Cele mai bune 100 de filme din toate timpurile
Alejandro Jodorowsky Prullansky, celebrul regizor de film, poet, dramaturg și compozitor de muzică chilian-francez, a spus odată: „Mereu am crezut că, dintre toate artele, cinematograful este cea mai completă artă.” Sunt de acord. În mai multe moduri, cinematografia este de fapt o amalgamare a tuturor celorlalte forme de artă importante: pictură, scriere și muzică. Nu poate fi o coincidență faptul că și cinematografia este cea mai modernă dintre formele de artă. La urma urmei, evoluția altor forme de artă a fost necesară pentru ca cinematografia să intre în existență. Faptul că rămâne cea mai populară formă de artă aproape din momentul în care a apărut îți spune atât puterea, cât și slăbiciunea sa: este ușor accesibilă și, prin urmare, mai comercializabilă.
Având în vedere acest lucru, sunt încântat să vă prezint lista The Cinemaholic’s Cele mai bune 100 de filme din toate timpurile . Înainte de a începe să explorați lista noastră cu primele 100 de filme realizate vreodată, să ne reamintim din nou că listele prin natura lor nu sunt niciodată perfecte. Deci, nu pretindem că acesta este Sfântul Graal al listei celor mai bune filme absolute din lume. Dar ceea ce vă pot asigura este că s-au făcut multe cercetări în urma elaborării acestei liste. Mii de titluri de filme au fost luate în considerare și fiecare alegere finală a fost dezbătută. Sunt sigur că veți găsi multe dintre filmele voastre preferate care lipsesc din listă. Multe dintre preferatele mele lipsesc și ele! Dar, în loc să fii frustrat de asta, profită de această ocazie pentru a vedea filmele pe care nu le-ai văzut. Cine știe, s-ar putea să sfârșiți să descoperiți noul dvs. favorit (e)!
100. Umbrelele din Cherbourg (1964)
Jacques Demy își colorează opera romantică cu o rafinament moale, excesiv, care apare ca un hipster. Dar această culoare nu este doar cea de pe pereți, haine și umbrele. Este, de asemenea, pe obrajii unei tinere imposibil de îndrăgostite când traversează strada pentru a-și saluta iubitul și absența ei când vedem fața aceea într-un voal, tânăra fată acum mireasa altcuiva. Există și culoare, în felul în care oamenii vorbesc sau, mai exact, se cântă unul altuia. Dar conversațiile lor lirice nu rimează ca majoritatea melodiilor. Când totul, de la profesii de dragoste la preocupări legate de bani, este legat de o pasiune de nedistins, nu ar fi prea bine să mergi la pescuit pentru rimă sau motiv. În timp ce filmul și toate dezvăluirile sale melodice, susținute de muzica nepământeană a lui Michel Legrand, sunt extrem de romantice, toate deciziile pe care le iau personajele noastre sunt, la fel ca totul în viață, cu siguranță nu este așa.
Pentru un complot atât de plictisitor de cunoscut, văzându-l ca fiind baza a nenumărate cântece pop și telenovele, fiecare cadru din „Umbrelele din Cherbourg”, plin de melancolie, este ademenitor de proaspăt, chiar nefamiliar. Puteți atribui acest lucru cât de autentice sunt emoțiile și cât de sinceră este expresia lor. Funcționând pe o scară la fel de umilă ca și ea, „Umbrele” te devastează cu cele mai mici reflexii. Am fost uimit de cât de substanțial ar putea fi impactul a două scaune goale, odată umplute de cei doi îndrăgostiți. În delicatețea făcută cu drag de Demy, mărșăluim în carnavaluri pline de panglici și confetti, decorăm pomii de Crăciun și ne oferim cadouri, ascunzându-ne toate sentimentele undeva în colțurile inimii noastre, pentru că oricât de greu ar fi să suporte absența cuiva sau trecutul este să uităm, tot ce putem face este să trăim în fantezia de azi.
99. Trainspotting (1996)
Este puțin dificil să explicăm cinefilii ca noi despre fanatismul „Trainspotting”. A apărut într-o perioadă în care realitatea drogurilor tocmai începuse să se scufunde. S-ar putea spune că a încântat abuzul de droguri și, într-o oarecare măsură, este adevărat. Faptul care a ieșit din el a fost încercarea lui Danny Boyle de a arăta maximul și minimul abuzului de droguri, fără a lua parte. „Trainspotting” este un film de cult care spune o poveste a patru prieteni și a încercării lor cu dependență. Scandalos și bizar sunt singurele două cuvinte care o descriu. Un dependent de droguri care vrea să meargă curat, doar să se clatine la fiecare pas datorită dorinței sale cele mai profunde de a ajunge la înălțime. Generos supradozat de umor, filmul încearcă să sublinieze un fapt cu o seriozitate totală: în ciuda luxurilor pe care le oferă viața, tinerii le neagă cu mult aplomb. Și motivele? Nu există motive. „Cine are nevoie de motive când ai heroină?”
98. Absolventul (1967)
Ah, zilele tinereții! Fără griji și vesel. Distracție plină de nimic de îngrijorat. Nici o grijă pentru trecut, care a rămas în urmă și nici o grijă pentru viitor, care urmează să vină. Benjamin Braddock a dus această viață fără griji, după ce a absolvit facultatea. Și când s-a întors în sfârșit în orașul său natal, acolo a întâlnit-o pe doamna Robinson. Flacăra unei aventuri începe să ardă. Viața ia o întorsătură înșelătoare când tânărul Ben confundă sexul cu compania. Devine turbulent, când el se îndrăgostește de fiica ei. Un film provocator de gânduri, în haina unei comedii, „Absolventul” este unul dintre cele mai amuzante filme din istorie. În rolul principal al lui Dustin Hoffman, acesta prezintă linia iconică - „Doamnă Robinson, încercați să mă seduceți?”
97. Viața dublă a lui Veronique (1991)
Poate că niciun alt regizor nu a înțeles femeile până la profunzimi emoționale atât de profunde precum Krzysztof Kieslowski. Bărbatul doar i-a iubit și l-a afișat cu atâta pasiune și intimitate încât nu poți să nu te simți îndrăgostit de puterea sa emoțională brută. „Viața dublă a lui Veronique” ar putea fi doar cea mai mare realizare artistică a sa. Filmul este despre o femeie care începe să simtă că nu este singură și că o parte din ea trăiește undeva în lume într-un suflet diferit. Veronique și Weronika sunt cele două femei identice care nu se cunosc și totuși împărtășesc o conexiune emoțională misterioasă și intimă între ele. Cinematografia extrem de stilizată a lui Slawomir Idziak zugrăvește filmul cu o senzație dulce melancolică care te înfășoară și nu reușește să treacă. Există sentimente și emoții pe care le găsim cu adevărat greu de exprimat, iar filmul dă viață acelor sentimente inexplicabile de tristețe și singurătate gânditoare. „Viața dublă a lui Veronique” este o operă de artă uimitoare care înfățișează sufletul uman în toate fragilitățile și tandrețea sa frumoasă.
96. Cinema Paradiso (1988)
Mulți oameni consideră cinematografia ca o îngăduință, o activitate de petrecere a timpului liber, o distracție care nu are nicio consecință în viață. Dar eu, cu o armată de cinefili înflăcărați care să mă susțină cu fervoare, pot afirma cu convingerea absolută că cinematografia este la fel de necesară pentru viață, precum viața este pentru cinema. Și ‘Cinema Paradiso’ este un mod frumos, chiar dacă ironic, de a-mi da punctul de vedere. Regizorul de succes Salvatore se întoarce acasă într-o zi la știrea că Alfredo a murit, după care revine în orașul natal din Sicilia anilor 1950. Tânărul și răutăciosul Salvatore (poreclit Toto) descoperă o dragoste durabilă pentru filme, care îl atrage la cinematograful satului Cinema Paradiso, unde Alfredo este proiecționist. După ce i-a plăcut băiatului, bătrânul bub devine o figură paternă pentru el, în timp ce îl învață cu grijă pe Toto abilitățile care ar fi piatra de temelie pentru succesul său cinematografic.
A-i privi pe Toto și Alfredo discutând despre cinem cu respect, iar să-l vezi pe Alfredo dând sfaturi de viață prin citate de filme clasice, este o bucurie. Prin povestea de vârstă a lui Toto, „Cinema Paradiso” aruncă lumină asupra schimbărilor din cinematografia italiană și despre comerțul cu moarte al realizării, montării și proiecției tradiționale în timp ce explorează visul unui tânăr băiat de a părăsi micul său oraș pentru a incursiune în lumea de afară. Unul dintre cele mai bune „filme despre filme” a existat vreodată.
95. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)
Una dintre acele experiențe rare de film care te face să simți simultan o mulțime de emoții. Este amuzant în anumite părți, înălțător în unele și în inimă zdrobitor în altele. Este, de asemenea, una dintre celelalte fapte rare din povestirile simpliste și eficiente, care povestesc despre Randle McMurphy, un criminal care, în speranța de a se sustrage timpului de închisoare, se preface bolnav mintal și se declară nevinovat pe motiv de nebunie. La sosirea într-o instituție mintală, el se răzvrătește împotriva autoritarului Nurse Rached (interpretat de o Louise Fletcher oțelă) într-un scenariu clasic vs. haos. Filmul stabilește că într-adevăr nu este nimeni mai bun să joace personaje cu lovituri și farmec în egală măsură decât Jack Nicholson însuși, aducându-i o meritată victorie la Oscar pentru interpretarea sa în film. Ceea ce începe ca un film durabil și reconfortant, ajunge la un final tragic, deși plin de speranță, după scene tulburătoare care implică o sinucidere și o terapie electroconvulsivă asupra pacienților. Filmul, totuși, nu renunță niciodată la atenția și patosul privitorului pentru personajele de pe ecran, evocând emoții autentice și bucurie pentru spiritul uman care emană chiar și în fața autorității neîmpărtășite.
94. Pyaasa (1957)
Densă cu idei de schimbare socială și comentarii dureroase asupra răutății și stigmatelor actuale ale societății, „Pyaasa” nu numai că a reprezentat epoca de aur a cinematografiei indiene, ci a fost și o reflectare a burghezului indian în sine. Este un film care are o calitate subtilă despre sine, în care toate adevărurile tupite și realitățile dure ale societății se fierb sub suprafață, așteaptă să fie explorate și extrapolate de publicul atent. ‘Pyaasa’ este un clasic atemporal nu fără motive. Chiar și după 60 de ani de la eliberare, rămâne relevantă în timpurile moderne, deoarece India continuă să fie afectată de aceleași blesteme sociale - corupție, misoginie, materialism - pe care „Pyaasa” le abordează direct sau indirect.
93. Modern Times (1936)
„Modern Times” este un film plin de umor cu un mesaj puternic. Purtând temele marca Chaplin de speranță și sărăcie, această imagine se concentrează pe efectele adverse pe care le au mașinile și alte forme de progrese tehnologice asupra poporului comun, trăgând în lumina reflectoarelor un muncitor din fabrică a cărui viață trece prin multe răsuciri în timp ce încearcă să face față noii lumi. Deși slapstick-ul este amuzant de lacrimi, totul este conținut într-un vas de tristețe. „Modern Times” folosește elemente inteligente și subtile pentru a pune întrebări filosofice importante din când în când. Punctul culminant este unul dintre cele mai emoționante vreodată, implicând o formă tristă de fericire și fără răspuns sau rezoluție reală. Este posibil ca acest film să fie cea mai bine scrisă lucrare a lui Chaplin și este surprinzător cât de relevante sunt ideile prezentate aici chiar și astăzi. După ce a trecut fără îndoială testul timpului, calea pe care o ia Modern Times pentru a-și împărtăși gândurile este probabil cel mai bun aspect al acestui triumf cinematografic.
92. Linia roșie subțire (1998)
Terrence Malick Întoarcerea la filmare după o pauză de 20 de ani a fost marcată de această dramă uimitoare de război care explorează, nu războiul, ci emoția de a lupta împotriva războiului. Filmul este cu adevărat de natură Malick-ian, cu mai mult accent pus pe imagini decât povestea, permițându-vă să vă bucurați de experiența acestuia. Geniul filmului stă în viziunea lui Malick de a vedea frumusețea în ceva la fel de întunecat și sângeros ca războiul. Este nevoie de un geniu absolut pentru a transforma ceva la fel de brutal și sângeros ca războiul într-o experiență atât de hipnotică care depășește realitățile războiului și, în schimb, vă permite să vă bucurați de emoțiile personajelor sale. Este o experiență atât de captivantă, care îți cere să simți ființele umane din spatele armelor și bombelor. Acestea sunt suflete devastate la fel ca noi, dorind după o atingere delicată, lipsind căldura respirației iubitorilor și soțiilor lor, în timp ce trebuie să se ocupe de cele mai urâte realități îndepărtate de ele. „Linia roșie subțire” este pur și simplu o experiență ca nimeni alta; una care trebuie văzută, simțită și reflectată.
91. Blade Runner (1982)
Ultimul tăietor al filmului „Blade Runner” al lui Ridley Scott, cred că este cel mai mare film distopic realizat vreodată. Deși Metropolis este o alegere discutabilă, trebuie să respectăm vizualele neautentice asociate cinematografiei expresioniste germane. „Blade Runner”, pe de altă parte, este mai mult decât perfect în construirea unei lumi care suferă de inegalități financiare, boom al populației, deficiență în orice lucru natural, deoarece nici măcar carnea nu poate avea încredere aici. Iluminarea sclipitoare este naturală din punct de vedere contextual, deoarece este o lume electronică, iar Jordan Cronenweth o folosește în mod similar cu obiectele iluminante de zi cu zi din filmul negru. Deși s-ar putea să nu pună întrebări la fel de extinse ca „Odiseea spațială”, dar ne face să ne întrebăm dacă „androizii visează oile electrice”.
90. Fargo (1996)
Violent, amuzant, cald și brutal intens, ‘Fargo’ este unul dintre cele mai bune filme americane din anii 90 și una dintre cele mai mari drame criminale realizate vreodată. Filmul este despre un bărbat care angajează doi bărbați să-și răpească soția și să-i stoarcă bani de la bogatul său socru. Folosirea genială a umorului negru de la Coen Brothers străbate filmul cu un aer de căldură care conferă un ton foarte distinct filmului. Acest amestec magistral de comedie, dramă și violență face din „Fargo” o experiență cinematografică atât de memorabilă. Acea minunată fotografie de deschidere a unui Minnesota plin de zăpadă, frumos complimentată de un scor obsedant, dă tonul filmului și stabilește un sentiment de tristețe profundă care stă sub violența și umorul cu care filmul este plin. Frances McDormand este în mod clar vedeta filmului și fură spectacolul, înfățișând o șefă de poliție însărcinată, prinsă într-o lume a răului și a brutalităților, dar reușește să găsească lumină și speranță. ‘Fargo’ este o piesă de cinema pur nituit emoțional, brutal intens, extrem de amuzant și dureros de realist.
