. Ring (1998)

În timp ce oarecum similar Ju-On se sufocă sub presiunea propriului său oboseală vacantă, Ringu ’ goliciunea este arma sa cea mai letală. Marea de liniște a regizorului Hideo Nakata străbate și invadează fiecare scenă care trece, evidențiind fiecare zgomot cu intensitatea crescută a unei persoane alimentate de frică care pulsează cu adrenalină - oricât de banală ar fi scena. Și contoare de sunet atât de relevante, cum ar fi telefonul care sună felie prin liniște, cu o ferocitate fără compromisuri. Nu există nicio scăpare de la Inelul în orice colț al minții tale. Indiferent unde alergi - de îndată ce vei juca, nu faci decât să prelungi inevitabilul. La urma urmei, ce ar putea fi mai terifiant decât moartea confirmată de propria noastră curiozitate inevitabilă?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo Kuroneko se simte ca un miraj sclipitor de compozite de filme de groază împrăștiate împreună pentru o viziune perfect demonică a coșmarului absolut. Dilema morală complexă care fierbe sub suprafață este o nouă abordare asupra acelor spirite de neoprit pe care media japoneză de groază se ocupă de la început - forjând o narațiune intrinsecă care depășește asperitatea celor din Shinoda. Onibaba a forma ceva special. Este o lucrare captivantă, captivantă din punct de vedere estetic, care acoperă decalajul dintre realitate și fantezie sinistră cu un ochi distinct de compasiune - în ciuda furiei subiecte a subiecților săi. Nu doar un film definitiv J-Horror - ci și un clasic al dramei mondiale de la sfârșitul anilor șaizeci.

26. Spirited Away (2001)

În ceea ce privește animația, există puține competiții Spirited Away , cel puțin într-un sens creativ. Filmul este supraîncărcat cu o mare uimitoare de modele unice și personaje artizanale memorabile, care se mișcă și vorbesc la fel de expresiv ca rolurile principale. Universul detaliat pe care Hayo Miyazaki a reușit să-l construiască, în mintea mea, depășește cu mult povestea și ritmul caracteristic ciudat al lucrării sale - nu diferă de Akira prin faptul că sare în față și înapoi în progresie la intervale aleatorii pentru a obține valoarea materialului unui alt act; deși pericolul nemilos Spirited Away se găsește în cel puțin ne permite să ne îmbibăm în creațiile sale vii pentru puțin mai mult.

25. Moartea prin spânzurare (1968)

De-a lungul acestei liste i-am făcut mici observații aclamatei regizoare Nagisa Oshima și înțeleg infantilitatea unei astfel de atitudini: dar fac asta doar pentru că acest cineast cu adevărat talent este atât de des înecat într-o producție cinematografică obsesiv supraexualizată. Șirul de lucrări timpurii al lui Imamura, confruntabil, este eficient în comentariile sale de bază asupra emoțiilor umane - dar cu Oshima atât de puțin este lăsat la dispoziția imaginației, încep să cred că nu există nimic în spate care să fie o muncă frustrant de ineptă. Adică, cu excepția morții strălucitoare și bizare din 1968, spânzurată. Povestea unui executat care refuză să moară, Oshima își folosește obiectivul grosolan, dar totuși perceptiv, pentru a evidenția o serie de probleme sociale, eșecuri guvernamentale și expresii umane - totul înfășurat într-o comedie farsă în mod constant hilară, cu o conștientizare de sine încrezătoare, un regizor la fel de frecvent norocos precum Oshima părea anterior atât de departe de el. Nu înainte sau de atunci a reușit să se potrivească cu această lovitură inspirată de pedeapsa capitală, ceea ce este păcat - dar cel puțin trebuie să-l vedem înălțându-se cel puțin o dată.

