100 de cele mai bune filme din toate timpurile

Alejandro Jodorowsky Prullansky, celebrul regizor de film, poet, dramaturg și compozitor de muzică chiliano-francez, a spus odată: Întotdeauna am crezut că, dintre toate artele, cinematograful este cea mai completă artă. Sunt de acord. În mai multe moduri, cinematograful este de fapt o amalgamare a tuturor celorlalte forme de artă importante: pictură, scris și muzică. Nu poate fi o coincidență că cinematografia este și cea mai modernă dintre forme de artă. La urma urmei, evoluția altor forme de artă a fost necesară pentru ca cinematograful să apară. Faptul că rămâne cea mai populară formă de artă aproape din momentul în care a luat ființă îți spune atât puterea, cât și slăbiciunea ei: este ușor accesibilă și, prin urmare, mai comercializabilă.

Având în vedere asta, sunt încântat să vă prezint lista The Cinemaholic’s 100 de cele mai bune filme din toate timpurile . Înainte de a începe să explorați lista noastră de top 100 de filme realizate vreodată, să ne amintim din nou că listele, prin natura lor, nu sunt niciodată perfecte. Deci, nu pretindem că acesta este Sfântul Graal al listei cu cele mai bune filme din lume. Dar ceea ce vă pot asigura este că o mulțime de cercetări au trecut în spatele întocmirii acestei liste. Au fost luate în considerare mii de titluri de filme și fiecare alegere finală a fost dezbătută. Sunt sigur că multe dintre filmele tale preferate lipsesc din listă. Lipsesc și multe dintre preferatele mele! Dar, în loc să fii frustrat, profită de această ocazie pentru a vedea filmele pe care nu le-ai văzut. Cine știe, s-ar putea să ajungi să-ți descoperi noile favorite!

100. Umbrelele din Cherbourg (1964)

Jacques Demy își colorează opera romantică cu o rafinament ameliorată, exagerată, care pare puțin hipster. Dar această culoare nu este doar cea de pe pereți, haine și umbrele. Este, de asemenea, pe obrajii unei fete imposibil de îndrăgostit în timp ce traversează strada pentru a-și saluta iubitul și absența ei când vedem acel chip în voal, tânăra fată acum mireasa altcuiva. Există culoare, de asemenea, în felul în care oamenii vorbesc, sau mai exact, se cântă unii altora. Dar conversațiile lor lirice nu rimează ca majoritatea melodiilor. Când totul, de la meseriile dragostei până la preocupările legate de bani, este împletit cu o pasiune care nu se poate distinge, nu ți-ar face prea bine să mergi la pescuit după rimă sau rațiune. În timp ce filmul și toate revelațiile sale melodice, susținute de muzica nepământeană a lui Michel Legrand, sunt sfâșietor de romantice, toate deciziile pe care le iau personajele noastre sunt, ca orice în viață, cu siguranță nu așa.

Pentru un complot atât de plictisitor de cunoscut, după ce am văzut-o la baza a nenumărate cântece pop și telenovele, fiecare cadru din „Umbrelele din Cherbourg”, plin de melancolie, este ademenitor de proaspăt, chiar necunoscut. Puteți atribui asta cât de autentice sunt emoțiile și cât de sinceră este exprimarea lor. Funcționând la o scară la fel de umilă, „Umbrellas” te devastează cu cele mai mici reflexii. Am rămas uluit de cât de substanțial ar putea fi impactul a două scaune goale, odată umplute de cei doi îndrăgostiți. În delicatesa făcută cu drag de Demy, defilăm în carnavalele pline cu panglici și confetti, împodobim brazi de Crăciun și ne facem cadouri unul altuia, ascunzându-ne toate sentimentele undeva în colțurile inimii noastre, pentru că oricât de greu este de suportat absența cuiva sau trecutul este să uităm, tot ce putem face este să trăim în fantezia de azi.

99. Trainspotting (1996)

Este puțin dificil să explicăm cinefililor ca noi despre fanatismul „Trainspotting”. A venit într-o perioadă în care realitatea drogurilor tocmai începuse să se cufunde. S-ar spune că a încântat abuzul de droguri și, într-o oarecare măsură, este adevărat. Faptul care a ieșit din asta a fost încercarea lui Danny Boyle de a arăta culmile și deficiențele abuzului de droguri, fără a lua parte. „Trainspotting” este un film cult care spune povestea a patru prieteni și întâlnirea lor cu dependența. Revoltător și bizar sunt singurele două cuvinte care îl descriu. Un dependent de droguri care vrea să fie curat, doar ca să se clătească la fiecare pas din cauza dorinței sale profunde de a se droga. Supradozat cu generozitate de umor, filmul încearcă să sublinieze un fapt cu o seriozitate totală: în ciuda luxurilor pe care le oferă viața, tinerețea le neagă cu mult aplomb. Și motivele? Nu există motive. Cine are nevoie de motive când ai heroină?

98. Absolventul (1967)

Ah, zilele tinereții! Nepăsător și vesel. Distracție plină de nimic de care să vă faceți griji. Nicio grijă pentru trecut, care a fost lăsat în urmă și nicio grijă pentru viitor, care urmează să vină. Benjamin Braddock a dus această viață fără griji, după ce a absolvit facultatea. Și când s-a întors în sfârșit în orașul natal, acolo a cunoscut-o pe doamna Robinson. Flacăra unei aventuri începe să ardă. Viața ia o întorsătură abătută când tânărul Ben confundă sexul cu o companie. Devine răscolit, când el se îndrăgostește de fiica ei. Un film care provoacă gândurile, în haine de comedie, „The Graduate” este unul dintre cele mai amuzante filme vreodată. Cu Dustin Hoffman în rol principal, prezintă versul iconic – „Doamnă Robinson, încerci să mă seduci?”