89. Eraserhead (1977)
„Eraserhead” este o piesă de manual despre groaza atmosferică. Povestind povestea unui bărbat cu păr ciudat care încearcă să crească singură o familie de acest fel, acest film se transformă mai mult într-un coșmar suprarealist cu fiecare minut care trece. Folosind sunetul și prim-planurile pentru a oferi un sentiment de teamă claustrofobă și alinierea acestuia cu un complot care nu are prea mult sens la un prim ceas, debutul lui David Lynch se dovedește a fi unul dintre cele mai bune master-regizor, ceea ce în sine este o mare laudă. Ceea ce face „Eraserhead” este să creeze o lume distopică - împrăștiată cu clădiri urâte și articole mecanice cufundate în alb-negru vicios - și să arunce în ea personaje care sunt mai mult sau mai puțin confuze de împrejurimile lor. Deși a afla „sensul” acestei imagini este aproape imposibil, trebuie să ne dăm seama că aceasta nu este niciodată intenția. „Eraserhead” plasează în mintea audienței un sentiment de disconfort total, folosind atât vizualul, cât și stilul suprarealist și găsește o modalitate de a-și manipula gândurile. Doar o mână de imagini sunt la fel de frumos structurate, dar în mod incontestabil amenințătoare ca aceasta, și asta ar putea fi realizat doar de cineva ca Lynch.
88. Boyhood (2014)
„Copilăria” este o amintire plăcută a anilor trecuți de bucurie dezinhibată, optimism neclintit și inocență clocotitoare. Se bazează pe obținerea frumuseții, bucuriei și emoției din viața obișnuită a oamenilor și nu din orice act de dramă sporit (pâine și unt pentru majoritatea filmelor). Este fascinant să vezi cum de la scenă la scenă, nu numai că există schimbări în fizicitatea personajelor, dar vei observa și transformarea în moda lor, coafura, gustul în muzică și, în general, perspectivele despre viață. „Copilăria”, într-un mod pe care foarte puține filme o fac, depășește limitele cinematografiei și devine o mică parte a propriei noastre existențe și experiențe. Linklater ne amintește din nou de ce este cel mai bun în afaceri atunci când vine vorba de a spune povești simple despre oamenii obișnuiți.
87. Zilele Raiului (1978)
Evoluția lui Terrence Malick într-un vizionar cinematografic complet controlat și autoritar este unul dintre cele mai mari lucruri care s-au întâmplat vreodată cinematografiei americane. Din lucrările sale timpurii reiese clar că era disperat să sară din granițele convenționale ale cinematografiei. Filme precum „Badlands” și „Days of Heaven” au narațiuni aparent simple, dar acestea au fost filme care au încercat să fie ceva mai mult. Ceva mai mult decât o simplă poveste. O experienta. „Zilele Raiului” realizează acest lucru mai strălucit decât „Badlands”. Mulți oameni au criticat adesea filmul pentru povestea sa slabă. Nu aș putea spune că sunt complet greșite, dar povestea, oricum, nu este cel mai important aspect al unui film. Ceea ce Malick face aici este să folosească vizualitatea cinematografiei, care pune accentul mai mult pe dispoziția poveștii decât pe povestea în sine. Intențiile sale nu sunt să te facă emoțional folosind situația dificilă a personajelor, ci să te permită să le observi, să simți frumusețea peisajelor și parfumul locului său. Și să creezi un astfel de fel de experiență visceral în mișcare nu este decât un miracol.
86. Mormântul licuricilor (1988)
Un film intens, emoționant, care este la egalitate în toate aspectele la care vă puteți gândi, cu celelalte filme de acțiune live care evidențiază pradă războiului. Acest film de animație japonez s-a concentrat pe ororile celui de-al doilea război mondial, concentrându-se pe viața unei perechi de frați, mi-a frânt inima într-un mod în care niciun alt film nu a reușit și a continuat să calce pe piese până la capăt. Fiind un film de război, face minuni și pe frontul uman, realizând frumos și dezvoltând relația tandră dintre Seita și Setsuko în fața adversității care a fost al doilea război mondial. Mesajul este puternic și clar. Niciun război nu este câștigat cu adevărat și toată gloria care presupune victorii este însoțită și de plânsuri de vieți inocente distruse în război. Aș aplauda filmul pentru că nu a fost manifest manipulativ din punct de vedere emoțional în a ne face rădăcini pentru personajele sale; dar nu vă faceți nicio greșeală, punctul său de vedere puternic și fără compromisuri asupra războiului și travestiile suferite de perechea de frați vă vor reduce la o mizerie plângătoare. Este atât de trist. Acestea fiind spuse, nu există nicio altă cale prin care aș avea-o. Este perfecțiunea, în forma sa cea mai sfâșietoare.
85. Manhattan (1979)
Povestea romantică din filmele lui Woody Allen s-a simțit întotdeauna dureros de veridică și deprimant de realistă, în ciuda simțului delicios al umorului cu care le înfășoară. În timp ce „Annie Hall” rămâne cel mai îndrăzneț film al său, „Manhattan” apare ca o lucrare mai maturizată, artistic. În film, Allen îl interpretează pe un newyorkez plictisit, confuz, divorțat recent, care se întâlnește cu o fată de liceu, dar ajunge să se îndrăgostească de amanta celui mai bun prieten al său. Allen a redus ușor umorul acestui film, pentru a ne permite să simțim cu adevărat tristețea care îi cuprinde personajele, ceea ce îl face o experiență atât de epuizantă din punct de vedere emoțional. Este doar un portret profund ascuțit al relațiilor flailing și al ființelor umane defecte care se luptă cu ei înșiși și cu existența lor, în căutarea disperată a fericirii pe care nu o vor recunoaște și nu o vor atinge niciodată. Și această realizare dulce delicată și înțepenitoare a condiției umane face din „Manhattan” un film atât de puternic.
84. Marketa Lazarova (1967)
Pictograma cehă Franti & scaron; ek Visul incorporeu al lui Vláčil, Marketa Lazarová, este pur și simplu una dintre cele mai incredibile piese de artă care au ieșit din cele 20aSecol. Abordarea sa avangardistă a limbajului cinematografic abia se potrivește cu limitele acelei întoarceri de expresie adesea înfricoșătoare - pentru că este ceva mai mult. O fuziune uimitoare a vederii și a sunetului, neînfrânată de convenție, structură sau orice regulă scrisă, erudiții revoltați ai cinematografiei au pălmuit forma filmului de-a lungul anilor. Prin comparație, orice altceva pare atât de strâns controlat - atât de nefiresc și inventat în execuție. Marketa Lazarová este crud, visceral și uimitor de dinamic. Pe scurt: este gratuit - un adevărat vârf al posibilităților de explorare a fiecărui mediu cinematografic de inch. Pentru aceasta, se află printre cele mai mari filme realizate vreodată.
83. Singin ’In The Rain (1952)
Singin ’In The Rain este cel mai definitoriu musical al Epocii de Aur de la Hollywood. Este imposibil să uităm imaginea lui Gene Kelly dansând lângă lampa de stradă, când vorbim despre momentele strălucitoare din cinematografie. Filmul nu numai că își sărbătorește delicios competența, ci și trecerea cinematografiei de la un mediu vizual la unul rezonant și stimulant. O realizare monumentală în cinematograful Technicolor, efortul regizoral al lui Kelly a fost în mod amuzant respins de critici și public, inițial. Cred că relevanța acestui clasic devine din ce în ce mai puternică zi de zi, pe măsură ce decalajul dintre perioadele de timp acoperite de film (viața reală și de rolă) și prezentul crește din ce în ce mai mult. Pierdem legătura cu o epocă importantă, iar acest film te roade cu nostalgie.
82. Nu te uita acum (1973)
Este foarte dificil să găsești o piesă de artă vizuală la fel de hipnotică ca „Nu te uita acum”, de Nicolas Roeg. În multe privințe, această capodoperă este ca piticul hidos de la sfârșit. Este frumos îmbrăcat în colorare extatică, dar adăpostește cea mai proastă parte a vieții: moartea. Indiferent cât de eficient este personajul lui Sutherland, cred că acesta este un film condus de emoții, întrucât Roeg plasează căutarea iubirii pierdute peste o poveste concludentă. Fundația gotică este un dispozitiv foarte puternic pentru a exclama importanța legăturilor pe care se bazează, aceea a iubirii paterne și familiale, precum și pentru a da o formă vagă fantomelor care bântuie protagonistul. „Unele locuri sunt ca oamenii, unele strălucesc și altele nu”.
81. Fight Club (1999)
Din când în când, ajunge o piesă de artă care definește psihicul unei generații. În ceea ce privește cinematografia, anii 50 au avut „Rebel fără cauză”, anii 60 au avut „The Graduate”, iar anii 70 au avut „American Graffiti”. Și chiar și peste două decenii în urmă, „Fight Club” se potrivește cu etușa îngâmfată, nemulțumită, anti-establishment a generației noastre, ca o mănușă. La fel ca multe filme grozave, „Fight Club” este foarte divizibil și poate fi interpretat filozofic în multe moduri distincte - unii consideră că definește bărbăția contemporană, în timp ce alții cred că glorifică violența și nihilismul.
În esență, un thriller, filmul este povestit din POV al unui protagonist nenumit care suferă de insomnie și nemulțumit de munca sa monotonă care se intersectează cu un impetuos producător de săpun pe nume Tyler Durden. Durden și protagonistul încep în curând un „Club de luptă” subteran ca o modalitate pentru membrii nemulțumiți ai societății de a-și evada furia. Dar în curând planurile lui Tyler și relațiile naratorului scapă de sub controlul său, ducând la un punct culminant exploziv (la propriu!)
Împreună cu atitudinea pe care o propagă diavolul-poate-avea grijă, „Fight Club” este, de asemenea, un semn distinctiv al unor direcții de as de la legenda contemporană David Fincher. Paleta de culori sumbre, editarea ascuțită și lucrul camerelor elegante au inspirat o hoardă de thrillere întunecate care urmează filmului. Un film de bază al anilor '90.
80. Before Sunset (2004)
Iată adevărul despre evoluția umană pe care nimeni nu ți-l va spune: omenirea va pierde în curând arta conversației. Progresele tehnologice au un mare efect secundar: oamenii devin din ce în ce mai puțin interesați de conversația reală izbitoare - pentru că au tehnologie de ascuns în spate. Și tocmai de aceea seria Before va rezista în deceniile următoare. O serie de filme despre două persoane implicate în conversații reale sunt o raritate chiar și pentru această generație. În viitor, astfel de filme nu vor mai fi realizate deloc. De aceea, generațiile viitoare vor privi înapoi la trilogia Before cu uimire și mirare. Și nu voi fi surprins dacă trilogia își găsește locul meritat nu doar în istoria filmului, ci și în biblioteca fiecărei școli de film.
Dintre cele trei filme Before, se remarcă ‘Before Sunset’ pentru că este cel mai sfâșietor de frumos. Un film care este inerent despre cea mai puternică dorință umană: dorința de a fi cu cineva cu care ai putea petrece restul vieții. Dacă priviți cu atenție, „Before Sunset”, în cele din urmă, devine o oglindă, uitându-vă în care, vă puteți judeca propriile relații: Unde ați greșit? Cine a fost de fapt „cel” pentru tine? Ce ocazii ai ratat? Ce ar fi putut fi? Este unul dintre cele mai rare și rare filme în care propria experiență în viață vă va îmbogăți și hrăni experiența cu filmul.
79. The Matrix (1999)
O idee ingenioasă, inteligentă, redată pe ecran de Wachowskis, rezultând într-un film care i-a făcut pe mulți spectatori să se îngrijoreze de realitatea în care s-au găsit. Este adevărat, odată ce „The Matrix” a fost creată, nu a mai avut loc înapoi, s-a schimbat lucruri. Nu numai că filmul a doborât o nouă direcție în povestea sa, dar a revoluționat și modul în care filmele de acțiune și ficțiune au ajuns să fie concepute după aceea. Succesul „The Matrix” ca film constă, de asemenea, în modul în care se amestecă cu măiestrie între teme, inclusiv filozofie, existențialism și chiar religie, purtând totodată masca unei acțiuni și a unui film SF. Abilitatea lui Neo de a manipula realitatea simulată pentru a efectua fapte aparent imposibile și utilizarea „timpului glonț”, o tehnică de acțiune care nu este decât iconică acum, se adaugă ingeniozității filmului. Este posibil ca genul să fie prea mult acum, dar când a ieșit primul, este sigur să spunem că publicul nu a văzut așa ceva.
78. Al șaptelea continent (1989)
Numirea lui Michael Haneke „Al șaptelea continent” ca film de groază mi se pare foarte greșit, dar așa este menționat de majoritatea oamenilor care l-au văzut. Este greu să te certi cu ei, deoarece vizionarea acestui film lasă pe cineva să se simtă fără speranță, deprimat și speriat. Având de-a face cu o familie care urăște lumea și viața în general, acest clasic din 1989 ia o poziție rece și îndepărtată pentru a izola în continuare cei trei jucători de restul societății, ceea ce determină încet, dar sigur, publicul să se simtă profund pentru ei ca fiind existența ia o întorsătură întunecată. Fiind unul dintre cele mai deranjante filme care a câștigat vreodată ecranul de argint, piesa de debut a lui Haneke îl batjocorește pe spectator și nu-și dă drumul niciodată. Dacă publicul îl numește un film de groază, atunci îl fac referindu-se la un film înfricoșător, care nu seamănă cu niciun altul. Acoperit de ambiguitate și realism, Al șaptelea continent este o relatare personală, intimă și terifiantă a unei povești adevărate care te lasă în tăcere, deoarece cel puțin câteva minute după ce se termină, devii incapabil să pronunți un singur cuvânt.
77. Zodiac (2007)
„Zodiac” nu este thriller-ul tău convențional; are ritm lent și se concentrează mai mult pe dispoziție și personaje decât pe complot. Există o aură pe care David Fincher o construiește atât de mult încât să poți simți starea de spirit a filmului în oasele tale. Nu este un film care te va lăsa fericit când se va termina. Este, de asemenea, un film în care tipul rău câștigă, tipii buni pierd. Și de aceea este atât de bun. Nu doar bun, ci o capodoperă modernă. Când un film reușește să te zvârcolească timp de două ore și jumătate și te lasă să te gândești zile întregi, trebuie să fi reușit multe lucruri pe care thrillerele produse în mod obișnuit nu le fac. După părerea mea, ‘Zodiac’ este cel mai bun film al lui Fincher, unde el, cu disciplina și abilitățile sale, arată de ce uneori „mai puțin este mai mult”.
76. Magnolia (1999)
„Magnolia” este, fără îndoială, cea mai personală lucrare a lui Paul Thomas Anderson. Vibrația isterică pe care Anderson îi infuzează filmul aduce o anumită fluiditate emoțională melodramei, care este atât de incredibil de captivantă și cathartică în energia sa. Filmul se desfășoară în întregime în Valea San Fernando, cu diferite personaje corelate care trec prin diferite faze ale vieții lor, luptându-se să facă față propriilor demoni interiori și conflicte emoționale. Anderson îi iubește pe acești oameni, îi cunoaște și îi înțelege, dar îi prezintă fără scuze cine sunt; ființe umane dezbrăcate, crude și pure, care se confruntă și depășesc cele mai profunde frici și fragilități. Ceea ce face „Magnolia” atât de specială este că este un film care spune atât de multe despre realizatorul său. Ne aruncă o privire asupra vieții lui Anderson, a locului de care aparține și a oamenilor din viața sa. Există atât de mult din Anderson în tot filmul. Un film precum „Magnolia”, în cazul în care ar fi fost regizat de orice alt regizor, s-ar fi simțit datat și ar părea destul de mult ca un produs al timpului său, dar cu Anderson, acesta se adaugă doar la atracția filmului.