24. Un fugit din trecut (1965)

Tomu Uchida ’s Un fugit din trecut este, într-un cuvânt: excepțional. Filmele supraviețuitoare ale regizorului său suficient de competent sunt pur și simplu incomparabile cu lucrările expuse aici, vorbind cu un fel de fulger serendipit într-o sticlă, deoarece Uchida a fost înzestrat cu povestea potrivită pentru a-și îndeplini promisiunea de artist. Un fugit din trecut privește violența și durerea auto-provocată într-un mod în care câteva filme pot - măsurând atât pe nisipul timpului, cât se scurge și mai multe personaje se apropie de a oferi retribuție divină protagonistului nostru - un personaj provocator unic, atât pentru rădăcină, fie pentru sau împotriva el încearcă să scape de calea sângeroasă a violenței pe care a sculptat-o ​​prin Japonia în primii ani. Am gasit asta Un fugit din trecut este atât de puternic și chiar profund în rezoluția sa, încât nu ar trebui să spun altceva decât, desigur, să-l văd cât mai curând posibil.

23. Pitfall (1962)

Debutul uimitor al lui Hiroshi Teshigahara, Capcană amestecă genurile cu încrederea și precizia unui maestru în vârstă - cu atât mai puțin un regizor care se ocupase doar de documentare înainte. În timp ce se luptă oarecum să-și păstreze povestea convingătoare timp de 97 de minute - ce Capcană ofertele depășesc orice probleme legate de execuția sa narativă. Jocul cu percepția noastră asupra realității prin amestecarea criminalilor, a fantomelor și a imaginilor suprarealiste Capcană este frecvent înfricoșător, deoarece numeroasele sale personaje încearcă cu disperare să se apere de atacatorul lor de neoprit: Un bărbat normal îmbrăcat într-un costum alb brandind o lamă de comutare. Umanitatea ucigașului înfricoșător al lui Teshigahara acționează ca primul dintre numeroasele comentarii sociale realizate de lucrările sale doar în imagine - nu sacrifică niciodată timpul sau credibilitatea pentru a împinge un punct spre casă. Lipsit de înclinațiile sale de stânga, Capcană își păstrează puterea ca o experiență cinematografică tulburătoare: Prezentând mai multe scene șocante care vorbesc despre claritatea și meșteșugul metodei lui Teshigahara în timp ce injectează chiar și cele mai singulare momente cu o gamă largă de emoții care dansează atât de liber în jurul lor - corelând de la umor la groază în o bătaie a inimii. Puține debuturi au fost la fel de meticulos conștiente de cariera maestrului lor.

22. Tokyo Twilight (1957)

Ultimul film alb-negru al lui Yasujirō Ozu, Tokyo Twilight’s taxele de drum, atât ca o elegie contextuală a ieșirilor monocromatice ale omului, cât și poate ca cea mai ciudată caracteristică a acestuia. Remarcabila mutare a lui Ozu de la propria regulă de 360 ​​de grade pentru a sta în spatele personajelor, fețele lor posomorate înlocuite cu un cap de păr copleșitor de gol și rece este o abatere magistrală de la caracteristicile sale de blocare și compoziție pentru o aventură mult mai sumbru - una care reflectă situația neclintită a jucătorilor-cheie. Tokyo Twilight preia indicii de la Hollywood noir cu umbrele sale persistente și etapele nămolite și imperfecte pentru a crea o lume cinematografică universal care nu iertă, în cele din urmă, fără scop, care afectează în paralelele sale emoționale cu propria noastră societate, mai degrabă decât o distopie disproporționată care cu siguranță și-ar fi pierdut strălucirea în timp. O bijuterie excepțională, foarte puțin ecranată.

21. Eureka (2000)

Cel mai lung film din această listă, S’s Eureka se întinde pentru s- și cred că ar fi de neiertat să dezvăluim oricare dintre comploturile sale. Chiar și pentru cel mai bogat an din memoria cinematografică recentă, Eureka se clasează încă printre cele mai bune filme ale anului 2000 și, într-adevăr, ale deceniului în ansamblu: un solemn, izbitor din punct de vedere vizual și unic & hellip; japonez portret al durerii. Numai într-o astfel de țară ar putea fi asociată o astfel de sobrietate și melancolie afectantă cu un curent tactil de umor, blândețe și absurdism binevenit - toate țesute într-o tapiserie ridicată a emoției umane care pur și simplu trebuie văzută. Nu citiți sinopsele - Nu vă uitați în el - Doar vedeți Eureka .