97. Viața dublă a lui Veronique (1991)

Poate că niciun alt regizor de film nu a înțeles femeile la atât de profunde profunzimi emoționale ca Krzysztof Kieslowski. Bărbatul i-a iubit și le-a arătat cu atâta pasiune și intimitate încât nu poți să nu te simți îndrăgostit de puterea sa emoțională brută. „The Double Life of Veronique” ar putea fi cea mai mare realizare artistică a lui. Filmul este despre o femeie care începe să simtă că nu este singură și că există o parte din viața ei undeva în lume într-un suflet diferit. Veronique și Weronika sunt cele două femei identice care nu se cunosc și totuși împărtășesc o legătură emoțională misterios de intimă între ele. Cinematografia extrem de stilizată a lui Slawomir Idziak pictează filmul cu o senzație tandru și melancolică care te învăluie și nu reușește să renunțe. Sunt sentimente și emoții pe care ni se pare cu adevărat greu de exprimat în cuvinte, iar filmul dă viață acelor sentimente inexplicabile de tristețe gânditoare și singurătate. „Viața dublă a lui Veronique” este o operă de artă uimitoare care înfățișează sufletul uman în toate fragilitățile și tandrețea lui frumoase.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mulți oameni consideră cinematograful ca pe o răsfăț, o activitate de agrement, o distracție care nu are nicio consecință în viață. Dar eu, cu o armată de cinefili înflăcărați care mă susțin cu fervoare, pot afirma cu absolută convingere că cinematograful este la fel de necesar vieții, precum este viața cinematografiei. Și „Cinema Paradiso” este o modalitate frumoasă, deși ironică, de a-mi face punctul. Regizorul de succes Salvatore se întoarce acasă într-o zi la vestea că Alfredo a murit, după care se întoarce în orașul său natal din Sicilia anilor 1950. Tânărul și răutăciosul Salvatore (poreclit Toto) descoperă o dragoste de durată pentru filme care îl ademenește la cinematograful din sat Cinema Paradiso, unde Alfredo este proiectionist. După ce s-a îndrăgostit de băiat, bătrânul bub devine o figură paternă pentru el, în timp ce el îl învață cu minuțiozitate pe Toto abilitățile care ar fi piatra de temelie pentru succesul său în film.

Să-i vezi pe Toto și Alfredo discutând despre cinema cu evlavie și să-l vezi pe Alfredo dând sfaturi de viață prin citate clasice de filme, este o bucurie pură. Prin povestea despre maturitate a lui Toto, „Cinema Paradiso” aruncă lumină asupra schimbărilor din cinematografia italiană și asupra comerțului pe moarte al producției, montajului și proiecției tradiționale de filme, în timp ce explorează visul unui băiețel de a părăsi orășelul său pentru a incursiune în lumea exterioară. Unul dintre cele mai bune „filme despre filme” a fost vreodată.

95. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)

Una dintre acele experiențe rare de film care te face să simți o multitudine de emoții simultan. Este amuzant pe alocuri, înălțător în unele și cu inima zdrobitoare în altele. Este, de asemenea, una dintre celelalte fapte rare în povestirea simplistă și eficientă, care povestește despre Randle McMurphy, un criminal care, în speranța de a se sustrage de la închisoare, se preface că este bolnav mintal și pledează nevinovat pe motive de nebunie. La sosirea într-o instituție de psihiatrie, el se răzvrătește împotriva autoritarului Nurse Ratched (jucat de o Louise Fletcher oțel) într-un scenariu clasic ordine vs. haos. Filmul stabilește că, într-adevăr, nu există nimeni mai bun pentru a interpreta personaje cu șarm și farmec în egală măsură decât însuși Jack Nicholson, aducându-i un meritat câștig de Oscar pentru interpretarea sa din film. Ceea ce începe ca un film de durată și încântătoare, escaladează la un final tragic, deși plin de speranță, în urma unor scene tulburătoare care implică o sinucidere și o terapie electroconvulsivă asupra pacienților. Filmul, totuși, nu renunță niciodată la atenția și patosul spectatorului pentru personajele de pe ecran, evocând emoție autentică și bucurie pentru spiritul uman care emană chiar și în fața unei autorități neîmpărtășite.

94. Pyaasa (1957)

Dens de idei de schimbare socială și de comentarii usturătoare asupra răutății și stigmatelor existente ale societății, „Pyaasa” nu numai că a reprezentat epoca de aur a cinematografiei indiane, ci a fost și o reflectare a burghezului indian însuși. Este un film care are o calitate subtilă despre el însuși, în care toate adevărurile nebunești și realitățile dure ale societății clocotesc sub suprafață, așteaptă să fie explorate și extrapolate de publicul atent. „Pyaasa” este un clasic atemporal nu fără motive. Chiar și după 60 de ani de la lansare, ea rămâne relevantă în vremurile moderne, deoarece India continuă să fie afectată de aceleași blesteme societale – corupție, misoginie, materialism – pe care „Pyaasa” le abordează direct sau indirect.

93. Timpurile moderne (1936)

„Modern Times” este un film plin de umor cu un mesaj puternic. Purtând temele caracteristice ale lui Chaplin de speranță și sărăcie, această imagine se concentrează pe efectele adverse pe care mașinile și alte forme de progres tehnologic le au asupra oamenilor de rând, atrăgând în lumina reflectoarelor un muncitor din fabrică a cărui viață trece prin multe întorsături și întorsături în timp ce încearcă să face față lumii noi. Deși slapstick-ul este amuzant de lacrimi, totul este conținut într-un vas de tristețe. „Modern Times” folosește elemente inteligente și subtile pentru a pune întrebări filozofice importante din când în când. Punctul culminant este unul dintre cele mai emoționante vreodată, implicând o formă tristă de fericire și fără răspuns sau rezoluție reală. Acest film poate fi cea mai bine scrisă lucrare a lui Chaplin și este surprinzător cât de relevante sunt ideile prezentate aici și astăzi. După ce, fără îndoială, a rezistat testului timpului, calea pe care Timpurile Moderne o urmează pentru a-și împărtăși gândurile este probabil cel mai bun aspect al acestui triumf cinematografic.