75. Rosemary’s Baby (1968)
„Pruncul de rozmarin” este o operă de artă întunecată, răsucită, care se joacă cu inocența pentru a construi un sentiment de groază. Având de-a face cu o femeie care se confruntă cu complicații în timpul sarcinii, filmul ia un traseu complet nou, cu complotul său, permițând elementelor ritualice să joace un rol major. Există atât de multe lucruri despre acest film, de la personajele bine scrise până la mediul îndepărtat care înconjoară fiecare incident care se întâmplă. Există întotdeauna un sentiment de tensiune pe tot parcursul imaginii și asta se datorează parțial cinematografiei tăcute și persistente executate cu stilul regizoral strâns al lui Polanski. Mia Farrow oferă cea mai bună performanță în carieră aici ca Rosemary Woodhouse, o femeie care devine mai slabă pe măsură ce se luptă cu durerile care vin odată cu purtarea unui copil. În ansamblu, atmosfera capturată de acest film este potrivită de puține altele, iar felul în care acesta se infiltrează în pielea ta este cu adevărat altceva.
74. Bine, rău și urât (1966)
Personaje încântătoare interpretate de actori legendari, acțiune armonieră neînfrânată, brutală, muzică agățată și cinematografie intensă - a treia parte a trilogiei „Dolari”, despre care se spune că este nașterea westernurilor spaghete, este un cinematograf indulgent, captivant, distractiv în cele mai bune condiții. Blondie sau No Name (The Good), un pistolar profesionist și Tuco (The Ugly), un haiduc căutat, formează o loialitate nedorită atunci când află fiecare un detaliu important despre o rezervă de aur ascunsă de un confederat fugitiv. pe cine Angel Eyes (The Bad), un asasin, este contractat să-l omoare. Călătoria trio formează esența unui complot nituitor care se termină cu o privire clasică în stil occidental. Clint Eastwood în rolul Blondie este imaginea machismului, Lee Van Cleef în rolul lui Angel Eyes este rău personificat și Eli Wallach în rolul lui Tuco adaugă o caracter complexitate de impuls și furie la actele mai simple, dar mai spectaculoase, Good Vs Evil ale celor două stele mai mari. Dar frâiele sunt pentru totdeauna regizorul în mâinile lui Sergio Leone - el folosește fotografii lungi întinse și o cinematografie intensă în prim plan, așa cum este necesar pentru a crea o tensiune în cadrul procedurilor. Un film care definește genul Quentin Tarantino, unul dintre cei mai mari exponenți ai occidentalului modern, numit odată „Cel mai bine regizat film din lume”.
73. Jucătorii călători (1975)
Mult prea mult timp, epopeea intimă, delicată asamblată de Theo Angelopoulos, a fost cunoscută de puțini pasionați de film și, probabil, apreciată de chiar mai puțini. Înălțarea sa impunătoare și treptată a unui monument cinematografic pentru relația noastră esoterică, criptică cu timpul este de înțeles, nu pentru toată lumea. Dar pentru curioșii dintre noi, s-a știut că oferă consolare, oferă înțelepciune și dăruiește o percepție care ajută la găsirea constantelor de care să se agațe în această lume universală și crudă și dinamică. Printre multele lucruri pe care acest film le înțelege este înțelegerea sa curată a dezvăluirilor din povestea lui ‘Oreste’. Mitologia asociată cu figura tragică este surprinsă cu o smerenie amețitoare și totuși, filmul reușește să ne transporte prin viziunea sa suplă către o imagine melancolică și persistentă a Greciei de la mijlocul secolului al XX-lea. Eleganța sa temporală justifică vizualizarea istoriei stând lângă trupă: din exterior înăuntru. Ai tendința de a simți atât asprimea ei, cât și de a reflecta asupra creației sale. Este o lecție rară de istorie antifascistă, deoarece nu ne spune niciodată ce să credem. Ne arată doar ce să simțim. Angelopoulos și directorul de film Giorgos Arvanitis ne plasează în locații care ne opresc din inimă și le spală cu răutatea devastatoare a perioadei. „The Traveling Players” este o bijuterie rară, umilă, care se simte ca și cum ar fi fost salvată de pe străzile încărcate de revolte și a supraviețuit prin foamete. În termeni mai simpli, nu merităm acest lucru.
72. Cache (2005)
Michael Haneke este adesea acuzat că se ocupă întotdeauna de narațiuni sumbre. Această caracterizare este complet nedreaptă, deoarece ceea ce face în esență este să ofere informații umane asupra întunericului care ne învăluie pe toți, modul în care percepțiile noastre greșite duc la izolare agonizantă și modul în care iluziile noastre reduc șansele noastre de a depăși izolarea menționată. „Caché” nu este doar un document masiv, plin de focuri, care indică viciositatea masacrului râului Sena din 1961 și inumanitatea noastră ca societate, ci și un studiu al personajelor universal poetic. Georges, protagonistul nostru, percepe viața și prezența sa ca ființă socială într-un sens distorsionat al bucuriei. El fuge de confortul încrederii și comunicării cu ceilalți. Își bucură înstrăinarea, la fel cum îi înstrăinează pe atât de mulți care îl țin atât de drag. Cu aceasta, Haneke își bate joc de generația care dorește să fie lăsată singură. Camera lui este uneori neobișnuit de îndepărtată, la fel cum mulți dintre noi suntem în raport cu mediul înconjurător. Dar, în controlul său, trebuie să ne confruntăm cu indecența noastră, cu desconsiderarea noastră, cu realitatea noastră. Una dintre cele mai provocatoare piese de cinema pe care le veți vedea vreodată.
71. Spirit of the Beehive (1973)
Maestrul spaniol Victor Erice a realizat doar trei lungmetraje înainte de a se retrage. Încă în viață astăzi, filmele sale precum El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ și mai ales Spirit of the Beehive, debutul său de nedefinit, care ne fac să ne dorim cu toții să facă încă filme. O poveste parabilică a doi copii, unul explorând existența sa cu o fascinație inocentă, adesea uimitoare, iar celălalt obsedat de filmul „Frankenstein” care a jucat în teatrul lor local. Portretul său mistificator al inimii spaniole este lăsat într-o ambiguitate atrăgătoare prin direcția caracteristic neutră a lui Erice - rareori aventurându-se pentru metoda cinematografică în favoarea observării silențioase. Lucrarea rezultată este nedumeritoare, captivantă și vă va lăsa să vă întrebați despre enigma intrinsecă a vieții însăși: întrebările sale fără răspuns, marile sale mistere și neajutorarea lor năucitoare. Pentru a vă lăsa complet devastat sau mișcat incomparabil, nu există nicio îndoială că, până la extremul „Spirit al stupului” va fi o experiență importantă.
70. All the President’s Men (1976)
Watergate. Un cuvânt care a adus perdelele asupra președinției lui Richard Nixon și i-a făcut pe oameni să-și dea seama că chiar și o persoană de talia președintelui se poate apleca în cea mai mică măsură posibilă pentru a-și face lucrurile. În timp ce prietenii președintelui erau ocupați cu curățarea mizerie pe care a creat-o, au existat doi reporteri care au înțeles. În ciuda amenințărilor iminente, ei au lucrat neobosit, au urmărit chiar și cel mai mic dintre indicii și, uneori, și-au adus pericolul în procesul de a transmite faptele oamenilor. Bazat pe cartea cu același nume, scrisă de reporteri, Bob Woodward și Carl Bernstein, „All the President’s Men” este o observație înțeleaptă a ceea ce ar trebui să fie adevăratul jurnalism. Regizat de Alan J Pakula, acesta a fost nominalizat la opt premii academice, în cele din urmă câștigând trei și, eventual, pierzând cea mai bună poză în fața ‘Rocky’.
69. Armata umbrelor (1969)
Cred că un punct excelent de comparație care trebuie făcut pentru noii veniți la opera lui Jean-Pierre Melville este cel al lui Stanley Kubrick. Ambele practică o precizie tehnică extremă și emană încredere absolută în fiecare rol de lucru pe care îl desfășoară pe parcursul unor cariere lungi și profitabile din punct de vedere creativ. Acestea fiind spuse, o plângere ieftină, dar provocatoare, pe care oricine o poate depune la directorul american este „lipsa de suflet”. O vacanță de exprimare umană. Nu este cazul Melville. În „Armata umbrelor”, personajele lui Melville ard cu o scânteie amară, alimentată de disperare, care face ca fiecare acțiune să se strecoare cu omenirea. În lumea mortală a mișcării Rezistență în timpul războiului, o singură mișcare falsă poate duce la distrugerea totală și cu grația menționată mai sus și controlul virtuozic asupra cinematografului său, Melville coase semințele unei lumi complet credibile, convingătoare, moarte. „Armata umbrelor” este una dintre cele mai liniștite, intrigante și care afectează monumental piesele de lucru care ies din cinematografia franceză - și să ratezi un astfel de clasic cu vederea criminală ar fi să-ți faci un grav deserviciu.
68. The Shining (1980)
Prin adaptarea clasicului lui Stephen King, Stanley Kubrick a creat în 1980 un film care a redefinit genul horror. Aici, nu doar povestea sau personajele se tem de naștere. Mediul înconjurător și modul în care a fost filmat ajută în mod minunat să permită tensiunii amorțitoare a minții să pătrundă în mintea publicului. Filmul îl urmărește pe Jack Torrence, un îngrijitor nou numit la The Overlook Hotel, și familia sa, în timp ce petrec o perioadă de izolare totală în clădirea misterioasă. Prin spectacole uimitoare și o cameră excelentă, Kubrick se asigură că conținutul filmului se scufundă adânc în subconștientul nostru. Modul în care manipulează sunetul și atmosfera este absolut incredibil și creează pentru o oră de neuitat, precum și de răcire a coloanei vertebrale, două ore și jumătate. Lumea „The Shining” este frumos întunecat, te strânge strâns de guler în timpul întregului său act uluitor.
67. Chinatown (1974)
Există film negru și neo-negru și chiar între cele două, stă Jake Gittes, îmbrăcat îngrijit cu o fedora clară pentru a complimenta rânjetul de pe față. Deși este un mare admirator al lui Polanki, există întotdeauna ceva care nu se potrivește cu produsul final al filmelor sale. Cu excepția Chinatown. Această capodoperă seminală nu numai că și-a creat o identitate, ci este întotdeauna privită de realizatorii care își împrumută stilul pentru a crea o identitate pentru filmul lor. Polanski este un magician la locul de muncă, păcălindu-ne cu piste distincte, precum și cu ritmul și setarea clasică noir. Dar apoi vine ultimul act al Chinatown-ului, care descompune atât de rapid fiecare convenție care a fost inițial atașată unor filme de mister similare, rămânând cu un sentiment copleșitor de șoc și disperare. Eșecul său de a-l învinge pe Nașul II mă încurcă încă, dar după o jumătate de secol, oamenii au uitat Sicilia, dar niciodată Chinatown-ul.
66. Satan Tango (1994)
Confesiunea numărul unu: aproape niciodată nu am văzut capodopera întinsă, prodigioasă, a lui Béla Tarr. Cineva și-ar asuma statutul de favorit cinefil din toate timpurile și reputația remarcabilă pe care a acumulat-o în cercurile de artă americană și printre unii dintre cei mai avizați critici de film din întreaga lume m-ar fi intrigat. Dar imensitatea pură a duratei sale (aproximativ 432 de minute) și ritmul asemănător lorisului de care mă bucurasem atât de mult în „Werckmeister Harmonies” de Tarr păreau descurajante. Mărturisirea numărul doi: Am văzut ‘Sátántangó’, pentru prima dată, dintr-o singură încercare. Am fost hipnotizat de simțul său pragmatic al lumii reale și de simțul său pacient și prudent al cinematografiei. A observat mai mult decât a reflectat și a contemplat mai mult decât a dat declarații bine formate. Realismul său mitic și sumbru era prea bun pentru a fi adevărat și mult prea brutal pentru a fi realizat cu un astfel de ochi pentru frumusețe.
Tot ce mi-am dorit să fac până la sfârșit a fost să-mi închid toate ferestrele și să mă învăluiesc în întuneric, pentru că filmul pentru mine fusese ca nebunul acela din biserică și plângerile sale avuseseră prea mult sens. Confesiunea numărul trei: sunt încântat să raportez că reflecțiile sociale și politice „Sátántangó” au început să se clarifice pentru mine, în timp ce m-am întors în mod repetat. O vară petrecută devorând romanul lui László Krasznahorkai, care acționează ca material sursă pentru film, a fost unul deosebit de memorabil. Tot ce pot face acum este să sper să continuu să culeg dividendele acestui fericit accident.
65. Exorcistul (1973)
„Exorcistul” lui William Friedkin este perfect regizat. Omul este infam pentru o carieră neregulată care vede clasicii să cadă cu șoc (și, deseori, cele două grupuri traversează pentru explorări fascinante ale nerușinării cinematografice). Cu cel mai bun film al său, Friedkin a decis să filmeze o dramă care s-a întâmplat să aibă legătură cu posesia demonică: Cusând patos pentru personajele sale complexe și traducând visceral textul autorului original William Peter Blatty, prins între credință și îndoială invalidantă. Rezultatul final al a doi artiști minunați care lucrează la vârful jocului lor pentru a oferi un clasic sclipitor al cinematografiei americane: unul care eclipsează aproape fiecare film din genul său (bara, probabil, îngrozitor de îngrozitor „Wake in Fright” sau turneul serendipit al lui Tobe Hooper -forta Masacrul cu ferăstrăul din Texas ). Pur și simplu uimitor.
64. Suspiria (1977)
„Căci în visele noastre, intrăm într-o lume care este în întregime a noastră” - J.K. Rowling. Și dacă una dintre cele mai răsucite minți ale cinematografiei ar decide să-și pulverizeze subconștientul pe o bucată de film. Suspiria lui Dario Argento este considerată a sfida logica cinematografică cu povestea sa ciudat structurată. Dar cred că este o capodoperă neoexpresionistă care surprinde adevărata esență a cinematografiei, care este să ne facă să ne simțim cu adevărat, cu adevărat în viață. Argento înțelege valoarea spațiului și, prin urmare, arată o atenție mai mare către cinematografie și scenografie, care sunt locuitorii dominanți ai filmului său. „Suspiria” nu reprezintă doar stilul lui Argento, ci întreaga groază italiană, un gen stârnit de estetica artei.
63. Un bărbat scăpat (1956)
Impecabil de precis și de inspirațional economic, oh-ul de razboi al lui Robert Bresson a fost lovit cu „A Man Escaped” din 1956. Culmea puterilor mercuriale ale omului ca producător de filme, urmează încercărilor agentului de rezistență francez Fontaine de a scăpa de o închisoare nazistă din ce în ce mai periculoasă și își găsește sensul în fiecare cadru. De la portretizarea uimitor de umană a plumbului de către non-actorul François Letterrier, ale cărui obraji scufundați și ochii dezlănțuiți exprimă atât de convingător greutatea zdrobitoare a vieții în timp de război, până la minimalismul lui Bresson reușind să cultive o intimitate sfâșietoare între public și omul disperat : De la POV-uri frecvente și compoziții elegante care nu s-au lăsat excesiv în tehnicile lucrării înconjurătoare a lui Bresson uneori s-a înecat. Nu aș tăia un singur cadru - și astfel filmul servește ca un mod de educație absolut vital pentru producătorii de filme în devenire: pictează ceva atât de viu și de dens, fără ca acesta să se simtă vreodată preponderent.