20. Răzbunarea este a mea (1979)

Regizorul Shohei Imamura este o figură superlativă a cinematografiei indecente. Personajele sale întunecate, deteriorate și situațiile încărcate în mod confruntativ articulează o fascinație nerușinată cu coruptibilitatea sufletului uman. Răzbunarea este a mea transpune povestea lui Ryūzūo Saki despre ucigașul în serie real Akira Nishiguchi cu o sofisticare îngrozitoare: Prezentarea unei ființe umane profund violente, sociopate și totuși inconfundabil reale, cu toate idiosincrasiile noastre care îi cuprind cuibul de distrugere amorală. Ritmul lui Imamura se ciocnește cu fluxul, conform per, dar constat că în acest caz povestea garantează un timp de rulare extins și, în cele din urmă, oferă o rezoluție metafizică unică unei lucrări atât de brutale - apelând la vânt și la pământ aruncați ultima lor judecată.

19. Yojimbo (1961)

Pe tărâmurile cinematografiei de acțiune, niște clipe mici la călcâi ne place Yojimbo . Folosirea îndrăgită de Kurosawa a motivului lait stăpânește un pas în pasul personajelor sale și funcționează, de asemenea, la tentpolarea tensiunii, precum și la orice scor Morricone. Secvențele de acțiune ascuțite sunt într-o oarecare măsură tocite de designul sunetului slapy și de aprecierea strigătului public - ceva pare ca Sabia Doomului și Asasinat nu aveți probleme cu - dar ceea ce oferă în schimb este o abordare în mod constant comedică a bazei de Red Harvest - Mifune rezultând un spectacol clasic care rezumă personalitate fizică și ingeniozitate, funcționând ca piatra de temelie a ceea ce este, fără îndoială, cea mai bună linie dreaptă film de acțiune realizat vreodată.

18. Audition (1999)

Audiție este un film cu control febril precis al propriului ton. Altfel lovit-și-ratat Takashi Miike și-a făcut numele pe spatele unei cariere prolifice, uneori fructuoase, care a dat viață unor clasici seminali precum Vizitator Q și Ochi - dar puțin despre stilul său de regizor transmite în exterior încrederea și abilitatea acută necesare pentru a scoate la îndoială ceva atât de îndrăzneț ca Audiție . Cu mult mai matur decât oricare dintre lucrările sale înconjurătoare, opus-ul lui Miike explorează o premisă simplă cu brutalitate eficientă: colorarea fiecărui moment tandru cu o paletă plină de sumbru și o stimulare ciudată, care stabilește fiecare scenă pe marginea unui aparat de ras a ceva care merge în mod oribil greșit. Audiție reprezintă un vârf fascinant al acelui confort japonez nesfârșit de admirat, cu filmul de gen: Desfășurarea enigmei sale cristaline până la efectul șocant transcendental. A vedea înseamnă a crede.

17. Ran (1985)

Cea mai faimoasă adaptare Shakespeare a Kurosawa - dacă una care în mintea mea cedează prea mult teren inspirației sale. Regele Lear este o piesă de scriere impecabilă - dar pe ecran rămâne până la o măcinare lentă care nu reușește să recapete senzația uimitoare care sunt primele 85 de minute. De la început până la secvența de asediu profundă A fugit este o capodoperă: o felie de artă cinematografică de neegalat în opera mai mult decât impresionantă a lui Kurosawa și un fără îndoială încălțăminte pentru Top 10. Dar după această acumulare și recompensă gestionată cu măiestrie, Kurosawa continuă povestea regelui Lear într-un mod care se infiltrează de-a lungul plictisitor, lipsit de aparență și plat, în ciuda eforturilor ticăloasei perfect interpretate Lady Kaede. Este o adevărată rușine A fugit risipește atât de mult potențial, în mintea mea oricum, pe fidelitate - dar cel puțin flacăra incandescentă din prima jumătate arde suficient de strălucitoare pentru a-și asigura locul în top 20.