92. Linia roșie subțire (1998)

Revenirea lui Terrence Malick la realizarea filmelor dintr-o pauză de 20 de ani a fost marcată de această dramă de război extraordinar de uimitoare care explorează, nu războiul, ci emoția luptei războiului. Filmul este cu adevărat Malick-ian în natură, punând mai mult accent pe imagini decât pe poveste, permițându-vă să vă bucurați de experiența acestuia. Geniul filmului constă în viziunea lui Malick de a vedea frumusețea în ceva la fel de întunecat și sângeros ca războiul. Este nevoie de un geniu absolut pentru a transforma ceva la fel de brutal și sângeros ca războiul într-o experiență atât de hipnotică care transcende realitățile războiului și, în schimb, te lasă să te absorbi de emoțiile personajelor sale. Este o experiență atât de captivantă care îți cere să simți ființele umane din spatele armelor și bombelor. Acestea sunt suflete devastate la fel ca noi, care tânjesc după o atingere delicată, le lipsește căldura respirației iubiților și soțiilor lor în timp ce au de-a face cu cele mai urâte realități, departe de ei. „The Thin Red Line” este pur și simplu o experiență ca nimeni altul; unul care trebuie văzut, simțit și reflectat.

91. Blade Runner (1982)

Final Cut din „Blade Runner” al lui Ridley Scott, cred că este cel mai grozav film distopic făcut vreodată. Deși Metropolis este o alegere discutabilă, trebuie să observăm imaginile neautentice asociate cu cinematograful expresionist german. „Blade Runner”, pe de altă parte, este mai mult decât perfect în construirea unei lumi care suferă de inegalitatea financiară, boom-ul populației, deficiența în orice natural, deoarece nici măcar carnea nu poate fi de încredere aici. Iluminarea sclipitoare este naturală din punct de vedere contextual, deoarece este o lume electronică, iar Jordan Cronenweth o folosește în mod similar cu obiectele de iluminat de zi cu zi din filmul noir. Deși s-ar putea să nu pună întrebări la fel de ample precum „O Odiseea spațiului”, dar ne face să ne întrebăm dacă androizii visează la oi electrice.

90. Fargo (1996)

Violent, amuzant, cald și brutal de intens, „Fargo” este unul dintre cele mai bune filme americane din anii 90 și una dintre cele mai mari drame criminale realizate vreodată. Filmul este despre un bărbat care angajează doi bărbați pentru a-și răpi soția și a storca bani de la bogatul său soc. Folosirea genială a umorului negru de către Frații Coen pătrunde în film cu un aer de căldură care conferă filmului un ton foarte distinctiv. Este acest amestec magistral de comedie, dramă și violență care face din „Fargo” o experiență cinematografică atât de memorabilă. Acea fotografie superbă de deschidere a unui Minnesota plin de zăpadă, frumos complimentată de o partitură obsedante dă tonul filmului și stabilește un sentiment de tristețe profundă care se află sub violența și umorul cu care este plin filmul. Frances McDormand este în mod clar vedeta filmului și fură spectacolul, înfățișând un șef de poliție însărcinat prins într-o lume a răului și a brutalităților, dar reușește să găsească lumină și speranță. „Fargo” este o piesă emoțională crudă, brutal de intensă, îndrăzneață de amuzantă și dureros de realistă, a unui cinema pur captivant.

89. Eraserhead (1977)

„Eraserhead” este un manual despre groaza atmosferică. Povestind povestea unui bărbat cu păr ciudat care încearcă să crească singur o familie, acest film se transformă mai mult într-un coșmar suprarealist cu fiecare minut care trece. Folosind sunetul și prim-planurile pentru a oferi un sentiment de teamă claustrofobă și aliniind acest lucru cu un complot care nu are sens la un prim vizionare, debutul lui David Lynch se dovedește a fi unul dintre cele mai bune regizori, ceea ce în sine este o mare laudă. Ceea ce face „Eraserhead” este să creeze o lume distopică – împrăștiată cu clădiri urâte și dispozitive mecanice înmuiate în alb-negru vicios – și să arunce în ea personaje care sunt mai mult sau mai puțin confuze de împrejurimile lor. În timp ce înțelegerea sensului acestei imagini este aproape imposibil, trebuie să realizați că aceasta nu este niciodată intenția. „Eraserhead” plasează în mintea publicului un sentiment de disconfort total, folosind atât elementele vizuale, cât și stilul suprarealist, și găsește o modalitate de a le manipula gândurile. Doar câteva imagini sunt la fel de frumos structurate, dar incontestabil amenințătoare ca aceasta, și asta este ceva ce numai cineva ca Lynch ar putea realiza.

88. Copilărie (2014)

„Boyhood” este o amintire plăcută a anilor trecuti de bucurie dezinhibată, optimism neclintit și inocență clocotită. Se bazează pe obținerea frumuseții, bucuriei și emoțiilor din viețile obișnuite ale oamenilor și nu din orice act dramatic intens (pâine și unt pentru majoritatea filmelor). Este fascinant să vezi cum, de la scenă la scenă, nu numai că există schimbări în fizicitatea personajelor, dar vei observa și transformarea în modă, coafură, gust pentru muzică și, în general, perspectivele despre viață. „Boyhood”, într-un mod în care foarte puține filme o fac, transcende granițele cinematografiei și devine o mică parte din propria noastră existență și experiență. Linklater ne reamintește din nou de ce este cel mai bun în afaceri când vine vorba de a spune povești simple despre oameni obișnuiți.