62. To Kill A Mockingbird (1962)
În perioade ca acestea, nu există un film mai bun decât „To Kill A Mockingbird” pentru a explica neo-naziștii despre adevăratul sens al castelor, crezului și rasei. Amplasat în calendarele unei Americi divizate rasial, un bărbat afro-american este acuzat că a încălcat modestia unei femei albe. În culmea nedreptăților rasiale, când o curte plină de oameni albi se plâng pentru sângele său, este vorba de un singur om să lupte cu cazul său. Un bărbat alb, numit Atticus Finch. El a luptat curajos pentru a prezenta faptul că toți oamenii sunt creați egali în instanța de judecată, indiferent dacă este sau nu colorată. Eforturile sale devin inutile, deoarece instanța îl declară vinovat pe bărbat. Dar ceea ce rămâne în urmă cu privitorul este lecția pe care Atticus Finch o inculcă copiilor săi. Adică, „niciodată nu înțelegi cu adevărat o persoană până nu iei în considerare lucrurile din punctul său de vedere”. Bazat pe bestsellerul cu același nume al lui Harper Lee, „To Kill A Mockingbird” este unul dintre cele mai mari filme din toate timpurile.
61. Geamul din spate (1957)
Ceea ce distinge un film thriller de capodoperă de canalele de epurare care se îngrămădesc în mod regulat pe noi, este că în acesta din urmă, răsucirile ajung într-o clipă, bazându-se mai mult pe șocul nostru decât pe veridicitatea răsucirii pentru a avea un impact. Dar în filme precum ‘Fereastra din spate’, lucruri minuscule evidente din timpul fotografului profesionist L.B. „Jeff” Jeffries se uită pe geamul din spate se acumulează picătură cu picătură până când inundă, făcându-l pe Jeff inocent să bănuiască că un bărbat care trăiește peste curte a comis o crimă. Hitchcock își folosește camera cu măiestrie ca instrumentele unui iluzionist pentru a-și menține spectatorii încordați, păcăliți și ghiciți până la dezvăluirea maxilarului. Prin urmărirea obsedantă a lui Jeff asupra subiectului său de interes, Hitchcock comentează erorile voyeurismului, cât de atrăgător poate fi și posomorâtul stilului de viață urban singuratic care duce la el. Chiar mai incredibil, este la fel de mult un comentariu despre voyeurismul privitorului ca și Jeff; așa cum suntem captivați de captivarea lui Jeff. A privi atunci când nu este urmărit este o bucurie rea; Hitchcock o știe, o admiră și ne atrage cu ea.
60. 4 luni 3 săptămâni și 2 zile (2007)
Unele filme te mișcă; unii te fac să râzi; unii îți frâng inima. „4 luni, 3 săptămâni și 2 zile” aparțin unei categorii speciale de filme: cele care te fac să fii anxios și nervos. După cum ați fi ghicit, astfel de filme sunt probabil cele mai rare dintre rase rare. Filmul urmărește doi prieteni care încearcă să aranjeze un avort în regimul comunist brutal Ceaușescu din România. Visceral și fără compromisuri, filmul te apucă de gât și nu te lasă niciodată să pleci. Urmărirea acestui film este ca și cum ai experimenta senzația de înțepenire pe care o ai când aștepți nervos ca unul dintre cei dragi să iasă din sala de operații după o intervenție chirurgicală. Nu este doar cinematografia realistă la maxim; este, de asemenea, unul dintre filmele care vă vor schimba viața.
59. Anul trecut la Marienbad (1961)
Filmul lui Alan Resnais din 1961 „Anul trecut la Marienbad” este cel mai aproape de vizualizarea unui vis și se realizează într-un mod cât se poate de ciudat. Muzica care ocupă fundalul pentru majoritatea timpului de rulare funcționează ca un sedativ care pune publicul într-o stare somnolentă. În ciuda acestui fapt, este aproape imposibil să ne ținem ochii de pe ecran, deoarece se întâmplă atât de multe pe tot parcursul imaginii, deși este afișat doar puțin. Îmi place să mă gândesc la „Anul trecut la Marienbad” ca un film imaginat din subconștient, datorită naturii sale repetitive și confuze. Personajele sunt confuze cu privire la lumea bizară în care au fost puse și ele. Este o piesă matură și sofisticată și găsesc complotul de bază - care implică un bărbat și relația sa cu o femeie ciudată pe care își amintește clar că s-a întâlnit cu anul anterior, deși nu își amintește același lucru despre el - foarte captivant, original, pasional, romantic, oniric și, desigur, genial.
58. Căpșuni sălbatice (1957)
Ai fost vreodată într-o călătorie rutieră în care nu ai nimic mai bun decât să te uiți pe fereastră? Pentru o anumită perioadă de timp, te uiți la vederea din afară, înainte ca gândurile tale să intre în grabă și ceea ce este afară este acum doar un șablon - nu îți mai atrage atenția. Așa se întâmplă cu Isak Borg, protagonistul piesei de spirit clasice a lui Bergman, care și-a găsit locul în nenumăratele liste de cele mai bune filme din toate timpurile, inclusiv una compilată de Stanley Kubrick în 1963. El călătorește cu nora sa pentru a primi diploma a „Doctorului Jubilaris” din alma mater. Nu-l place și intenționează să-și părăsească fiul. Dar profesorul nostru, interpretat de genialul Victor Sjöström, nu prea este interesat de viitor. Gândurile sale și, în consecință, filmul, catapultat de mulți oameni pe care îi întâlnește călătoria, aruncă o lumină doar asupra trecutului său. Văzut prin obiectivul iertător și sigur al lui Bergman, amintirile sale sunt simple, familiare și umane. Nu îi glorifică viața și nici nu le resping realizările. Sunt dezordonate, ca cele mai multe dintre ale noastre și distorsionate în mod deliberat. Când ajunge în sfârșit la locul unde i se va acorda onoarea, ne dăm seama că nu a avut nevoie niciodată de o recompensă. A obținut-o deja în acele căpșuni pe care le-a adunat împreună cu iubita lui din copilărie, negustorul care și-a amintit de el, relația tulburată cu soția sa, cei buni și răi, răscumpărătorii și cei de neiertat. La fel ca și noi, sub forma acestui film misterios, inexplicabil emoționant.
57. Regulile jocului (1939)
Comedia ingenioasă și mușcătoasă de maniere a lui Jean Renoir reușește să reziste surprinzător de bine după toți acești ani, rămânând la fel de jucăuș și obsedant ca oricând. A fost evitat la momentul lansării atât de critici, cât și de public, rezultând ca Renoir să taie o porțiune semnificativă a filmului după premiera dezastruoasă - o porțiune care a prezentat în cea mai mare parte personajul lui Octave, care a fost interpretat de Renoir însuși. Aproape surprinzător este creșterea sa de statură de atunci. Filmul, în jonglarea sa vicleană, autoritară cu personaje, teme, tonuri și decor, este întotdeauna delirant de distractiv, dar niciodată mai puțin sârguincios sau mai puțin somptuos realizat decât cel mai bun cinematograf mondial din acea perioadă. Imaginile sale forjate scrupulos pulsează cu rafinament, dar efortul nu este văzut niciodată, iar filmul te lasă cu gura căscată cât de profund te-ai încurcat în atmosfera sa construită cu pricepere. Cinematograful Jean Bachelet și Renoir se joacă cu camera într-un mod care conferă o aerisire filmului, dar controlul lor implacabil este ceea ce îl face o aventură constant interesantă. Dacă toate acestea nu sunt suficiente, trebuie să știți că Alain Resnais a spus odată că filmul a fost cea mai copleșitoare experiență pe care a avut-o vreodată la cinema. Ar fi greu să găsești o recomandare mai strălucitoare.
56. Al treilea om (1949)
Filmul-negru este un gen asociat cu filme care prezintă alee întunecate, personaje secrete, seducătoare, un sentiment de mister și alb-negru cremos pentru a acoperi totul. Deși multe dintre aceste imagini sunt interesante și oferă un timp bun, puțini încearcă ceva inovator și diferit. Al treilea om este unul dintre cele mai mari film-noir realizate vreodată, deoarece își spune povestea uluitoare excepțional de bine, folosind înclinări olandeze impresionante, lumină izbitoare și muzică frumoasă. Filmul are legătură cu un bărbat și cu investigația sa autodidactă asupra uciderii prietenului său bogat din punct de vedere financiar. Intriga Al treilea om este căptușit cu romantism, umor negru, întorsături și suspans. În inima sa, filmul poate fi numit o poveste de dragoste dulce, dar cu orice altceva aruncat, acea pasiune este lăsată la îndoială. Redând un scenariu scris cu măiestrie, magnum opus-ul lui Carol Reed este unul care te ține la marginea scaunului până la capăt, de la primul său act umil și ușor, până la un sfârșit care poate fi cel mai inteligent final al oricărei imagini pe care o ai ' Voi vedea vreodată.
55. Strigăte și șoapte (1972)
Drama tragică de familie a lui Ingmar Bergman se confruntă cu o tristețe atât de imaculată disperată, cât și de febrilă. Nu este construit cu răbdare scenă cu scenă și livrat pe un platou până la sfârșit. Sunteți obligați să-l inspirați chiar de la deschiderea filmului, care prezintă jucătorii principali și tristețea lor dură și combustibilă, cu minunate minunate, care fac disconfortul înăbușitor evident evident. Toate acestea sunt acoperite de o pletoră de roșu care nu iertă, sub forma carmoniului în care sunt pictate pereții casei în care are loc povestea. Bergman ne face conștienți de duhoarea morții care înconjoară femeile cu o direcție atât de impunătoare încât o moarte reală nu este un motiv de alarmă. Dorul inerent de violență al femeilor a făcut ca totul din film să fie o amintire obsedantă, îmbibată de sânge în mintea mea. Vizualele fascinante ale lui Sven Nykvist sunt temperate de scrierea subtilă a lui Bergman și de interpretările magistrale trăite de actori. Luminoasa Liv Ullman pare să mistifice și să încânte de fiecare dată când aparatul este pe ea, în timp ce incredibilele Ingrid Thulin și Harriet Andersson sunt atât de nepălate în munca lor încât se simte invaziv să vină în contact cu sentimentele lor. Bergman nu ne oferă idei clare pentru a ne duce acasă, ci ne neagă toate celelalte senzații decât cele pe care le experimentează personajele sale. Ne întrebăm cât de departe merge accesul său la emoțiile noastre și el îl extinde la fiecare pas. În cele din urmă, „Plânsuri și șoapte” nu trebuie crezut, ci trebuie trăit.
54. A fost odată în Occident (1968)
Poate că este scorul bântuitor al lui Morricone sau poate viziunea lui Delli Colli, care este la fel de vastă ca Occidentul sau poate gritul neclintit care zboară în ochii lui Bronson și Fonda și poate este punctul culminant al tuturor acestor aspecte în aproape fiecare cadru al maestrului, Sergio Leone. . Dacă aveți nevoie de un western care să aibă atât frumusețea lui John Ford, cât și sălbăticia nepărtinitoare a lui Sam Peckinpah, atunci pur și simplu nu există nimeni aproape de Leone. În opusul său magnum, realizează ceea ce l-a dus anterior cu 3 filme, pentru a crea o lume mistică în mijlocul nicăieri. Deși este posibil să nu existe nimic spiritual la suprafață, filmul are zei. Zeii poartă coroane umplute cu 10 galoane de praf de pușcă și grâu pe care îl înghit cu apă. De asemenea, alegerea lui Henry Fonda ca antagonist a fost probabil decizia din acel deceniu, întrucât ochii săi albaștri înghețați nu se asemănau cu nimic din ceea ce Occidentul asistase vreodată.
53. Annie Hall (1977)
Nimeni nu poate pretinde că înțelege enigma confuză, atot consumatoare, care este dragostea ca Woody Allen. Și niciun film al lui Woody Allen nu se apropie de a-l arăta în gloria sa autentică, ciudată, decât povestea lui Alvy Singer, un comediant nevrotic, nihilist din New York, care se încadrează în „mai mult decât dragoste” cu ditzy, zburătoare, veselă Annie Hall și apoi cade din ea. Filmul explorează, de asemenea, diferențele de gen în sexualitate prin relațiile dintre Alvy și Annie „Yin și Yang”. Până la sfârșit, chiar Alvy acceptă iubirea ca fiind „irațională, nebună și absurdă”, dar necesară în viață. Utilizarea mai multor tehnici narative inovatoare, cum ar fi spargerea improvizată a celui de-al patrulea perete, alternarea rapidă a trecutului și prezentului prin tăieturi netede, afișarea în subtitrări a simțirii lui Alvy sau Annie în timp ce vorbesc ceva complet diferit și adăugarea unui „ povestea din cadrul unei povești „ca punct culminant, ridică povestea deja antrenantă. „Annie Hall” este probabil prima poveste cu adevărat modernistă pe celuloid și a inspirat o generație de comedii romantice în locul ei. Niciunul nu este la fel de fermecător ca cel pe care încearcă să-l imite.
52. M (1931)
Debutul tehnologiei de înregistrare a vocii, fenomen pentru care capul de mână a fost „The Jazz Singer” din 1927, a dus la o saturare absurdă a dialogului în filme. Tehnologia a fost considerată ca fiind o actualizare directă, mai degrabă decât un instrument care trebuie utilizat împreună cu limbajul cinematografic stabilit. Fritz Lang, un om care și-a început cariera în cinematografia mută cu un șir de opere magistrale, printre care Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen și excepționala Metropolis. Migrația sa către sunet a atins apogeul în „M” din 1931 - un film care, contrar tuturor surselor din jur, a eliminat aproape tot zgomotul ambiental. Rezultatul este un talkie tăcut cu o atmosferă copleșitor de lipsită de viață: una care se bazează atât de eficient pe narațiunea sa. Povestea în cauză lovește un ucigaș de copii și incompetența guvernării germane în a-l prinde - formându-și propria curte de canguri pentru a-l pedepsi pe ucigaș. Ceea ce comunică Lang aici este de o maturitate incredibilă în mesaj: Justiția care merită să fie servită cu totul subminată de contextul politic al vremii - cu politica înregistrată a Partidului Național Socialist de eutanasie și idealuri din ce în ce mai violente care se manifestă ca o tumoare vicioasă asupra acuzațiilor oamenilor . Performanța lui Peter Lorre, bogată în patos și umanism torturat, ajută la acapararea înșelăciunii profunde a lui „M” - care rămâne în mișcare incomensurabilă chiar și în zilele noastre.
51. 12 Angry Men (1957)
Răspunsul dacă băiatul a fost sau nu vinovat, nu îl vom ști niciodată. Dar un lucru pe care 12 Angry Men îl afirmă este că logica va prevala întotdeauna asupra intuiției, dacă există un om sănătos în mijlocul unei lumi de proști. Și prostia este o boală sau doar un produs secundar al ignoranței? Drama lui Sidney Lumet nu îți cere să-ți folosești creierul peste inimă, ci te străduiești să ajungi la un punct în care poți lua o decizie, lucrând amândoi în tandem. Împreună cu scenariul său captivant, care se află cu mândrie în programa de învățământ a fiecărei școli de film din întreaga lume, lucrul cu camera și punerea în scenă sunt chiar dintr-un clasic japonez New Wave. Lăudându-se cu un spectacol de neuitat din distribuția ansamblului, 12 Angry Men este un monument al cinematografiei americane.