16. Prințesa Mononoke (1997)

Adresa fanteziei întunecate a lui Hayo Miyazaki nu a fost niciodată deosebit de complexă. Orice film cu un mesaj de obicei nu reușește să-l comunice într-un mod sofisticat și, așa cum a spus Orson Welles cu atât de bine: „Ar putea fi scris pe capul unui știft”. Mesajul contondent și flagrant al Prințesa Mononoke cu toate acestea, sună puțin mai adevărat în inimă decât în ​​minte. Diviziunea atent construită a lui Miyazaki între bărbați și monștri conduce la o comparație fascinantă cu modul în care anticii ne vedeau lumea - și modul în care inevitabilul prăbușire a civilizațiilor lor ar putea într-o zi oglinda a noastră. Mistica și misticismul personajelor sale este nucleul care permite Mononoke să depășească în mod tradițional capcanele filmelor de mesaje vapide - să-și strecoare linia omniprezentă fără un cuvânt, fiecare acțiune oferindu-i gravitas și, prin aceasta, întărește impactul cinematografic al ceea ce este pe ecran. Relația mutualistă expusă aici vorbește despre talentul profund al lui Hayo Miyazaki ca realizator de filme și că munca sa este mai mult decât o creativitate orbitoare.

15. O după-amiază de toamnă (1962)

Cred că pentru mine să comentez O după-amiază de toamnă , ar fi să-și piardă respirația pe care am petrecut-o deja examinând filmul realizat de Ozu cu peste un deceniu înainte, pe care l-a refăcut efectiv aici pentru a fi filmul său final. O după-amiază de toamnă este la fel de elegiac, subtil și melancolic - reușind să evolueze mai multe concepte expuse în primul film și să se extindă asupra lor. Se îndepărtează de unele elemente ale originalului pentru a se concentra pe alte idei - permițând o ocazie rară pentru un mare artist să conecteze adâncimi similare în același tipar. Ozu și-ar petrece întreaga carieră făcând filme foarte similare, reușind totuși să exploateze noi zone de interacțiune umană de fiecare dată, producând unele dintre cele mai mari filme realizate vreodată. Lăsând în urma lui o moștenire atât de venerabilă, bărbatul ar fi putut să-și încheie cursa oricum ar fi vrut. O după-amiază de toamnă este apropierea perfectă de opera sa sclipitoare.

14. Tronul Sângelui (1957)

O adaptare magistrală dacă a existat vreodată una , Tronul Sângelui ia Macbethul de neegalat al lui Shakespeare și forjează un text artistic care stă singur. Descendența controlată, devastatoare, umană a lui Toshiro Mifune în nebunia ucigașă rămâne unul dintre cele mai bune roluri ale omului - și Kurosawa însuși își marchează filmul cu imagini excepționale, care sunt aproape deplasate, cu un regizor disociat cu practica iconoclastică centralizată. Cu toate acestea, este imaginea Tronul Sângelui asta îl face atât de masiv. Deci captivant și supranatural. Atacul climatic vede una dintre cele mai frumoase concluzii de personaj puse vreodată la film și o cimentează ca o operă de artă care ocolește într-un fel umbra impunătoare a piesei sale părintești.

13. Tokyo Story (1953)

Vorbind despre repere din anii 1950, există puține filme care să-ți conducă atât de indiscutabil aspirațiile de cineast ca Tokyo Story . Un vârf sclipitor al filmografiei impecabile a lui Yasujirō Ozu, întotdeauna la maxim, este un film care exercită un limbaj cinematografic dezarmant de simplu pentru a obține efecte pătrunzătoare și intime. Publicul este așezat cu personajele - voyeurs liniștiți către o familie care închide încet generația mai în vârstă care se degradează treptat din viața lor. Ozu permite vocii tuturor personajelor sale, compune momente elegante și impactante de revelație și își mișcă camera doar o dată pentru 136 de minute. Nu există un film „cel mai mare” sau chiar „grozav” obiectiv, dar pentru aceia dintre voi care aleg ce să vizioneze pe baza acestor site-uri, trebuie să adaug că Tokyo Story este Cea mai apreciată lucrare pe Rotten Tomatoes, cu o medie incredibilă de 9,7. Este suficient să spunem că este o privire răbdătoare, reflexivă asupra vieții și vârstei, care a atins mulți incomensurabil și garantează pe oricine citește această listă pentru a-și încerca singura.