87. Zilele raiului (1978)

Evoluția lui Terrence Malick într-un vizionar cinematografic pe deplin controlat și autoritar este unul dintre cele mai grozave lucruri care i s-au întâmplat vreodată cinematografiei americane. Din primele sale lucrări reiese că era disperat să iasă din limitele convenționale ale cinematografiei. Filme precum „Badlands” și „Days of Heaven” au avut narațiuni aparent simple, dar acestea au fost filme care au încercat să fie ceva mai mult. Ceva mai mult decât o poveste. O experienta. „Days of Heaven” realizează acest lucru mai strălucit decât „Badlands”. Mulți oameni au criticat adesea filmul pentru povestea sa slabă. Nu aș putea spune că sunt complet greșite, dar povestea, oricum, nu este cel mai important aspect al unui film. Ceea ce face Malick aici este să folosească vizualitatea cinematografiei, care pune accent mai degrabă pe starea de spirit a poveștii decât pe povestea în sine. Intențiile lui nu sunt să te emoționeze folosind situația personajelor, ci să te lase să le observi, să simți frumusețea peisajelor și parfumul locului lor. Și a crea un astfel de tip de experiență visceral mișcătoare este doar un miracol.

86. Mormântul licuricilor (1988)

Un film emoționant, emoționant, care este la egalitate în toate aspectele la care vă puteți gândi, cu celelalte filme de acțiune live subliniind prada războiului. Acest film de animație japonez s-a centrat pe ororile celui de-al Doilea Război Mondial concentrându-se pe viețile unei perechi de frați, mi-a frânt inima într-un mod în care niciun alt film nu a reușit și a continuat să calce piesele până la sfârșit. Fiind un film de război, face minuni și pe frontul uman, realizând și dezvoltând frumos relația tandră dintre Seita și Setsuko în fața adversității care a fost cel de-al Doilea Război Mondial. Mesajul este tare și clar. Niciun război nu este câștigat cu adevărat și toată gloria care implică victorii este, de asemenea, însoțită de bocetele vieților nevinovate distruse în război. Aș aplauda filmul pentru că nu a fost în mod evident manipulator din punct de vedere emoțional în a ne face să ne înrădăcinăm personajele sale; dar nu vă înșelați, punctul său de vedere puternic și fără compromisuri asupra războiului și a parodiilor suferite de perechea de frați vă va reduce la o mizerie plângătoare. E ASA trist. Acestea fiind spuse, nu există altă cale în care aș avea-o. Este perfecțiunea, în forma sa cea mai sfâșietoare.

85. Manhattan (1979)

Romantismul din filmele lui Woody Allen s-a simțit întotdeauna dureros de sincer și deprimant de realist, în ciuda simțului umorului delicios de emoționant cu care le înfășoară. În timp ce „Annie Hall” rămâne cel mai îndrăzneț film al său, „Manhattan” iese ca o lucrare mai matură, din punct de vedere artistic. Filmul îl prezintă pe Allen pe un newyorkez plictisit și confuz, recent divorțat, întâlnindu-se cu o fată de liceu, dar ajunge să se îndrăgostească de amanta celui mai bun prieten al său. Allen a redus ușor umorul pentru acest film pentru a ne lăsa să simțim cu adevărat tristețea care îi învăluie personajele, ceea ce îl face o experiență atât de obositoare din punct de vedere emoțional. Este doar un portret profund emoționant al relațiilor zdruncinate și al ființelor umane defecte care se luptă cu ei înșiși și cu existența lor, căutând cu disperare fericirea pe care nu o vor recunoaște și nu o vor atinge niciodată. Și această realizare delicată și emoționantă a condiției umane este cea care face din „Manhattan” un film atât de puternic.

84. Marketa Lazarova (1967)

Peisajul de vis necorporal al pictogramei cehe František Vláčil, Marketa Lazarová, este pur și simplu una dintre cele mai incredibile piese de artă apărute din cele 20.^alSecol. Abordarea sa de avangardă a limbajului cinematografic abia se încadrează în limitele acelei întorsături deseori blestemate de expresie - pentru că este ceva mai mult. O fuziune uluitoare a văzului și sunetului, neîngăduită de convenții, structură sau orice regulă scrisă, cercetătorii cinematografului răvășiți au pălmuit forma filmului de-a lungul anilor. Prin comparație, totul pare atât de strâns controlat - atât de nefiresc și artificial în execuție. Marketa Lazarová este crudă, viscerală și uimitor de dinamică. Pe scurt: este liber – un adevărat culme al posibilităților de a explora fiecare centimetru mediu cinematografic. Pentru asta, se află printre cele mai grozave filme făcute vreodată.

83. Cântând în ploaie (1952)

Singin’ In The Rain este cel mai definitoriu musical al Epocii de Aur a Hollywood-ului. Este imposibil să uităm imaginea lui Gene Kelly dansând lângă lampă, când vorbim despre momentele strălucitoare din cinema. Filmul nu numai că își celebrează încântător propria competență, ci și trecerea cinematografiei de la a fi un mediu vizual la unul rezonant și stimulant. O realizare monumentală în cinematografia Technicolor, efortul regizoral al lui Kelly a fost în mod amuzant abandonat de critici și public, inițial. Cred că relevanța acestui clasic crește pe zi ce trece, pe măsură ce decalajul dintre perioadele de timp acoperite de film (viața reală și în film) și prezent crește din ce în ce mai mult. Pierdem legătura cu o epocă importantă, iar acest film te învăluie cu nostalgia lui.

82. Nu te uita acum (1973)

Este foarte dificil să găsești o piesă de artă vizuală care să fie la fel de hipnotică precum „Dont Look Now” a lui Nicolas Roeg. În multe privințe, această capodopera este ca piticul hidos de la sfârșit. Este frumos drapat cu o culoare extatică, dar adăpostește cea mai rea parte a vieții: moartea. Indiferent cât de eficient este personajul lui Sutherland, cred că acesta este un film bazat pe emoții, deoarece Roeg plasează căutarea iubirii pierdute asupra unei povești concludente. Fundația gotică este un dispozitiv foarte puternic pentru a exclama importanța legăturilor pe care se bazează, aceea a iubirii paterne și familiale, precum și în a da o formă vagă fantomelor care bântuie protagonistul. Unele locuri sunt ca oamenii, altele strălucesc, altele nu.