50. Lumini de oraș (1931)
Nu mulți regizori timpurii au recunoașterea și popularitatea în cultura de astăzi de care se bucură Chaplin. Acest lucru ar putea fi din multe motive. Filmele sale vorbesc cu toți oamenii și sunt hilar, dar mai mult decât atât, poveștile sale privesc situațiile melancolice într-o lumină plină de umor. Așa este cazul cu ceea ce este probabil cea mai personală imagine a sa, „Lumini de oraș”, care spune povestea unui vagabond și eforturile sale de a impresiona și de a ajuta o săracă floare oarbă. O face sub o fațadă, pretinzând că este un om bogat pentru a-i atrage atenția, dar are probleme în timp ce face acest lucru. Când un film continuă să fie la fel de amuzant și emoționant în zilele noastre ca acum 75 de ani, asta înseamnă de obicei că face ceva bine. „Lumina orașului” și-a pus amprenta asupra lumii prin descrierea sărăciei și a vieții în anii grei ai Depresiunii, care este atât de bine executată și simțită încât nu reușește niciodată să emoționeze publicul, oferindu-le tot timpul speranță de o mâine mai bună.
49. Come & See (1985)
Cea de-a doua jumătate a unei echipe incredibil de calificate, regizorul Elem Kilmov a fost căsătorit cu Larisa Shepitko - virtuosul luminos din spatele „Aripilor” și „Ascensiunii”. Când a murit atât de tristă într-un accident de mașină, Kilmov a terminat lucrul la excepționalul său proiect neterminat „Adio” (care ar fi putut pur și simplu să ia acest loc) - și cred că ceea ce face ca acest context să fie atât de puternic este felul în care durerea omului sângerează în fiecare cadru al operei sale. Cinematograful lui Kilmov se uită cu furie și disperare neexprimate: Hulking în propria greutate copleșitoare a emoției - și puține filme realizate vreodată au pulsat cu un sentiment la fel de puternic ca Vino sa vezi . Probabil că cel mai bun film de război realizat vreodată, descrierea sa infernală a invaziei Wehrmacht din Bielorusia ecouri cu explozii asurzitoare, imagini de coșmar și o lume încet-încet de viață - scenele sale filmate într-o lumină superbă, goală. Cu toate acestea, în toată această angoasă, Kilmov își găsește drumul spre înțelegere în concluzia sa matură transcendental. Poate că, în angajamentul său de a contempla lipsa de viață a vieții, el găsește în cele din urmă puterea de a îngropa oasele regretatei sale soții. Nu se poate spera decât.
48. Al șaptelea sigiliu (1957)
Din primele imagini ale documentului iconic al lui Bergman despre credință, frică și mulțumire, există o vrajă aruncată asupra ta. Privirea strălucitoare și granuloasă a mării, a coastei și a unui cavaler curajos și a întâlnirii sale fatidice cu personificarea morții definește claritatea obiectivului filmului, chiar dacă lasă loc unei ambiguități seducătoare, aproape terifiante, care să fie prezentă în mod constant. Beneficiind de o reprezentație magnetică de la incomparabilul Max von Sydow și o bandă de actori care ridică materialul uimitor al lui Bergman, bazat pe piesa sa, „Wood Painting”, la niveluri neașteptate, „The Seventh Seal” în cele 90 de minute minore are influența o veche fabulă transmisă de-a lungul generațiilor care propulsează imaginația mult mai expansivă decât poate spera ea însăși să o conțină. Strălucitorul alb-negru strălucitor al lui Gunnar Fischer asigură că intensitatea îngrozitoare se târăște sub pielea noastră. Fluiditatea asemănătoare curentului este rezultatul unei narațiuni desfășurate cu încredere sublimă și un nivel de tangență tangibil. Poate fi o poveste complet simplă, care, cu toate acestea, adăpostește idei valoroase în sânul său, dar este cusută cu o țesătură atât de complicată și îndrăzneață, încât nu poți să nu te uiți la ea din când în când pentru a se traduce într-o amintire durabilă.
47. La Dolce Vita (1960)
Virtuosul lui Fellini, atenuat, răbdător și poetic, este pe deplin afișat în câștigătorul său de Palme d'Or, care, prin strălucirea sa sufletească și umbroasă, surprinde un mod de viață care pare prea evaziv și, în anumite privințe, mult prea real. Ritmul său subliniază sentimentul lipsei de obiectiv al protagonistului și ne obligă să ne scăldăm în aranjamentul simfonic al vibrației vieții și cât de fugitiv este totul. Acest protagonist este interpretat de cel mai bun profesionist Marcello Mastroianni, care folosește acest dar al timpului pentru a-și umple ochii cu o oboseală irezistibilă din lume. A pune sub semnul întrebării semnificația anumitor secțiuni din „La Dolce Vita” care pot părea lipsite de importanță filosofică sau relevanță narativă este să respingem posibilitatea de a lăsa detaliile picante să te spele și apoi să contemplăm consecințele. Pe măsură ce scorul ceresc al lui Nino Rota ne poartă în lumea amețitoare a Romei, așa cum se vede prin ochiul iluzoriu al lui Fellini, nu vezi decât ceea ce vrea el să vezi și devine rapid ceea ce vrei să vezi și tu.
46. Psycho (1960)
Ființele umane, în cel mai bun caz, pot fi descrise ca particularități. Mintea umană, care este capabilă de multe lucruri uimitoare, este, de asemenea, capabilă să se degenereze dincolo de înțelegere. „Psiho-ul” lui Alfred Hitchcock nu are nevoie de prezentări, deoarece își ține capul sus, în mijlocul cinematografelor atemporale. În afară de a fi un clasic, este și un comentariu trist asupra moralei eșuate a ființelor umane. Și nu te gândești la Norman Bates! Stăpânirea caustică a doamnei Bates, care a pus viața lui Norman în stânjeneală chiar din copilărie și, în cele din urmă, la maturitate este un memento al modului în care dragostea poate fi sufocantă. Faimos, domnul Hitchcock a adoptat politici ciudate pentru „Psycho”, care includea nepermiterea intrărilor târzii în film. A fost adoptat pentru a asigura deplina dreptate a scenei culminante pulsante a filmului. Un thriller în forma sa cea mai adevărată, „Psycho” este povestea unui fiu, a mamei sale și a legăturii lor nesănătoase de posesivitate. Hitchcock a fost atât de fericit cu privire la final, încât a promovat filmul pe această linie de etichetă - „Nu dăruiți sfârșitul - Este singurul pe care îl avem!”
45. Solaris (1972)
„Solaris” al lui Tarkovsky seamănă cu fenomenele descrise în film. De la a mă încurca cu conceptul său adânc înrădăcinat, până la a evolua într-o entitate de care nu mă pot despărți, este o experiență care mă face să mă întreb despre natura ignorantă a fiecărei molecule care constituie universul. Poate că suntem conștienți de dimensiunile științifice, dar poate vreun instrument să calculeze cantitatea de dragoste sau durere pe care o deține într-o nanogramă a inimii? Poate ceva să găsească celula creierului în care se află o amintire de neuitat? De la muzica fascinantă a lui Bach în secvența de deschidere până la scena perene a autostrăzii, utilizarea timpului de către Tarkovsky pentru a detașa privitorul de funcționarea unei lumi normale este magistrală. Solaris este un tărâm în care emoțiile te trimit la o răsucire cu nebunia, dar care nu ar emoționa atunci când nebunia este frumoasă de atins și suficient de viscerală pentru a te absolvi de sinele tău.
44. Lista lui Schindler (1993)
Un film important care beneficiază foarte mult de flerul lui Spielberg pentru dramatic, este o experiență la fel de tulburătoare și sensibilă pentru sine. Filmul este, la fel ca mulți alții de pe această listă, un masterclass în ceea ce îmi place să numesc povestiri simpliste și de impact. Narațiunea îl urmează pe Oskar Schindler, un om de afaceri german care a salvat viețile a peste o mie de evrei angajându-i în fabricile sale în timpul Holocaustului. Toate cele trei direcții, Liam Neeson în rolul lui Oskar Schindler, Ralph Fiennes în rolul lui Amon Goth și Ben Kingsley în rolul lui Itzhak Stern sunt într-o formă grozavă, transformându-se în cea mai sinceră dintre spectacole. O scenă în special spre sfârșitul filmului, în care Schindler se descompune având în vedere câte alte vieți ar fi putut salva, este profund mișcătoare și rămâne gravată în mintea mea ca una dintre cele mai puternice scene de redare a inimii din Cinema. Faptul că filmul a fost filmat în alb și negru, cu o utilizare rară, ocazională a culorii pentru a simboliza sau a evidenția un element de importanță, sporește experiența. Cu ușurință, cel mai bun film al lui Spielberg, rămâne o experiență esențială de vizionare a filmului.
43. Lawrence Of Arabia (1962)
Cinema ca mediu devine tot mai mare. Cu o tehnologie de ultimă oră la dispoziția lor, realizatorii de astăzi ne oferă câteva experiențe cinematografice viscerale. Dar există câteva filme făcute înainte ca CGI să fie la modă, a căror scară pură și monumentală nu a găsit un egal. Drama istorică epică a lui David Lean bazată pe viața lui T. E. Lawrence , una dintre cele mai renumite figuri din Marea Britanie, este un astfel de film. Îl are în rol principal pe Pater O'Toole în rolul lui Lawrence și relatează aventurile sale în Peninsula Arabă în timpul Primului Război Mondial. Chiar din start, David Lean pictează o imagine în mișcare strălucitoare a deșertului infinit în toată gloria sa, ajutat de cinematograful Freddie Young și un scor captivant de Maurice Jarre. Dar nu sacrifică în nici un fel emoția pentru extravaganță. În inima sa, „Lawrence al Arabiei” este un studiu uimitor al personajului lui Lawrence - luptele sale emoționale cu violența personală inerentă războiului, propria identitate și fidelitatea divizată între Marea Britanie natală și armata sa și tovarășii săi noi triburile deșertului arab. Această calitate sănătoasă face din „Lawrence Of Arabia” unul dintre cele mai influente filme care au existat vreodată.
42. Căutătorii (1956)
Probabil cel mai mare western realizat vreodată, cel mai bun film din marea carieră a lui John Ford, „Căutătorii” este un clasic american, printre cele mai frumoase filme apărute din anii cincizeci. Deși admirat și respectat la acea vreme, puterea sa lacerantă și uluitoare nu a fost recunoscută timp de câțiva ani, dar de la începutul anilor șaptezeci a fost apreciată ca un clasic al genului și poate cel mai bun western realizat vreodată. Cu siguranță, timpul a erodat o parte din puterea filmelor, dar nu acea performanță falnică și furioasă de la Wayne, nici rasismul din film care alimentează furia și furia. Narațiunea conducătoare a filmului, Ethan și căutarea sa este atemporală, la fel de puternică astăzi ca și atunci, poate cu atât mai mult cu cât atât de multe puncte subtile de poveste sunt acum clare.
41. Pather Panchali (1955)
Filmul care a adus cinematografia indiană în lume și a oferit cinematografului unul dintre cei mai buni autori, Satyajit Ray. Bazat pe romanul lui Bibhutibhusan Bandopadhay, „Pather Panchali” spune povestea unei familii sărace, care încearcă să prospere prin multe adversități ale vieții. Se poate susține că romantizează sărăcia, întrucât privitorul este martor la numeroasele încercări cu care se confruntă familia, câștigându-și existența. Cu toate acestea, momentele, intercalate cu muzica maestrului Ravi Shankar, rămân la privitor. Relația afectuoasă dintre Appu și sora ei Durga, secvența de tren, care este unul dintre punctele culminante ale filmului, duce filmul la un nivel diferit. De-a lungul anilor, „Pather Panchali” a devenit unul dintre filmele de cult și apare în mod regulat în listele celor mai mari filme din toate timpurile și meritat.
40. Casablanca (1942)
Filmul clasic american prin excelență. Există, probabil, ceva atât de infecțios în farmecul său, încât încă te îndrăgostești de el, chiar și în toți acești ani. În afară de imensul său factor de re-vizionare, scorul său memorabil (As Time Goes By!) Și dialogul suprem citabil fac un caz puternic. Pur și simplu, este un deliciu când toate elementele unei experiențe cinematografice extraordinare sunt prezente în cantitățile potrivite!
Povestea este cel puțin simplă, aproape limitându-se uneori la banal. Un bărbat cinic, cu sufletul la gură, care conduce cel mai faimos club de noapte din Casablanca, se găsește la răscruce de drumuri atunci când doamna pe care o iubea apare alături de soțul ei. Dispozitivele de complot aici sunt faimoasele scrisori de tranzit, dar povestea se referă în mod clar la cei doi îndrăgostiți pe fundalul primelor etape ale celui de-al doilea război mondial și la decizia dură cu care se confruntă personajul lui Bogart, de a se agăța sau de a-i da drumul. Cu toate acestea, la fel ca în cazul multor filme de acest gen, execuția face truc, transformând „Casablanca” într-una dintre cele mai convingătoare drame romantice din toate timpurile, care este, de asemenea, incredibil de bine interpretată; Humphrey Bogart și Ingrid Bergman sunt de top și sunt susținuți cu pricepere de jucători precum Paul Henreid, Claude Rains și Conrad Veidt.
39. Barry Lyndon (1975)
Când privim cinematograful ca pe o formă de artă, nu se poate nega perfecțiunea lui Barry Lyndon, de la cinematografii frumoase, piese de scenă fascinante, muzică remarcabilă până la direcție puternică. Ca poveste, se vorbește despre viața unui tânăr din Europa secolului al XVIII-lea în timp ce urcă treptele spre aristocrație, doar pentru a fi condus înapoi de soarta sa rea. Imaginea are în sine unele dintre cele mai grozave scene filmate vreodată, făcând utilizări maxime ale luminii, culorilor, trăsăturilor fizice etc. Nu există o modalitate mai bună de a rezuma viața unei persoane decât de a o privi în mod obiectiv, și asta este ceea ce acest film a reușit folosind un narator de încredere. Este rece și îndepărtat, oferind rareori publicului șansa de a se simți pentru protagonist. Din această perspectivă, Barry Lyndon este un studiu generos al personajelor, cu personaje bogate, o notă realistă și un mod poetic de comunicare a emoției. Pur și simplu este cinematografia la cea mai bună calitate.
38. Generalul
Unul dintre cele mai vechi titluri de pe listă, „Generalul”, ne amintește că multe dintre capodoperele moderne de acțiune stau într-o umbră foarte lungă - aruncată de nimeni altul decât geniul comediei tăcute Buster Keaton. Având o operă la fel de impresionantă ca și Charlie Chaplin, drăgălașul drăgăstos al artistului din urmă tranzacționează locuri cu o cavalcadă de personaje încântătoare și tâmpite în cazul lui Keaton; totul înconjurat de o curioasă cercetare cinematografică care întindea limitele mediului în filme precum Sherlock Jr. și The Cameraman. Toate acestea, fără a menționa măcar opus-ul său, The General: 1927: În urma unui inginer confederat care se grăbește să-și avertizeze partea cu trupele Uniunii în avans în timpul războiului civil american. Narațiunea sa formează un șablon pentru recenta „Mad Max: Fury Road” a lui George Miller și cam pentru fiecare film cu pisici și șoareci realizat vreodată, rezistând cu comedia sa hilară, efectele speciale impresionante și cascadoria bravadă care îl vede pe Keaton să-și pună viața în pericol mai mult decât o dată totul pentru adulația publicului său iubitor. Generalul rămâne unul dintre, dacă nu chiar, filmul de acțiune cel mai bun realizat vreodată - unul care se distrează cu fiecare uncie din ființa sa și reușește să convoace cât mai multe momente superbe de scară epică pentru a rivaliza cu orice răsunet încărcat de CG făcut astăzi.