12. Incendii pe câmpie (1959)

Din Kon Ichikawa, probabil cea mai convingătoare figură umanistă a cinematografiei japoneze de după război, Incendii pe Câmpie spune o poveste despre un om pierdut în mijlocul unei bătălii pierdute în timpul celui de-al doilea război mondial. Este un film curajos în singurătatea sa - care prezintă situații de război într-un peisaj vacant lipsit de viață și plin de goliciunea spaimei, fiecare colț purtând o altă figură Odisee setată fie să-l însoțească, fie să-l distrugă pe eroul nostru degradat. Și, la fel ca în poemul epic al lui Homer, înțelegerea lui Ichikawa asupra imaginii mai mari creează o lume dens emoțională, în care eroul nostru este o piesă de puzzle care este mișcată și motivată de generali departe de primele linii. Este un film cu un miros izolat, care lipsește de acasă și condus spre acte amorale de teroarea supraviețuirii. Lucrare magistrală a unei figuri ciudate, dar totuși vitale, a industriei din anii 1950.

11. Rebeliunea Samurailor (1967)

Un punct cheie al dramei lui Masakai Kobayashi este acela că îi permite să fiarbă, aproape din greșeală. Compozițiile sale minuțioase și acțiunile impecabil cronometrate se înconjoară din ce în ce mai strâns în jurul conflictului central - strângând fiecare centimetru de spațiu de respirație până când nu mai rămâne decât necesitatea de a acționa - un atu subiacent idealurilor de moralitate ale personajelor sale. În Rebeliunea Samurailor , actul în sine este la îndemână chiar și la citirea titlului, dar omul se joacă pe el pentru fiecare audiență înțepătoare, cu mici sfărâmături spre prima sabie trasă înainte de a se rezolva în cele din urmă într-o aventură amară, brutală și, în cele din urmă, sângeroasă, care continuă cu cei fără remușcări. rigoare Kobayashi se descurcă atât de bine: o abilitate incomparabilă atât de a construi inevitabilitatea terminală a situației personajelor sale, cât și de a empatiza cu ei la fiecare pas al drumului. În Rebeliunea Samurailor, acest umanism selectiv atinge culmile sale cele mai evocatoare - și se căsătorește cu punctul culminant al carierei unuia dintre cei mai mari artiști din Japonia.

10. Eros + Massacre (1969)

Dintre toți regizorii New Wave sinonimi cu psihosexualitatea, niciunul nu s-a potrivit niciodată cu labirintul palpitant de creativitate diabolică a lui Yoshishige Yoshida. Dimpotrivă, Oshima și Imamura nu fac decât să bată la același subiect, unul mai convingător decât celălalt, doar Kiju reușind să străpungă esența contemplației lor existențiale cu o bravadă atât de uimitor de cinematică. Nu-unde este această măiestrie fascinantă a narațiunii psihosexuale și a esteticii pe care o convoacă mai abundentă decât în Eros + masacru , Parabola epică avangardistă de 215 minute a lui Yoshida, o euforie de neînțeles a vederii, sunetului și atingerii palpabile ...