81. Clubul de luptă (1999)

Din când în când, sosește o piesă de artă care definește psihicul unei generații. În ceea ce privește cinematografia, anii 50 au avut „Rebel Without A Cause”, anii 60 au avut „The Graduate”, iar anii 70 au avut „American Graffiti”. Și chiar și după două decenii, „Clubul de luptă” se potrivește ca o mănușă cu etosul tulburător, nemulțumit și anti-establishment al generației noastre. La fel ca multe filme grozave, „Clubul de luptă” este foarte dezbinător și poate fi interpretat filozofic în multe moduri distincte – unii consideră că definește bărbăția contemporană, în timp ce alții cred că gloriifică violența și nihilismul.

În esență, un thriller, filmul este povestit din punctul de vedere al unui protagonist nenumit, care suferă de insomnie și nemulțumit de slujba sa monotonă, care se întâlnește cu un producător de săpun impetuos pe nume Tyler Durden. Durden și protagonistul încep în curând un „club de luptă” subteran, ca o modalitate prin care membrii nemulțumiți ai societății să-și dezvăluie furia. Dar în curând planurile lui Tyler și relațiile naratorului scapă de sub controlul lui, ducând la un punct culminant exploziv (la propriu!)

Alături de atitudinea de diavol-poate pe care o propagă, „Clubul de luptă” este, de asemenea, un semn distinctiv al unei direcții as a legendei contemporane David Fincher. Paleta de culori sumbră, editarea clară și camera elegantă au inspirat o hoardă de thrillere întunecate care urmează filmului. Un film de referință din anii 1990.

80. Înainte de apus (2004)

Iată adevărul despre evoluția umană pe care nimeni nu ți-l va spune: omenirea va pierde în curând arta conversației. Progresele tehnologice au un mare efect secundar: oamenii devin din ce în ce mai puțin interesați de o conversație reală, deoarece au în spate tehnologia de care să se ascundă. Și tocmai acesta este motivul pentru care seria Before va rezista decenii în continuare. O serie de filme care sunt despre două persoane implicate într-o conversație reală sunt o raritate chiar și pentru această generație. În viitor, astfel de filme nu vor fi făcute deloc. De aceea, generațiile viitoare vor privi înapoi la trilogia Înainte cu uimire și mirare. Și nu voi fi surprins dacă trilogia își găsește locul meritat nu doar în istoria filmului, ci și în biblioteca oricărei școli de film.

Dintre cele trei filme Înainte, „Before Sunset” iese în evidență pentru că este cel mai sfâșietor de frumos. Un film care este în mod inerent despre cea mai puternică dorință umană: dorința de a fi cu cineva cu care ți-ai putea petrece restul vieții. Dacă te uiți cu atenție, „Înainte de apus”, în cele din urmă, devine o oglindă, uitându-te în care, poți judeca propriile relații: unde ai greșit? Cine a fost de fapt cel pentru tine? Ce oportunități ai ratat? Ce ar fi putut fi? Este unul dintre cele mai rare filme rare în care propria ta experiență în viață îți va îmbogăți și hrăni experiența cu filmul.

79. The Matrix (1999)

O idee ingenioasă, inteligentă redată pe ecran de către soții Wachowski, a rezultat într-un film care i-a făcut pe mulți spectatori să devină precauți față de realitatea în care s-au aflat. Este adevărat, odată ce a fost făcut „Matrix”, nu a mai existat întoarcere, s-a schimbat. lucruri. Filmul nu numai că a deschis un teren oarecum nou în povestea sa, dar a revoluționat și modul în care filmele științifico-fantastice și de acțiune au ajuns să fie concepute ulterior. Succesul filmului „The Matrix” constă și în modul în care se amestecă cu măiestrie între teme precum filozofie, existențialism și chiar religie, purtând totodată masca unui film de acțiune și SF. Capacitatea lui Neo de a manipula realitatea simulată pentru a realiza fapte aparent imposibile și utilizarea timpului de glonț, o tehnică de acțiune care nu este nimic mai puțin emblematică acum, se adaugă la ingeniozitatea filmului. Este posibil ca genul să fie supraîncărcat acum, dar când a apărut prima, se poate spune că publicul nu a văzut nimic asemănător.

78. Al șaptelea continent (1989)

A numi „The Seventh Continent” al lui Michael Haneke un film de groază mi se pare foarte greșit, dar așa se referă la el de către majoritatea oamenilor care l-au văzut. Este greu să te cert cu ei, pentru că o vizionare a acestui film lasă pe cineva să se simtă fără speranță, deprimat și speriat. Având de-a face cu o familie care urăște lumea și viața în general, acest clasic din 1989 adoptă o poziție rece și îndepărtată pentru a-i izola și mai mult pe cei trei jucători de restul societății, ceea ce, încet, dar sigur, face ca publicul să simtă profund pentru ei ca fiind ai lor. existența ia o întorsătură întunecată. Fiind unul dintre cele mai deranjante filme care s-au bucurat vreodată de ecranul de argint, piesa de debut a lui Haneke îl batjocorește pe spectator și nu se lasă niciodată. Dacă publicul îl numește un film de groază, atunci îl face referindu-se la un film înfricoșător care nu seamănă cu oricare altul. Acoperit în ambiguitate și realism, Al șaptelea continent este o repovestire personală, intimă și terifiantă a unei povești adevărate care te lasă în tăcere, pentru că timp de cel puțin câteva minute după ce se încheie, devii incapabil să rostești un singur cuvânt.