37. Blow Up (1966)
Timpul ? Anii șaizeci. Locul? Londra. Orașul care orbeste și orbeste. Vibrant și plin de farmec. Sex, droguri si Rock'N Roll. Una peste alta, o zi din viața lui Thomas, un fotograf de modă care trăiește o viață, să spunem moralitate dubioasă. Într-o zi plină de evenimente, în timp ce parcurge fotografiile unui cuplu pe care le-a capturat cam subrept într-un parc, descoperă un cadavru în el. El merge în același loc și găsește corpul pentru a fi bărbatul din cuplu. Speriat, se întoarce la studioul său pentru a găsi că a fost jefuit, dar mai are o fotografie, cea a cadavrului. A doua zi, corpul dispare. Cine l-a ucis? Și de ce a dispărut corpul? De ce Thomas a simțit că este urmărit? „Blow Up” este actul de clasă al regizorului Michelangelo Antonioni, care a inspirat mulți realizatori de-a lungul anilor, printre care Brian De Palma și Francis Ford Coppola.
36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)
Amețitoarea, suprarealista epifanie a dragostei și a inimii nu a fost explorată niciodată în modul și gradul de succes cu care face „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Lush cu imagini frumoase și un scor inventiv similar cu coloana sonoră esențială a epocii silențioase, este imposibil să explicăm totul despre „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Fără îndoială, filmul este stratificat cu o narațiune dificil de urmat - deși, de fapt, este simplu odată ce începeți să urmăriți - este unul dintre acele filme care este extrem de recompensator, pur și simplu pentru că nu vă puteți împiedica să vă lăudați asupra conceptului extrem de atent și profund filmează că este. Dar adevărata vedetă a spectacolului este scriitorul său, Charlie Kaufman , care sub forma „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, ar fi putut foarte bine să scrie cel mai profund scenariu din istoria cinematografiei. Un film care nu numai că este unic în felul său, ci și poate fi vizionat la nesfârșit, cu ceva nou care poate fi găsit în fiecare vizionare.
35. Șofer de taxi (1976)
În „Taxi Driver”, Martin Scorsese ne oferă unul dintre cei mai deranjați, improbabili, dar capricioși protagoniști ai vremurilor noastre în Travis Bickle. Filmul îl urmărește în timp ce devine șofer de taxi pentru a face față insomniei sale și îl urmărește fiind încet depășit de toată nebunia din orașul din jurul său. Adevăratul mod în care Taxi Driver câștigă ca film este modul în care reușește să se strecoare spre tine, lucrându-și încet drumul prin zgomotul și groaza care pare să-l jignească pe Travis Bickle. În acest sens, câștigă pe bună dreptate distincția sa ca thriller psihologic mai mult decât o dramă, lucrând adesea la mai multe niveluri decât pur și simplu la cele două. Filmul poate fi un ceas deranjant pentru unii, datorită subiectului său întunecat, un tratament și mai întunecat și o mână de violență, dar pentru spectatorii dispuși să privească dincolo de el, nu este altceva decât o strălucită încercare de a înțelege partea din psihicul uman care se bazează cel mai adesea sub forma vigilențismului. Adică, cine nu se gândește la ridicarea la incorectitatea vremurilor noastre și redarea ei? Este acea fantezie profundă de împlinire a dorințelor pe care „Șoferul de taxi” o joacă într-un mod extrem de eficient. Filmul este acum considerat pe scară largă drept unul dintre cele mai importante filme realizate vreodată și a introdus lumea în forța care a fost Scorsese.
34. Căile gloriei (1957)
Înainte ca Stanley Kubrick să meargă pentru a explora aspectele inexplicabile ale societății care nu numai că au depășit timpul, ci și așteptările spectatorilor de la sine, a realizat această piesă de război captivantă pe care o clasez alături de „Vino și vezi”. Spre deosebire de acestea din urmă, Paths of Glory își extrage interpretarea sfâșietoare a WW din aceeași superficialitate a umanității, care a dominat ultimele lucrări ale lui Kubrick. În lumea lui Kubrick, demonii nu sunt acoperiți de sânge și noroi, ci de medalii și mândrie, iar iadul pătrunde în cele mai sacre locuri, curtea. Într-o perioadă în care industria a adoptat atractivul 3 benzi, monocromul lui Kubrick a pictat războiul cu o singură nuanță. Cadavrele, zdrențelele, cazarmele, fumul, cenușa, totul camuflat cu vederea comună a agoniei stresante.
33. Three Colors: Red (1994)
Cea mai tristă parte a decesului unui artist este atunci când crezi că lucrarea lor finală este cea mai mare din toate timpurile. Acesta a fost cazul cu autorul polonez Krzysztof Kieslowski și ultimul său film „Roșu”. Kieslowski și-a anunțat deja retragerea din film după premiera filmului la Cannes în 1994, dar dispariția sa tragică, la aproape doi ani după ce și-a anunțat retragerea, îl face să fie și mai profund trist. „Roșu” este ultima versiune a aclamatei sale trilogii „Trei culori” și este despre o tânără care dă peste un bătrân după ce își lovește accidental câinele cu mașina ei. Bătrânul este un judecător pensionar, detașat de viață și de orice fel de emoții și își petrece timpul spionând alte persoane. O legătură puțin probabilă cu subtilități romantice subtile se dezvoltă între cei doi. „Roșu” este despre șanse și coincidențe care ne lovesc în fiecare zi și eșecul nostru de a recunoaște frumusețea și semnificația acestuia. Există un sentiment inexplicabil de melancolie care rulează pe tot parcursul filmului despre tragedia destinului și a timpului uman și despre modul în care noi, ca oameni din lume, suntem toți conectați într-un fel sau altul. „Roșu” este un lucru uimitor în realizarea filmului și este pur și simplu unul dintre cele mai mari filme realizate vreodată.
32. Tezaurul din Sierra Madre (1948)
După cum sugerează și numele, adesea asociem vânătorile de comori cu aventura palpitantă și valul de adrenalină asociat cu aceasta. Dar sunt foarte puține povești care vorbesc despre emoțiile pe care le suferă oamenii în timp ce se angajează într-o călătorie pentru a obține acel aur. Se spune adesea că adversitatea scoate la iveală adevăratul tău caracter. „Tezaurul din Sierra Madre” spune o poveste în care pofta de aur aduce schimbări neplăcute în personaje, ducând în final la pustiirea lor individuală. În timp ce accentul se pune pe lăcomia care corupe conștiința, studiul caracterului uman în situații nefavorabile rămâne la vedere. O poveste tragică a lăcomiei și trădării, acest film a câștigat premiul Academiei pentru cel mai bun regizor, cel mai bun scenariu adaptat și cel mai bun actor în rol secundar. De-a lungul anilor, acesta a devenit un clasic de cult pentru iubitorii de cine din întreaga lume.
31. Pulp Fiction (1994)
Pulp fiction, un termen care este notat în reviste sau cărți care evidențiază violența, sexul și crima. Aceste elemente au făcut revistele să se vândă ca niște clătite fierbinți. Tarantino a luat aceste elemente, le-a amestecat în jurul a trei povești și a creat o narațiune care nu era mai puțin decât un geniu cinematografic. Unul dintre cele mai unice filme de cultură pop care a fost realizat, privitorul este introdus în lumea asasinului mafiot Vincent Vega, partenerul său în criminalitate și motormouth Jules Winnfield, soția gangsterului Mia Wallace, boxerul Butch Coolidge și este uimit de tratamentul său elegant al criminalității și violenței. Unul dintre cele mai importante aspecte ale filmului care a contribuit la succesul său a fost interpretarea lui Samuel L Jackson. În calitate de asasin Jules Winnfield care citează versetele biblice drept punchlines, el a fost fenomenal. Unul dintre cele mai mari filme din această epocă, „Pulp Fiction”, a devenit un manual pentru aspiranții la cineaști din întreaga lume.
30. Bătălia de la Alger (1966)
Puține filme s-au confruntat cu povara politicii într-un mod care le îmbogățește efectul cinematografic, dar îl lasă pe maestrul italian incendiar numit Gillo Pontecorvo să ia punctul de foc încă fierbinte al oprimării coloniale franceze de la sfârșitul anilor '50 asupra poporului algerian și să-l transforme în ceva cu totul convingătoare. Paralelele încă precizate ale observației neutre a terorismului și terorismului de către Pontecorvo comise de ambele părți atrage astăzi face ca trăirea „Bătăliei de la Alger” să fie o provocare intelectuală fascinantă pentru înțelegerea războiului alb-negru, a-răceala impalată a lui Miklós. Filmografia de neșters a lui Jancsó. Mai mult, tehnicile sale de editare a știrilor sunt un reper în comunicarea filmică și, în mintea mea, au folosit mult mai puternic tehnicile de tăiere frenetice ale Nouvelle Vague decât multe dintre capetele sale de explorare. Odată văzut, niciodată uitat - „Bătălia de la Alger” este pur și simplu o piesă fundamentală a cinematografiei mondiale.
29. Goodfellas (1990)
Este visul unui regizor să creeze un film epocal până în perioada în care este realizat. Dar pentru Martin Scorsese, este un obicei. Pentru fiecare deceniu în care a fost A-Lister, a realizat un film considerat a fi printre cele mai mari din perioadă. A făcut „Taxi Driver” în anii 1970, „Raging Bull” în anii 1980, „Goodfellas” în anii 1990, „The Departed” în anii 2000 și „The Wolf Of Wall Street” în anii 2010. Și este drama gangsterului din 1990 bazată pe adevărata poveste a asociatului mafiot Henry Hill, care a devenit unul dintre reperele din gen. Filmul, povestit la persoana întâi de Hill, relatează ascensiunea și căderea sa ca parte a mafiei din New York din 1955 până în 1980. Spre deosebire de toată extravaganța gangsterului din „Nașul” sau „Scarface”, „Goodfellas” se ocupă de detalii autentice ale vieții cotidiene ale gangsterilor, concentrându-se pe atenția asupra relației lui Hill cu soția sa Karen, precum și exploatările sale cu colegii săi de bandă. Dar Scorsese folosește toate săgețile din fluturașul său de trucuri pentru a face această aventură atrăgătoare, cum ar fi această legendară lovitură de urmărire lungă , un dialog memorabil și un act exploziv al lui Joe Pesci în rolul lui Tommy DeVito, asociatul furtunos al lui Hill. Când vine vorba de genul criminal, „Goodfellas” este la fel de bun pe cât devine.
28. Bull Raging (1980)
Martin Scorsese este cunoscut pentru înfățișarea în filmele sale a unor povești de protagoniști rupți, defecte, adesea autodistructivi. Și a străbătut deseori analele istoriei pentru a-și găsi eroii căzuți în poveștile adevărate. „Raging Bull” este povestea vieții legendarului boxer Jake LaMotta, a cărui furie autodistructivă și obsesivă, gelozia sexuală și apetitul animalist, care îl făcuseră campion în ring, i-au distrus relația cu soția și familia. Filmul este filmat în întregime în alb-negru, pentru a descrie în mod real epoca în care a fost stabilit și starea de spirit întunecată și deprimantă pe care a definit-o. Scorsese se aștepta ca acesta să fie proiectul său final. Astfel, a fost extrem de exigent în realizarea filmului. La fel de dedicat a fost și Robert De Niro, care joacă rolul principal. A câștigat 60 de lire sterline și s-a antrenat de fapt ca boxer. El îmbibă manierismele scurte ale lui LaMotta cu o perfecțiune aprinsă în timp ce se scufundă complet în caracter. A primit un meritat pentru necazurile sale. Acesta este cel mai mare triumf al lui Scorsese-De Niro. Un magnus intens, puternic.
27. Nașul: Partea II (1974)
În istoria celei de-a doua tranșe, puține filme au fost cunoscute pentru a fi la înălțimea gloriei primelor, lăsându-le singure să le depășească în anumite aspecte. Dacă se face o listă cu astfel de filme, „Nașul: Partea II” va fi bijuteria sa de încoronare. A fi la înălțimea moștenirii primei a fost o sarcină gigantică în sine, dar această continuare a saga „The Godfather” nu numai că a reușit, ci și-a extins moștenirea pentru a deveni o parte din cea mai mare poveste americană despre crima organizată spusă vreodată. Filmul prezintă două narațiuni paralele; unul care se ocupă de Michael Corleone ca noul șef al „afacerii de familie” Corleone, al doilea prezentând un excelent Robert De Niro ca tânăr Vito Corleone și ascensiunea sa la putere. Cele două povești sunt țesute cu îndemânare, oferind o narațiune ispititoare care nu-și slăbește o singură dată privitorul. Al Pacino își desfășoară unele dintre cele mai bune lucrări ale sale, cu noua sa privire, mestecând practic peisajul de fiecare dată când apare pe ecran. Unul dintre acele filme aproape perfecte care pot fi vizionate indiferent de timp, loc și ultima vizionare, și totuși ajungeți să vă supuneți total și să vă urați de el. Dacă partea I este altarul sfânt, partea a II-a este pâinea și vinul.
26. A Clockwork Orange (1971)
Primul lucru care probabil îmi vine în minte atunci când i se cere să descrie acest film într-un cuvânt este „deranjant”. Singurul film de pe listă pe care îndrăznesc să îl revizit, m-am surprins clătinând de mai multe ori în timp ce vizionam acest film. „A Clockwork Orange” este comentariul social cel mai lipsit de compromisuri, oferind imagini stricte de care nu se poate recupera niciodată. Este întuneric, este răsucit și nu oferă răscumpărare pentru cei care îl caută într-un film cu probabil cea mai sumbru interpretare a unei distopii în termeni societali. Și în asta, cred, se află succesul filmului de a conduce acasă un mesaj tulburător. Neconvențional în orice mod vă puteți imagina, ne oferă protagoniști care sunt rău până la miez și se complac în acte de „ultraviolență” și viol; comentează starea socio-politică a lucrurilor în modul cel mai dur pe care ți-l poți imagina, te pune într-o stare de confuzie pe măsură ce Alex DeLarge (interpretat de un carismatic Malcolm McDowell) este supus unor moduri inumane de recondiționare și se termină lăsând publicul într-o farrago a tuturor lucrurilor, această experiență tulburătoare te face să te simți simultan. Cu adevărat, o lucrare de proporții kubrickiene.
25. Vertij (1958)
Povestea despre „Vertigo” merge așa - fostul detectiv Scotty (James Stewart) suferă de acrofobie din cauza unui incident care s-a întâmplat în timpul îndeplinirii sarcinii. El este abordat de un vechi prieten pentru a ține cu ochii pe soția sa, Madeleine, despre care crede că este posedată. Inițial sceptic, Scottie devine în curând obsedat autodistructiv de doamna drăguță, care pare să fie mult mai mult decât permite. Strălucirea lui Alfred Hitchcock constă în faptul că cele mai mari filme ale sale, emoționante pentru a le viziona prima dată, par să deschidă un nou strat de înțelegere privitorului la fiecare vizionare succesivă. Sigur, dintr-o privire superficială, ‘Vertij; este un mister psihologic bine creat. Dar, pe măsură ce o urmăriți mereu, temele sale despre agresiunea masculină și despre construirea imaginii feminine în mintea unui bărbat încep să se desfășoare ca o cutie infinită și să vă înghită. Probabil cel mai fin film îmbătrânit realizat vreodată, strălucirea lentă a Vertigo este mărturisită de faptul că, la deschiderea unor recenzii mixte, filmul este considerat pe scară largă ca unul dintre cele mai mari filme realizate vreodată. O capodoperă a maestrului thrillers.