9. Vecinul meu Totoro (1988)

Strălucind cu magia copilăriei, Vecinul meu Totoro este un film nelimitat de veselie. Abia l-am descoperit abia la vârsta de 18 ani, dar frumusețea și capacitatea de mirare incredibile m-au invitat încă o dată într-o minte mai tânără - sau poate doar una mai puțin cinică. Povara adesea grea a experienței umane ne lasă fie să solicităm escapism, fie că dorim un realism continuu, dar ceea ce face Totoro care îl ridică deasupra oricărei alte caracteristici animate realizate vreodată este să ignorăm cu desăvârșire dorințele publicului său și să prezentăm o poveste care, în schimb, vă permite să veniți la atrăgător cu designul său vizual luxuriant, personajele gonflabile și descoperirea comorilor ascunse ale naturii alături de firele sale. În loc să apeleze la copilul pe care l-am fost odată, Totoro își permite să profite de un sentiment mai larg de aventură și speranță investit în misterul mai profund al planetei noastre. Răsplata pentru o astfel de credință este un diamant sclipitor al Japonimației: luminos, universal mișcător și absolut chintesențial.

8. Chipul altuia (1966)

Un diagnostic epocal, extraordinar, al vieții moderne, prin mirele dresate liniștite ale fanteziei întunecate, Chipul altuia explorează experiența unui om desfigurat după ce noul său chip miraculos începe să-și copleșească vechea personalitate. Lucrarea lui Teshigahara este întotdeauna suficient de nuanțată pentru a apărea la distanță de braț, în timp ce cearcă în tăcere dedesubt cu degetele sale scheletice și capodopera sa din 1966 se apropie cel mai mult de a-și dezvălui adevărata natură: Aducerea compozițiilor nefastă a regizorului și imaginile groaznice în regiune chiar în metropolă și privirea în orașul său urban. abis cu aceeași viziune detașată care l-a adus la viață pe Travis Bickle în Taxi Driver un deceniu mai târziu. O lucrare care rivalizează cu Persona și eclipsează Secunde în același an pentru provocarea provocatoare a dorinței, personalității și identității - Fața altuia este un cinematograf vital: Un triumf impunător al metodei lui Teshigahara și o lucrare atât de strânsă în propria sa impecabilă idei și atmosferă ar fi criminal să dezvăluie mai multe dintre secretele sale. Convinge-te singur…

7. Rashomon (1950)

Una dintre porțile mele personale către cinematograful mondial, Akira Kurosawa’s Rashomon a devenit atât de integrantă culturii cinematografice încât a fost inițiată în limbaj pentru a descrie efectul psihologic pe care îl au personajele: fiecare dintre ele oferind mărturii contradictorii unui caz de viol / crimă înfricoșător. Vitalitatea lui Kurosawa este pe deplin afișată, tehnici de cameră de pionierat, cum ar fi fotografierea directă la soare și voalarea ei printr-o mizerie de frunziș, astfel încât fiecare scenă din pădure a fost la fel de abstractizată ca și omologul său în instanță. Simplitatea dezarmantă a Al lui Rashomon cârligul irezistibil al complotului face loc pentru comentarii despre adevărul uman, moralitatea și o experiență bogată în cinematografie, care prezintă faimoasele etalaje ale sabiei furioase ale Kurosawa. Există puțin de adăugat la dialogul din jurul lui Rashomon, în afară de faptul că continuă să se simtă cu zeci de ani înaintea timpului său. Nu ne putem imagina decât senzația de a merge să vedem înapoi în 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri este la fel de puternic ca filmele. Deschizându-se cu o influență la fel de afectantă pe cât ne-am putea imagina, regizorul Masakai Kobayashi creează un fenomen care rămâne unul dintre cele mai apreciate filme din toate timpurile: clasarea printre cele mai perfect înregistrate filme pe o mare majoritate a site-urilor utilizatorilor, în ciuda a ceea ce am avut mai întâi presupus că era un recurs în scădere. Este o explorare dureroasă, inspirată în mod deviant, în codul japonez de onoare - o rană care încă scânteia în post-războiul 1962, pe care Kobayashi o abordează nu doar ca un consătean, ci ca o ființă umană. Fiecare picătură de sânge vărsată Harakiri vorbește despre ura agonizantă a artistului față de moarte și violență: aproape ca și cum ar fi durerea să pună pe ecran o asemenea brutalitate. În lumea de astăzi, o direcție umană atât de fermă este divină de privit și funcționează ca o cheie de bază pentru încheierea filmului. Fără devotamentul tuturor celor implicați, Harakiri ar fi fost uitat ca o altă dramă trucată, bine creată, dar altfel umilă. Harakiri se așează astăzi aici, pentru că lui Masakai Kobayashi îi pasă mai mult decât ți-ai putea imagina și cred că, prin propria sa eleganță ascuțită și fericită, îl plasează printre cele mai mari filme din anii 1960.