77. Zodiac (2007)

„Zodiac” nu este thrillerul tău convențional; are un ritm lent și se concentrează mai mult pe starea de spirit și pe personaje decât pe intriga. Există o aură pe care David Fincher o construiește atât de mult încât să poți simți starea de spirit a filmului în oase. Nu este un film care să te lase fericit când se termină. Este și un film în care cel rău câștigă, cei buni pierd. Și de aceea este atât de bun. Nu doar bună, ci o capodopera modernă. Când un film reușește să te tulbure timp de două ore și jumătate și să te lase pe gânduri zile întregi, trebuie să fi înțeles multe lucruri pe care thrillerele făcute în mod obișnuit nu le fac. După părerea mea, „Zodiac” este cel mai bun film al lui Fincher, unde el, cu disciplina și gama sa de abilități, arată de ce uneori mai puțin înseamnă mai mult.

76. Magnolia (1999)

„Magnolia” este, fără îndoială, cea mai personală lucrare a lui Paul Thomas Anderson. Vibe-ul isteric cu care Anderson infuzează filmul aduce o anumită fluiditate emoțională melodramei care este atât de incredibil de captivantă și cathartică în energie. Filmul se desfășoară în întregime în Valea San Fernando, cu diferite personaje interconectate care trec prin diferite faze din viața lor, luptându-se să facă față propriilor demoni interioare și conflictelor emoționale. Anderson îi iubește pe acești oameni, îi cunoaște și îi înțelege, dar îi prezintă fără scuze cine sunt; ființe umane complet goale, crude și pure, confruntându-și și depășindu-și cele mai profunde frici și fragilități. Ceea ce face „Magnolia” atât de special este că este un film care spune atât de multe despre realizatorul său. Ni se oferă o privire în viața lui Anderson, locul căruia îi aparține și oamenii din viața lui. Există atât de mult din Anderson în tot filmul. Un film precum „Magnolia”, dacă ar fi fost regizat de orice alt regizor, s-ar fi simțit învechit și s-ar fi părut aproape un produs al timpului său, dar cu Anderson nu face decât să adauge la atractivitatea filmului.

75. Copilul lui Rosemary (1968)

„Copilul lui Rosemary” este o operă de artă întunecată, răsucită, care se joacă cu inocența pentru a crea un sentiment de groază. Având de-a face cu o femeie care se confruntă cu complicații în timpul sarcinii, filmul ia un traseu complet nou cu intriga sa, permițând elementelor ritualice să joace un rol major. Sunt atât de multe despre acest film de iubit, pornind de la personajele bine scrise până la mediul îndepărtat care înconjoară fiecare incident care are loc. Există întotdeauna un sentiment de tensiune în întreaga imagine, și asta se datorează parțial cinematografiei tăcute și persistente executate cu stilul regizoral strâns al lui Polanski. Mia Farrow oferă aici cea mai bună performanță din carieră în rolul lui Rosemary Woodhouse, o femeie care devine mai slabă în timp ce se luptă cu durerile care vin odată cu purtarea unui copil. În general, atmosfera capturată de acest film este egalată de puțini alții, iar modul în care se infiltrează în pielea ta este cu adevărat altceva.

74. Cel bun, cel rău și cel urât (1966)

Personaje captivante interpretate de actori legendari, acțiune nestăpânită și brutală de pistol, muzică captivantă și cinematografie intensă – a treia parte a Trilogiei „Dolari”, despre care se spune că este nașterea western-urilor spaghetti, este cinematograf indulgent, captivant și distractiv. Blondie or No Name (The Good), un pistolier profesionist și Tuco (The Ugly), un haiduc căutat, formează o loialitate nedorită atunci când află fiecare un detaliu important despre o rezervă de aur ascunsă de un confederat fugar. pe care Angel Eyes (The Bad), un asasin, este contractat să-l omoare. Călătoria unui trio formează punctul central al unui complot captivant care se termină cu o privire în jos clasică în stil occidental. Clint Eastwood în rolul lui Blondie este imaginea machismului, Lee Van Cleef în rolul Angel Eyes este răul personificat, iar Eli Wallach în rolul lui Tuco adaugă o complexitate de caracter de impuls și furie la actele mai simple, dar mai strălucitoare, Good Vs Evil ale celor două vedete mai mari. Dar frâiele sunt pentru totdeauna regizorului în mâinile lui Sergio Leone - el folosește cadre lungi întinse și cinematografie intensă de prim-plan, după cum este necesar, pentru a crea o tensiune în proceduri. Un film care definește genul Quentin Tarantino, unul dintre cei mai mari exponenți ai westernului modern, numit cândva Cel mai bine regizat film din lume.

73. Jucătorii care călătoresc (1975)

De mult prea mult timp, epopeea intimă, delicat asamblată a lui Theo Angelopoulos, a fost cunoscută de puțini pasionați de film și poate apreciată de și mai puțini. Înălțarea sa impunătoare, treptată, a unui monument cinematografic al relației noastre ezoterice și criptice cu timpul este de înțeles, nu pentru toată lumea. Dar pentru cei curioși dintre noi, se știe că oferă mângâiere, oferă înțelepciune și oferă o percepție care ajută la găsirea constantelor de care să se agațe în această lume universal și crud de dinamică. Printre multele lucruri pe care acest film le face corect este înțelegerea sa impecabilă a revelațiilor din povestea lui „Orestes”. Mitologia asociată figurii tragice este surprinsă cu o smerenie amețitoare și, totuși, filmul reușește să ne transporte prin viziunea sa flexibilă la o viziune melancolică și persistentă a Greciei de la mijlocul secolului XX. Eleganța sa temporală justifică vizionarea istoriei stând lângă trupă: din exterior înăuntru. Ai tendința de a simți duritatea acesteia și de a reflecta asupra creației sale. Este o lecție rară de istorie antifascistă pentru că nu ne spune niciodată ce să gândim. Ne arată doar ce să simțim. Angelopoulos și directorul de fotografiat Giorgos Arvanitis ne plasează în locuri uluitoare și le spăla cu răutatea devastatoare a perioadei. „The Travelling Players” este o bijuterie umilă, rară, care se simte ca și cum ar fi fost salvată de pe străzile pline de revolte și a supraviețuit prin foame. În termeni mai simpli, nu o merităm.