24. Hiroshima, dragostea mea (1959)
Născut din mintea vizionarului francez din stânga Alain Resnais, „Hiroshima mon amour” este un film care plânge cu putere transcendentală. Povestea sa de timp s-a împletit cu memoria și cicatricile ambelor care au avut loc în Hiroshima în timpul celui de-al doilea război mondial, povestite prin intermediul a două persoane - unul francez, unul japonez - în timp ce încearcă să compună mesajul predominant al devastării cauzate acolo. Cu excepția faptului că nu este nimic de câștigat, din punct de vedere intelectual sau emoțional, dintr-o astfel de prostie. Este o lucrare plină de durere internațională - care ajunge mai departe decât conflictul în sine și în adevărurile și represiunile care bântuiesc ființele umane în fiecare zi. Prin reverberațiile exploziei atomice, găsim o mică parte din ceea ce este atât de greșit cu noi înșine. Faptul că Resnais înțelege pur și simplu această confuzie de neatins, mai degrabă decât să încerce să o remedieze, este ceea ce face din „Hiroshima mon amour” una dintre marile capodopere ale cinematografiei.
23. Balthazar aleator (1966)
Capodopera dezolantă a lui Robert Bresson este un exercițiu de simțire. Se îndepărtează de definirea unui protagonist clar sau a unei teme centrale, cu excepția cazului în care numărați forța miraculoasă a naturii care este Balthazar și dacă luați filmul pe valoarea nominală, nu o faceți. Dar dacă îi permiți să fie punctul tău de acces la peisajul emoțional și tematic al filmului, este greu să te întorci fără recompensă. Stilul vizual particular, slab și rece al lui Balthazar pare aproape plin de farmec în retrospectivă; fragilitatea sa placidă înfășurată într-un sentiment de control resemnat, singular înțelept. Chiar și onestitatea sa palpabilă ascunde un efort studiat de a reține puțin, de a hrăni în simplitatea sa de decorare și caracter o bogăție lăsată publicului să descopere și, în unele cazuri uluitoare, să-și imagineze. Deoarece actorii vorbesc atât de puțin despre situația lor, experimentăm actele aleatorii, nerezonabile de cruzime și simțim tristețea înăbușitoare pentru lor. Într-o formă în care chiar și cei mai performanți artiști își propun doar să sporească simțurile privitorilor conform conformității încercate, imaginile lui Bresson mi-au oferit un șablon liric pe care să-mi bazez magnitudinea compasiunii, pentru a evalua chiar cât de conștientă este acea compasiune. .
Toate acestea mă readuc la gândul meu inițial. Atribuirea semnificației fiecărui moment din „Balthazar” nu depinde de dacă presupunem că conținutul său este alegorii de natură socială sau chiar politică, ci de modul în care ne fac simt savurând complexitatea și liniștea lor, în loc să se bazeze pe expoziția fără minte la care recurg cele mai multe filme. Atunci are un sens perfect ca protagonistul să fie măgarul omonim.
22. Andrei Rublev (1966)
Cred că „Andrei Rublev” este cel mai mare exemplu al conceptului de sculptură în timp al autorului rus Andrei Tarkovsky. O mare parte din lucrările sale din urmă erau abstracte, întrucât se ocupa de teme și vizualizări incredibil de personale, care erau împrăștiate de-a lungul perioadelor de timp. Cu ‘Andrei Rublev’, Tarkovsky a capturat timpul însuși și apoi l-a mângâiat cu cele mai profunde nuanțe ale sufletului unui artist. Probabil că Tarkovsky este singurul regizor care a putut realiza cea mai mare realizare în descrierea represiunii unui artist. El explorează regimurile opresive ale Rusiei, care sunt la fel de indigene în țară ca literatura sa profundă, care a pus în mod surprinzător cele mai convingătoare întrebări referitoare la spiritual și metafizic. Multe dintre trăsăturile ulterioare ale lui Tarkovsky, inclusiv filmarea fluxului naturii, pot fi observate în călătoria lui Andrei Rublev. Este un film care te filmează, te spulberă și te face să gândești - atât în timpul filmului, cât și cu mult timp după ce s-au lansat creditele.
21. Aventura (1960)
Ce părere ai despre un mister nerezolvat? Sau o poveste neterminată? Căutați închiderea căutând cu disperare? Sau accepți faptele și apoi mergi mai departe? Nu este vorba despre viață? Compromis și mai departe? Filmul care i-a adus recunoașterea lui Michelangelo Antonioni în întreaga lume, ‘L’Avventura’ este povestea unei tinere care dispare, în timpul unei călătorii cu iahtul pe coasta Siciliei. Căutarea ei, îi aduce împreună pe fostul ei iubit și cel mai bun prieten și începe o relație tulburătoare. În timp ce povestea este țesută în jurul căutării unei femei dispărute, adevăratul ei scop este să construiască o narațiune, fără a fi centrată în jurul unui eveniment major și totuși în măsură să captiveze publicul. Adevăratele motive ale personajelor centrale nu sunt niciodată explicate pe deplin și, pe măsură ce filmul se termină, spectatorul este obligat să accepte că unele evenimente rămân inexplicabile, la fel ca viața. O capodoperă incontestabilă!
20. Breathless (1960)
Cu mult înainte ca Quentin Tarantino să se îndrepte spre scena indie americană cu abordarea sa sălbatică și neobișnuită a filmului, care a sporit focalizarea stilului asupra substanței, a existat acest om pe nume Jean Luc-Godard, care a preluat fără teamă gramaticile cinematografice tradiționale și le-a rupt cu nesăbuință. jos, redefinind și modelând filmele așa cum le vedem astăzi cu un film numit „Breathless”. Poate că niciun alt film nu a reușit să surprindă nebunia trecătoare a tinereții într-un mod pe care „Breathless” îl face cu energia sa nesăbuită și vibrația sa îmbătătoare. Folosirea ciudată a tăieturilor de salt încântă nebunia inerentă a premisei, deoarece Godard te înlătură cu înverșunare departe de personajele sale, cerându-ți să te concentrezi pe aspectele fragmentate ale poveștii în loc de povestea în ansamblu. „Breathless” este unul dintre cele mai importante debuturi de film din istoria cinematografiei și, deși continuă să polarizeze cinefilii și criticii, nu se poate nega influența pe care o are asupra cinematografului modern.
19. Seven Samurai (1958)
Akira Kurosawa este unul dintre cei mai originali, influenți și referențiali regizori care au trăit vreodată. Roger Ebert a spus odată despre Kurosawa „S-ar putea argumenta că acest mare regizor a dat loc de muncă eroilor de acțiune în următorii cincizeci de ani” și nu ar fi putut fi mai adevărat. „A Fistful Of Dollars” de Sergeo Leone, despre care se spune că a dat naștere genului Spaghetti Western, a fost inspirat din „Yojmbo” de Kurosawa. Intrarea noastră actuală, de asemenea, este un bazin tehnic și creativ și a inspirat nenumărate relatări directe, precum și multe elemente vizuale din cinematografia modernă . Drama epică relatează povestea celor șapte Ronin (samurai fără stăpân) care iau armele pentru a apăra o civilizație săracă care nu mai are un loc pentru ei de a jefui bandiții din Japonia secolului al XVI-lea, care culminează cu o acerbă bătălie climatică. Dar strălucirea „Șapte samurai” constă în faptul că povestește o serie de povești bine lucrate, care variază între genuri, împreună cu drama principală. Există elemente de acțiune, aventură, romantism și vârstă majoră prezente pe tot parcursul filmului. De asemenea, este format din personaje la fel de bogate dezvoltate ca o friptură rară, care ar deveni ulterior elemente de bază ale mai multor genuri. Cu adevărat o operă de artă inspirațională.
18. Arborele vieții (2010)
„Arborele vieții” este cea mai înaltă formă de cinema: pur și simplu nu spune o poveste, ci își propune să-ți schimbe viața. Este un film care va dura timp să crească asupra ta și, atunci când o va face, îți va fi greu să nu te gândești constant la asta. Poem cinematografic cu o ambiție și o ambiție extraordinare, „Arborele vieții” nu cere doar publicului său să observe, ci și să reflecte și să simtă. În cel mai simplu caz, este o poveste despre călătoria de a se regăsi pe sine. În cea mai complexă situație, este o meditație asupra vieții umane și a locului nostru în marea schemă a lucrurilor. Nu contează ce credință crezi sau dacă crezi deloc într-o entitate superioară. Adevăratul sentiment de mirare din film apare din magia vieții în sine. Cel mai frumos aspect al filmului este că se îmbunătățește cu timpul, ca un vin fin.
17. Close Up (1990)
Marele regretat autor iranian Abbas Kiarostami a văzut deseori frumusețe și poezie în cele mai absurde episoade mondene ale vieților umane. Cu comploturi înșelător de simple și decoruri naturaliste, Kiarostami a explorat teme universale care depășeau fără probleme barierele culturale datorită tipului de umanitate în care era înfășurat cinematograful său. „Close Up” este, fără îndoială, cea mai realizată lucrare a sa și una dintre cele mai originale, inventive opere de artă cinematografică produsă vreodată. Filmul ia forma unei docu-ficțiuni pentru a relata procesul real al unui om care a suplinit rolul regizorului de film iranian Mohsen Makhmalbaf. Distribuția include oameni care au fost efectiv implicați în proces, jucându-se ei înșiși în film. „Close Up” este o explorare uimitoare a identității umane văzută prin ochii unui om obișnuit care se luptă să se descurce cu el însuși și cu viața lui și din tristețe disperată și dragoste autentică pentru arta cinematografică, pășește în pielea idolului său spre să știi ce simte să fii cu adevărat viu, admirat și respectat. Acesta este filmul de cea mai înaltă ordine.
16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)
Această caracteristică de avangardă franceză, cu Delphine Seyrig în rolul principal, nu este doar o experiență cinematografică. Este mai aproape de un exercițiu - un test și te afectează în moduri pe care puține alte filme le-au făcut înainte sau de atunci. Piesa independentă se concentrează pe trei zile din viața unei casnice singure și cu probleme, în timp ce trece prin programul ei strict plin de treburi casnice banale. Este o mamă și o văduvă care desfășoară activități sexuale pentru domni seara, pentru a-și câștiga existența. Problemele apar atunci când, în a doua zi, rutina ei este ușor tulburată, ducând la un fel de efect de domino care se reflectă în orele care urmează. Jeanne Dielman îl trage pe unul în lumea sa lentă și meditativă cu semnătura regizorală distinctivă a lui Akerman, care implică o atmosferă diegetică și o aură hipnotică adusă de personalitatea calmă, subtilă și pacientă a capodoperelor, care este o sărbătoare dureroasă a monotoniei existenței.
15. Rashomon (1950)
Una dintre cele mai neconvenționale și experimentale piese de realizare a filmului pentru vremea sa, ‘Rashomon’ îl urmărește pe maestru la lucru, ieșind din toată lumea cu abilitățile sale de povestire. Mai simplu spus, este o relatare a unui incident care a avut loc prin patru puncte de vedere extrem de diferite, cele ale acuzatului, ale victimelor și ale celor care pretind că sunt martori oculari. Se remarcă din toate punctele de vedere tehnice, cu o editare aproape impecabilă și o direcție magistrală, dar filmul își asigură câștigurile pe întrebările tematice cu care se ocupă; întrebările despre existența unui adevăr absolut. Este adevărul la fel de obiectiv și inechitabil pe cât se face, sau există vreo subiectivitate legată de el? În mod normal, este obiectiv sau este cel puțin considerat, aparent, fără alte versiuni ale acestuia. Acest film îl pune la îndoială într-un mod în care privitorul însuși este lăsat exasperat de întrebări, comentând frecvent și modul în care oamenii uneori nu sunt complet sinceri nici măcar cu ei înșiși. Este pe cât de complex din punct de vedere tematic devine, dar aparent la fel de simplu pe cât dorești să fie.
14. Stalker (1979)
Păstrându-și descendenții mai mici, care includ seria de televiziune cu succes „Westworld”, la distanță, influența colosală „Stalker” asupra povestirii vizuale nu poate fi exagerată. Ideile - filozofice, spirituale și științifice -, precum și explorarea lor cinematografică abilă și glorioasă din „Stalker” și-au găsit impresiile asupra multor science-fiction care vor veni după ea. Nu atât alunecarea, inducerea transei și în puncte, ritmul abstract sau utilizarea stimulatoare a sufletului de sepia monocromatică în afara „Zonei” și culorile de imprimare ale locațiilor din Estonia, care au fost reflectate în lucrarea realizatorilor de filme precum Terrence Malick și Lav Diaz, pentru a numi câteva, dar răbdarea și umilința de durată. Transmiterea în mare măsură a domniei filozofice publicului, Tarkovsky lasă atât de mult spațiu pentru spectatori să descopere multiplele fațete metafizice ale filmului, încât chiar și poezia sa literală și vizuală de neegalat pare la fel de importantă pentru fabricația noastră, ca și pentru a sa și a colaboratorilor săi. Și totuși, filmul rămâne departe, călăuzindu-ne în misterele de neintrecut ale minții și ale inimii și nu ajungem niciodată să le dezlegăm, deoarece calea dreaptă nu este niciodată cea corectă.
13. Fanny și Alexander (1982)
La aproape 35 de ani de la lansarea inițială, lungmetrajul regizoral final al lui Bergman este la fel de fascinant de disecat ca și criticii de pe tot globul, la vremea respectivă, care păreau că se luptă să asigure că părerile lor despre asta au fost ascultate. Aceste opinii au fost mult mai divizive decât sunt astăzi, dar locul filmului în filmografia lui Bergman pare încă greu de definit. Este diferit, în ceea ce privește tonul, structura și magnitudinea pură, de orice a făcut Bergman până în acel moment. Dar este, de asemenea, o amalgamare indubitabilă a tuturor instinctelor sale tematice și vizuale încrucișate în această tapiserie a unei familii care afirmă viața la începutul anilor 1900 în Suedia. Exuberanța sa pitorească pare să vă atragă toată atenția la prima vizionare cu variațiile sale profund captivante de roșu, verde și galben ușor și cald, care formează o paletă de culori atât de îmbătătoare încât absența sa - când totul este învelit în alb, negru și albastru dur - pare punitiv. Cronicile elaborate cu meticulozitate ale lui Bergman iradiază cu verva unui picnic de familie și posedă familiaritatea legăturilor umane menținute de zeci de ani de o afecțiune autentică și fragilă. În această interpretare generoasă a vieții, nașterea și moartea sunt ambele întâmplătoare. În lumea mică, aceste personaje, la fel ca majoritatea dintre noi, locuiesc, bucuriile circumferențiale sunt tot ce se poate spera și sunt suficiente pentru ele, așa cum ar trebui să fie și pentru noi. Este totul o iluzie? Privind acest ansamblu gigantic care lucrează astfel de minuni, s-ar putea crede așa. Dacă este, credeți-mă, nu doriți să fie spulberat.