5. Șapte samurai (1954)

Cel mai aclamat film care a ieșit vreodată din Japonia, Seven Samurai a ars un semn de neșters pe suport și încă are rădăcini în cinematograful de acțiune de astăzi. Punctul culminant al mai multor camere ploaie de Kurosawa nu eclipsează cu totul profunzimea profetică a asediului castelului Ran, dar continuă să ne informeze despre modul în care tăiem secvențele de acțiune, chiar dacă editorii contemporani ar putea să nu observe influența sa. Cu mult deasupra puterii sale culturale de durată se află caracterizarea convingătoare a lui Seven Samurai: Crearea unei lumi întregi de figuri bogate ajutată enorm de metoda minuțioasă a lui Kurosawa extinderea chiar și până la cea mai mică parte pentru a face viziunea sa despre Japonia feudală cât mai captivantă. Acest creuzet intrinsec creat de acțiune magistrală și povestiri luminoase are ca rezultat o piesă seminală de cinema care afectează, electrificează și, în cele din urmă, ne lasă cu un final de film la fel de curajos și puternic, așa cum am văzut vreodată. O bază meritată pe panteonul cinematografiei internaționale.

4. Floare palidă (1964)

Dacă nu ar fi fost doar două cuvinte împrăștiate într-o listă a marilor filme japoneze, numele Masahiro Shinoda nu s-ar fi strecurat la mai puțin de zece metri de această listă. Luând în considerare contribuțiile sale la marele cinematograf japonez, este o rușine plânsă - și să crezi că o astfel de capodoperă aproape că a scăpat de cercetare înseamnă să spui ceva despre câte filme de acolo cerșesc să fie redescoperite. Lăudat la lansare și lansat în liniște de Colecția Criterion, Floare Palidă este unul dintre cele mai mari filme criminale din toate timpurile. Pur și simplu uitându-se la un jucător și la noua sa iubire căzând într-o spirală de degradare și dezmembrare alimentată de disperare - rămâne una dintre cele mai îndrăznețe lucrări vizionare pentru a scăpa de buzele New Wave japonez: una care este ascuțită încadrați unul până la capăt și care oferă un efect cinematografic la fel de transcendental ca orice lucrare mai puțin extremă a lui Ozu sau Kurosawa. Shinoda nu va fi niciodată susținut ca unul dintre mari, cel puțin de către publicul larg - dar sper cel puțin ca oamenii să fie conduși să-și descopere cinematograful din acest creuzet al perfecțiunii criminale: o lucrare la fel de crudă și neînlănțuită ca excesul de contracultură excesivă și în același timp la fel de delicat și controlat ca orice film pe care l-am văzut vreodată. Este meticulos, miraculos și nesimțit. Remediază asta.