72. Cache (2005)

Michael Haneke este adesea acuzat că se ocupă întotdeauna de narațiuni sumbre. Această caracterizare este complet nedreaptă, deoarece ceea ce face în esență este să ofere perspective umane asupra întunericului care ne învăluie pe toți, despre modul în care percepțiile noastre greșite duc la o izolare agonizantă și cum iluziile noastre ne reduc șansele de a depăși această izolare. „Caché” nu este doar un document masiv și arzător care indică răutatea masacrului din 1961 pe râul Sena și inumanitatea noastră ca societate, ci și un studiu de caracter poetic universal. Georges, protagonistul nostru, percepe viața și prezența lui ca o ființă socială într-un sentiment distorsionat al bucuriei. El fuge de confortul de a avea încredere și de a comunica cu ceilalți. Își bucură înstrăinarea, așa cum îi înstrăinează pe atât de mulți care îl țin atât de drag. Cu asta, Haneke bate joc de generația care dorește să fie lăsată în pace. Camera lui este uneori neobișnuit de îndepărtată, așa cum mulți dintre noi suntem în relație cu mediul înconjurător. Dar în controlul lui, trebuie să ne confruntăm cu indecența, neconsiderarea, realitatea noastră. Una dintre cele mai provocatoare piese de cinema pe care le veți vedea vreodată.

71. Spiritul stupului (1973)

Maestrul spaniol Victor Erice a realizat doar trei lungmetraje înainte de a se pensiona. Încă în viață astăzi, filmele sale precum El Sur, Gutui „Arborele soarelui” și mai ales Spirit of the Beehive, debutul său indefinibil, ne fac pe toți să ne dorim să mai facă filme. O poveste parabalică a doi copii, unul care își explorează existența cu o fascinație inocentă, adesea uluitoare, iar celălalt obsedat de filmul „Frankenstein” care a jucat în teatrul lor local. Portretul său misterios al inimii spaniole este lăsat într-o ambiguitate atrăgătoare de direcția caracteristic neutră a lui Erice - rareori aventurându-se în metoda cinematografică în favoarea observației tăcute. Lucrarea rezultată este perplexă, captivantă și vă va lăsa să vă întrebați despre enigma intrinsecă a vieții însăși: întrebările ei fără răspuns, marile ei mistere și neatinsa lor uluitoare. Pentru a vă lăsa complet devastat sau incomparabil de mișcat, nu există nicio îndoială că, până la oricare dintre extreme, „Spiritul Stupului” va fi o experiență importantă.

70. All the President’s Men (1976)

Watergate. Un cuvânt care a dat jos draperiile președinției lui Richard Nixon și i-a făcut pe oameni să realizeze că chiar și o persoană de statura președintelui se poate apleca în cea mai mică măsură posibilă pentru a-și duce lucrurile la bun sfârșit. În timp ce prietenii Președintelui erau ocupați să curețe mizeria pe care a creat-o, au fost doi reporteri care au simțit mirosul. În ciuda amenințărilor care se profila, au lucrat neobosit, au urmărit chiar și cele mai mici piste și, uneori, au adus pericol asupra lor în procesul de a aduce faptele oamenilor. Bazat pe cartea cu același nume, scrisă de reporteri, Bob Woodward și Carl Bernstein, „All the President’s Men” este o observație inteligentă a ceea ce ar trebui să fie jurnalismul adevărat. Regizat de Alan J Pakula, acesta a fost nominalizat la opt premii ale Academiei, în cele din urmă a câștigat trei și, întâmplător, a pierdut cel mai bun film în fața „Rocky”.

69. Armata umbrelor (1969)

Cred că un excelent punct de comparație care trebuie făcut pentru noii veniți în opera lui Jean-Pierre Melville este cel al lui Stanley Kubrick. Ambii practică o precizie tehnică extremă și emană încredere absolută în fiecare rolă de muncă pe care o depun în cariere lungi și profitabile din punct de vedere creativ. Acestea fiind spuse, o plângere ieftină, dar provocatoare, pe care oricine o poate depune regizorului american este „lipsa de suflet”. Un loc vacant de expresie umană. Nu este cazul lui Melville. În „Army of Shadows”, personajele lui Melville ard cu o scânteie amară, alimentată de disperare, care face ca fiecare acțiune a lor să se sufle de umanitate. În lumea mortală a mișcării de rezistență în timpul războiului, o mișcare falsă poate duce la o distrugere totală și tocmai cu grația menționată mai sus și controlul virtuos asupra cinematografiei sale Melville coase semințele unei lumi complet credibile și convingător de moarte. „Army of Shadows” este una dintre cele mai liniștite, intrigante și monumental de afectate lucrări apărute din cinematografia franceză – iar să ratezi un astfel de clasic trecut cu vederea criminalului ar însemna să-ți faci un mare deserviciu.

68. Strălucirea (1980)

Odată cu adaptarea sa după clasicul Stephen King, Stanley Kubrick a creat în 1980 un film care a continuat să redefinească genul de groază. Aici, nu doar povestea sau personajele se tem de naștere. Mediul înconjurător și felul în care a fost filmat ajută în mod minunat să permită tensiunii tulburătoare să pătrundă în mintea publicului. Filmul îl urmărește pe Jack Torrence, un îngrijitor proaspăt numit la Hotelul Overlook, și familia sa, în timp ce petrec o perioadă de izolare totală în clădirea misterioasă. Prin performanțe uluitoare și cu camera excelentă, Kubrick se asigură că conținutul filmului se scufundă adânc în subconștientul nostru. Felul în care manipulează sunetul și atmosfera este absolut incredibil și creează două ore și jumătate de neuitat și înfiorător. Lumea lui „The Shining” este minunat de întuneric, ținându-te strâns de guler în întregul său act al treilea uluitor.