12. Apocalypse Now (1979)
Există filme de război care prezintă complexitatea războiului (cum ar fi „Enemy at the Gates”), unele altele care bat în brațe și urăsc noțiunea acestuia (cum ar fi „Pianistul”) și apoi este îndrăznețul „Apocalypse Now”, care nu oferă opinie sau concluzie, dar în schimb arată o reprezentare grafică a ororilor războiului în timp ce glorifică soldații care iau parte la el. Dezbaterea este furioasă până în prezent, indiferent dacă „Apocalypse Now” este pro-război sau anti-război. Iubește-l sau urăște-l; sigur este că o să-ți amintești. Una dintre cele mai problematice producții din istoria Hollywoodului, tăierea finală a scriitorului-regizor Francis Ford Coppola a încheiat cea mai strălucită lucrare din punct de vedere tehnic. Premisa simplă este simplă - Căpitanul Willard trebuie să „înceteze cu prejudecăți extreme”, colonelul Kurtz, care a intrat pe teritoriul inamic și a dispărut. Dar călătoria debilitantă a lui Willard prin câmpurile de luptă dureroase din Vietnam (înălțată de cinematografia uluitoare a lui Vittorio Storaro) este cea care rămâne gravată în minte mult după ce s-au lansat creditele. Prezentând o scenă memorabilă după alta și spectacole definitive ale lui Martin Sheen în rolul Willard, Marlon Brando în rolul lui Kurtz și Robert Duvall în calitate de „entuziast napalm”, locotenentul colonel Kilgore, „Apocalypse Now”, așa cum a spus Coppola pe bună dreptate „nu este vorba despre Vietnam. Este Vietnamul ”.
11. Cele 400 de lovituri (1959)
„Cele 400 de lovituri” de François Truffaut este o adevărată piesă de artă ce provine din durerea reală. O lucrare cu adevărat sinceră și profund personală, Truffaut i-a dedicat filmul tatălui său spiritual și teoreticianului filmului André Bazin, apreciat la nivel internațional. De natură autobiografică distinctă, propria copilărie a lui Truffaut a fost tulburată și acest lucru se reflectă foarte clar în film. La exterior, filmul este despre delincvența juvenilă și adolescentă, care este adesea condusă de neglijarea societală și parentală. Uită-te puțin mai adânc și vei găsi un film despre speranță; sper că este atât intens, cât și terapeutic. Antoine Doinel, protagonistul, este într-un fel o reprezentare strictă a societății în sine, o societate care își ascunde propriile eșecuri în spatele regulilor, pedepselor și judecăților. Filmul curge ca un râu și duce publicul de-a lungul unei călătorii de speranță, disperare, empatie și chiar furie. Dacă vreți vreodată să vedeți cum arată o capodoperă, nu căutați mai departe de „The 400 Blows”.
10. Mulholland Drive (2001)
David Lynch nu este cineast. Omul este un visător. Și „Mulholland Drive” este cel mai mare vis pe care l-a visat vreodată. Un vis care cuprinde fiecare emoție care cuprinde existența umană. Este greu să explici sau să descrii un film precum „Mulholland Drive”, deoarece acesta este un film despre experiență și ceea ce iei din ea, mai degrabă decât un complot condus pe o narațiune convențională care te hrănește cu răspunsuri cu care ai putea lua cu bucurie acasă. Lynch a afirmat adesea că viziunea sa pentru un film se bazează practic pe numeroase idei și sentimente. Și aceasta devine o poartă către înțelegerea unui film la fel de complex și stratificat ca „Mulholland Drive”. Este un labirint de vise, ambiții, dorințe și coșmaruri. Lynch știe ce ne înspăimântă cel mai mult și ce ne determină la nebunie. Și această reflecție tulburătoare de intimă a subconștientului uman face din „Mulholland Drive” o operă de artă atât de profundă. Unul care te învăluie cu o senzație de căldură și sensibilitate înainte de a-ți tăia dreptul prin craniu.
9. Hoții de biciclete (1948)
„Simplitatea este sofisticarea supremă” - Leonardo Da Vinci. Una dintre cele mai dificile sarcini în realizarea filmului este să vă dați seama când să vă terminați filmul. Finalul din Hoții de biciclete este atât de tonal sincronizat cu începutul, deoarece pornim de la Antonio, un om de zi cu zi care iese din mulțime până la Antonio, un om de zi cu zi, care se disipă în mulțime. Viața din Roma de după război se transformase în fiecare zi într-o luptă și abia era cineva care să iasă din mlaștina aceea de mizerie. Există foarte puține filme care oferă o introspecție la fel de profundă ca Hoții de biciclete. Este un film care îți va rupe inima în bucăți și totuși te va inspira să trăiești viața la maximum. Rar, un film atât de simplu în premisa este atât de strălucitor de eficient în mesajul său. Este practic imposibil să uiți filmul după ce l-ai vizionat. Deși cea mai mare realizare a filmului constă în numărul de regizori independenți pe care i-a inspirat, care până astăzi citează „Hoții de biciclete” ca inspirație.
8. Tokyo Story (1953)
„Tokyo Story” este ceea ce aspiră fiecare cineast care dorește să spună o poveste semnificativă. Evident, toate rămân scurte! Nu există un exemplu mai bun de film care redă o poveste epică într-un mod atât de simplu, dar magistral, eficient și de neuitat. Cu „Tokyo Story”, Yasujiro Ozu a realizat ceva care este visul fiecărui cineast viu: să rămână pentru totdeauna în audiență inima și mintea. Oricine a văzut „Tokyo Story” va ști despre ce vorbesc. Filmul spune povestea unui cuplu japonez îmbătrânit, tradițional, care își vizitează copiii în Tokyo doar pentru a ajunge la realizarea dură a faptului că copiii lor sunt prea ocupați cu viața lor pentru a le îngriji și s-au îndepărtat imens de ei, din punct de vedere cultural și emoțional. . Ceea ce este, de asemenea, atât de grozav la film este tema sa universală cu care oricine și oriunde se poate lega. Stilul cinematografic al lui Ozu vă asigură, de asemenea, că sunteți captivat într-o poveste care oferă informații profunde asupra psihicului uman în schimbare odată cu schimbarea timpurilor. Pur și simplu genial!
7. În starea de spirit pentru dragoste (2000)
„In the Mood For Love” este pur și simplu cea mai mare poveste de dragoste filmată vreodată. Perioadă. Ar putea fi atât de ușor o piesă sau chiar o poezie. Cu imagini frumoase, captivante și muzică rafinată, pătrunzătoare de suflet, „In The Mood For Love” spune povestea complexă a doi indivizi simpli. Doi indivizi care trec prin frică și momeala de a se îndrăgosti; și odată îndrăgostit, durerea pură de a o lăsa incompletă. „In the Mood for Love” descrie iubirea în forma sa cea mai vulnerabilă. Și, făcând acest lucru, ne dezvăluie propriile vulnerabilități și cât de neputincioși suntem în fața iubirii. Rareori un film atât de subevaluat și atât de rezervat are un astfel de impact după vizionare.
Nu sunt sigur dacă regizorul Wong-Kar-Wai a intenționat să facă filmul pe care l-a făcut, având în vedere că a filmat filmul fără scenariu. Dacă te uiți la istorie, cele mai definitorii opere de artă sunt accidentele fericite. Numărați „În starea de spirit pentru dragoste” printre ei.
6. 8 1/2 (1963)
Numărul opt și jumătate din filmografia maestrului italian, această epopea sufocantă, delicioasă, a fanteziilor, a coșmarurilor și a unei realități prea murdare este ca un biscotti - cu o formă absurdă și hotărâtă într-un mod care nu permite devorarea ei complet în o dată. Lucrările sale de cameră înfricoșătoare și neliniștite completează viziunea conștientă a lui Fellini despre un realizator care încearcă să canalizeze numeroasele experiențe modificatoare pe care le-a avut de-a lungul vieții sale înnodate în noul său film. Oricât de semi-autobiografic ar fi, „8 1/2” trece pe lângă audiența sa, cu toată complexitatea sa ravitoare, intactă într-un ritm atât de radical, încât m-am trezit încercând să-mi deconstruiesc imaginile astea compuse în scopul de a-mi găsi propriul loc în Specificul falnic al lui Fellini, dar nu a reușit niciodată să aterizeze ferm pe sol.
Exploatând gravitațele umbrite ale lui Marcello Mastroianni, energia electrică a lui Fellini poate fi copleșitoare. Vă așteptați la percepția dvs. asupra unui anumit moment și îi recunoașteți bogăția sufocantă doar pentru a descoperi că regizorul a trecut la o altă secvență fluturată, delicios. Ideile sale despre artiști și obsesia lor perplexă, ridicolă pentru ei înșiși, pot părea datate - sau mai rău, irelevante -, dar îndrăzneala construcției și expresiei lor nu se pierde niciodată asupra noastră. Ne vrăjește și ne înșelă, fără să ne permită niciodată să ne luăm ochii de pe el și apoi ne alunecăm printre degete în timp ce ne zărește că nu am avut-o niciodată la îndemână. Fellini nu este mult diferit de clarvăzătoarea Maya din film care pare să știe la ce se gândește toată lumea: o abilitate atribuită de asistenta ei telepatiei. Când protagonistul nostru, Guido, îl întreabă pe asistent despre cum o face, el notează clar: „Este parțial un truc și parțial real. Nu știu, dar se întâmplă. ' Nici un cuvânt nu ar putea fi mai potrivit pentru a descrie filmul.
5. Persoana (1966)
Cred că este sigur să spunem că „Persona” a spart singur cinematograful. Fiind un film de groază la suprafață, clasicul din 1966 al lui Ingmar Bergman este mai mult un studiu al identității individuale decât orice altceva. Folosind tehnici de editare inovatoare, unghiuri clare ale camerei, expresii reci, dialoguri captivante și direcție splendidă, acest film spune într-un mod cât mai perfect ambiguu povestea unei actrițe celebre care își pierde vocea și a asistentei care are grijă de ea într-o casă retrasă, unde personalitățile lor distincte încep încet să se contopească. Fiind cea mai „cinematică” realizare a regizorului, ‘Persona’ are grijă să răsucească fiecare regulă convențională a filmului pentru a încerca să aducă o experiență proaspătă și captivantă. Cu unele dintre cele mai bune actori puse vreodată pe celuloid, atmosfera filmului ne ajută să apreciem întrebările pe care le avem despre asta, mutându-ne inteligent atenția asupra ambarcațiunii puse în joc. Pur și simplu nu există nimic asemănător cu „Persona” și asta ar putea fi foarte bine un fapt.
4. Nașul (1972)
Eventual, cel mai influent film realizat vreodată. Una dintre cele mai rare adaptări care este de fapt mai bună decât materialul sursă - în cazul în care romanul cu același nume al lui Mario Puzo - filmul a rezistat de-a lungul veacurilor și este un clasic în adevăratul sens al cuvântului care continuă să se îmbunătățească cu fiecare vizualizare. Filmul relatează o familie mafiotă sub conducerea lui Don Vito Corleone și se concentrează asupra tranziției fiului său în timp ce preia afacerea familiei la moartea patriarhului. Fără îndoială, spectacolele sunt unul dintre punctele forte ale acestui film, cu mari, printre care Marlon Brando în rolul Vito Corleone și Al Pacino în rolul lui Michael Corleone redefinind standardele de interpretare cu performanțele lor. Orice altceva, în special scenariul și cinematografia și partitura de setare a stării de spirit, sunt de așteptat o valoare A și un gen definitor. Pe bună dreptate, nu există cinefil care să nu fi văzut această capodoperă a unui film. Este altarul unde mergem să ne rugăm.
3. Citizen Kane (1941)
Sfântul Graal al cinematografiei americane. „Citizen Kane” a definit aproape fiecare aspect care cuprinde arta cinematografiei. Un film care a încălcat nenumărate convenții de realizare a filmului doar pentru a crea altele noi. De la tehnicile sale inovatoare, inclusiv iluminatul, sunetul și vizualul, până la stilul său inovator de povestire, „Citizen Kane” a schimbat modul în care au fost realizate filmele. Filmul este un studiu profund profund al personajelor care ia forma unei drame misterioase în dezvăluirea adevărurilor vieții unui enigmatic magnat publicator al cărui ultim cuvânt a stârnit interesul unui reporter. El pleacă într-o călătorie, explorând o ființă umană care odată și-a început viața cu ambiții și dorințe crude, dar în curând va ceda puterilor seducătoare ale lăcomiei și autorității. „Citizen Kane” este o operă de artă extrem de puternică, care explorează teme profunde și surprinde fațetele emoționale infinit de complexe ale vieții de viață ca ființă umană.
2. Oglinda (1975)
Arta ar putea fi vreodată atât de personală încât să nu se poată distinge de creatorul ei? Aceasta este o întrebare care m-a frapat când am văzut pentru prima dată „Oglinda” lui Andrei Tarkovsky. Aceasta este o operă de artă în care artistul se dedică complet lucrării sale pe care nu reușiți să o distingeți între el și munca pe care o face. Este aproape ca și când Tarkovsky a respira întregul film. Auteurs și-au făcut capodoperele, schimbând și modelând cinematografia așa cum o vedem astăzi, dar Tarkovsky a făcut un pas dincolo de asta și a atins inaccesibilul; dând viață artei sale. „Oglinda” este doar un film care respira. Îl puteai vedea pe Tarkovsky, familia lui, cultura în care a crescut. De fapt, ai reuși să te vezi pe tine însuți, pe mama ta și există acest sentiment de Deja Vu care îți lovește mintea, uitându-te la aceste locuri. Este aproape ca și cum ai fi fost acolo, poate în viață sau într-un vis pierdut undeva. Și pentru un artist să creeze ceva care personal și intim este ceva cu adevărat dincolo de cuvinte. Este un film care demonstrează ceea ce am știut întotdeauna: cinematografia este cea mai mare formă de artă.
1. 2001: O Odiseea Spațială (1967)
La fel ca orice altă intrare de pe această listă, „2001” este, de asemenea, o lecție de film. Mai mulți regizori, printre care Christopher Nolan și Denis Villeneuve, au vorbit despre modul în care filmul a fost inspirația lor. Deci, da, filmul este o minune tehnică. Nu tocmai de aceea filmul este în fruntea acestei liste cu atâtea filme grozave. Se află în partea de sus, deoarece este un film care a îndrăznit să meargă într-un loc în care nu a mai existat niciun film. La naiba, nimeni nici măcar nu știa că există un astfel de loc în care cinematograful să poată merge. Și dacă vreodată arta cinematografică a necesitat un motiv sau o dovadă pentru a confirma faptul că scopul existenței sale este mult mai mult decât simplul divertisment, atunci iată-l: absolut convingător și suprem mitic, „2001: O Odiseea spațială”.
Stanley Kubrick a extins orizonturile cinematografiei cu aproape toate filmele sale. Cu „2001: O Odiseea spațială”, el a dat, de asemenea, o nouă semnificație a ceea ce poate realiza cinematografia. Majoritatea realizatorilor de filme folosesc cinematograful ca mediu pentru a spune o poveste. Dar Kubrick a folosit cinematograful pentru a pune întrebări. Ce a pus la îndoială? Totul, de la Dumnezeu până la scopul existenței noastre. În timp ce ‘2001: O Odiseea spațială’ este un film de știință-ficțiune extrem de inteligent în sine, este, de asemenea, mult mai mult. Cred că este un film care este mai mult o căutare filosofică pentru a determina dacă Dumnezeu există. Vorbește despre țintirea sus!
.