3. Femeia în dune (1964)

Dacă Kiju Yoshida și ai lui Eros + masacru este campionul psihosexualității artei superioare - apoi al lui Hiroshi Teshigahara Femeie în Dune este mitic prin comparație. Transpusă de celebrul roman sursă al colaboratorului Kōbō Abe, metoda aproape răuvoitoare a lui Teshigahara este atât cea mai răutăcioasă, cât și chinuitoare, de aici. Lumini slabe ale umanității reprimate strălucesc prin nisipurile în mișcare care înconjoară cei doi noștri protagoniști - oameni forțați în starea cea mai primordială a ființei pentru supraviețuirea amărâtă. Într-adevăr în Femeie în Dune , rezistenta este supunere. Nimic nu este sacru. Niciun loc nu este ferit de ochii cruzi ai sătenilor aproape omni-absenți care ne condamnă eroii în groapa lor infernală. Este un concept perfect, executat impecabil din punct de vedere cinematografic de Hiroshi Teshigahara, precum și producerea a ceea ce aș spune că este cea mai eficientă partitura a legendarului compozitor Toru Takemitsu. Atragând împreună trei artiști incredibil de încrezători în aceeași linie ca De Niro, Scorsese și Schrader Sofer de taxi - Femeie în Dune este propria sa parte egală umană și fiară inevitabil de înspăimântătoare. O operă de artă oribilă, esențială.

2. Primăvara târzie (1949)

Primăvara târzie este o revelație a monotoniei moderne: un exorcism al demonilor, acest loc și timp necesită nu numai să fie ținut sub cheie - ci ascuns ca și cum nu ar exista. În timp ce dorința dureroasă de a exprima aceste teroări nu este niciodată pe deplin nestăvilită, o putem detecta în colțul fiecărui ochi, între cuvintele fiecărei linii și adesea zumzetând în tăcere în centrul fiecărei camere. Și așa pentru o lume atât de superficială saturată de zâmbete dințate și melodii tandre - Ozu’s Primăvara târzie găzduiește, de asemenea, o atmosferă de disperare totală: o teamă că nu vom fi acceptați - că fiecare expresie ar putea duce la înfrângere și, așadar, cel mai bine numim cursul irevocabil în loc să luăm o șansă și să stăm în mijlocul pistelor. Piatra sa de reîntoarcere a generațiilor care se ciocnesc stă ca nucleu Primăvara târzie drama manevrată cu grijă, dar cred că aici, mai mult decât oricare dintre celelalte opere ale sale (sau poate orice film produs în deceniile din jur): Ozu a reușit să găsească un final perfect. A ajunge la o însumare clară a temelor și a sentimentelor personajelor tale nu este o faptă ușoară, cu atât mai mult să găsești un moment la fel de sfărâmător ca și cum s-a născut aici și, prin urmare, le sugerez tuturor celor care se află în scrierea dramatică, regie, producție sau doar interesul cinefilic se lipeste Primăvara târzie chiar în partea de sus a listei lor de urmărire. Ai încredere în mine: te va acoperi.

1. High & Low (1963)

High & Low este o întreprindere cinematografică inerent imposibilă. Se întinde după un element evaziv cu un nucleu atât de conflictual încât nu pare să fie nimic de găsit. La suprafață, îi lipsește puterea nuanțată, dar totuși copleșitoare, a lui Seven Samurai, precum și infernul cu ardere lentă care se dezlănțuie într-o liniște mortifiantă la sfârșitul primăverii târzii. Într-adevăr, High & Low amestecă ambele: Calcat atât de tentativ în mijlocul oamenilor de zi cu zi, de teama de a se confrunta cu mai multe boli, depravare și dependență - la mai mult lăcomie și gelozie și amoralitate nemiloasă în jurul căruia răsună fără sfârșit în spatele fiecărui colț de stradă. Este un film înspăimântat de ceea ce vede în condiția umană, ceva care îl durează atât de clar pe Kurosawa să-l afișeze pe ecran - și curentul său fluctuant de auto-represiune creativă îi asigură venerabila importanță. High & Low are îndrăzneala de a se ridica la cruzimea totală fără speranță, banală, care ne ascunde în toată inima - la cât de urâtă și copleșitoare este întreaga lume în saturația sa de autoservire lipsită de suflet. Poate că, pentru a ne întoarce în cele din urmă și a-l recunoaște, devenim oameni mai buni în acest proces. Capabil să înțeleg că este bine să te temi, atâta timp cât accepți prezența inexplicabilului. Irecuperabil. Că, în cele din urmă, singura consolare pe care o puteți găsi vreodată este iertarea. Dacă vrei să te străduiești să urmărești orice film de pe această listă: realizează-l pe acesta.