67. Chinatown (1974)

Există film noir și neo-noir și chiar între cele două, stă Jake Gittes, îmbrăcat frumos cu un fedora clar pentru a complimenta acel rânjet de pe fața lui. Deși este un mare admirator al lui Polanki, există întotdeauna ceva care nu se potrivește cu produsul final al filmelor sale. În afară de Chinatown. Această capodopera fundamentală nu numai că și-a creat o identitate, dar este întotdeauna privită de cineaști care îi împrumută stilul pentru a crea o identitate pentru filmul lor. Polanski este un magician la lucru, păcălindu-ne cu piste distinse, precum și cu ritm și decor clasic noir. Dar apoi vine ultimul act din Chinatown, care descompune atât de repede fiecare convenție care a fost inițial atașată unor filme similare cu mister, rămâi cu un sentiment copleșitor de șoc și disperare. Eșecul său de a-l învinge pe Nașul II încă mă încurcă, dar după o jumătate de secol, oamenii au uitat Sicilia, dar niciodată Chinatown.

66. Tango-ul lui Satan (1994)

Mărturisirea numărul unu: Aproape că nu am văzut niciodată capodopera prodigioasă a lui Béla Tarr. S-ar putea să-și asume statutul de favorit din toate timpurile de cinefil și reputația extraordinară pe care și-a acumulat-o în cercurile caselor de artă americane și printre unii dintre cei mai informați critici de film din întreaga lume m-ar fi intrigat. Dar imensitatea duratei sale (aproximativ 432 de minute) și ritmul asemănător lorisului de care mă bucurasem atât de mult în „Werckmeister Harmonies” de Tarr păreau descurajantă. Mărturisirea numărul doi: Am văzut „Sátántangó”, pentru prima dată, dintr-o singură mișcare. Am fost hipnotizat de simțul său pragmatic al lumii reale și de simțul său răbdător și prudent al cinematografiei. A observat mai mult decât a reflectat și a contemplat mai mult decât a făcut declarații bine formate. Realismul său mitic și sumbru era prea frumos pentru a fi adevărat și mult prea brutal pentru a fi realizat cu un asemenea ochi pentru frumusețe.

Tot ce îmi doream să fac până la sfârșit era să închid toate ferestrele și să mă învălui în întuneric pentru că filmul pentru mine fusese ca nebunul ăla din biserică și plânsul lui avusese prea mult sens. Mărturisirea numărul trei: Sunt bucuros să raportez că reflecțiile sociale și politice sagace ale lui „Sátántangó” au început să-mi fie clare, pe măsură ce m-am întors la el în mod repetat. O vară petrecută devorând romanul lui László Krasznahorkai, care acționează ca material sursă pentru film, a fost una deosebit de memorabilă. Tot ce pot face acum este să sper să culeg în continuare roadele acestui fericit accident.

65. Exorcistul (1973)

„Exorcistul” al lui William Friedkin este regizat perfect. Bărbatul este renumit pentru o carieră neregulată, care vede clasicii căzând în shlock (și adesea cele două grupuri trecând pentru niște explorări fascinante ale nerușinării cinematografice). Cu cel mai bun film al său, Friedkin a decis să filmeze o dramă care se întâmplă să fie despre posesia demonică: să coase patos pentru personajele sale complexe și să traducă visceral textul autorului original William Peter Blatty, prins între credință și îndoială paralizantă. Rezultatul final al a doi artiști minunați care lucrează la vârf pentru a oferi un clasic strălucitor al cinematografiei americane: unul care eclipsează aproape fiecare film din genul său (cu excepția, poate, înfiorător de înfiorător „Wake in Fright” sau turneul fortuit al lui Tobe Hooper). -forta Masacrul cu drujba din Texas ). Pur și simplu uluitor.

64. Suspiria (1977)

Căci în visele noastre, intrăm într-o lume care este în întregime a noastră – J.K.Rowling. Și ce-ar fi dacă una dintre cele mai întortocheate minți ale cinematografiei ar decide să-și pulverizeze subconștientul pe o bucată de film. Suspiria lui Dario Argento este considerată că sfidează logica cinematografică cu povestea sa structurată ciudat. Dar cred că este o capodopera neo-expresionistă care surprinde adevărata esență a cinematografiei, care este să ne facă să ne simțim cu adevărat, cu adevărat vii. Argento înțelege valoarea spațiului și, prin urmare, arată o atenție mai mare către cinematografie și design decor, care sunt locuitorii dominanti ai filmului său. „Suspiria” nu reprezintă doar stilul lui Argento, ci și întregul horror italian, un gen picat de estetica artei.

63. A Man Escaped (1956)

Impecabil de precis și inspirator de economic, ochiul atât de rar al lui Robert Bresson a fost lovit de „A Man Escaped” din 1956. Apogeul puterilor mercuriale ale bărbatului ca regizor de film, urmărește încercările agentului francez de rezistență Fontaine de a scăpa dintr-o închisoare nazistă din ce în ce mai periculoasă și găsește sens în fiecare cadru. De la portretizarea uimitoare de umană a rolului principal de către non-actorul François Letterrier, ai cărui obraji scufundați și ochi zdrobiți exprimau atât de convingător greutatea zdrobitoare a trăirii în timp de război, până la minimalismul lui Bresson reușind să cultive o intimitate aprinsă între public și a spus disperatul. bărbat: De la POV-uri frecvente și compoziții elegante care nu s-au exagerat de tehnici, munca din jur a lui Bresson s-a înecat uneori. Nu aș tăia nici un cadru - și astfel filmul servește ca un mod absolut vital de educație pentru cineaști în devenire: A picta ceva atât de viu și dens, fără să se simtă vreodată copleșitor.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

În vremuri ca acestea, nu există un film mai bun decât „To Kill A Mockingbird” pentru a explica neo-naziștilor adevăratul sens al castei, crezului și rasei. Amplasat în cronologia unei Americi divizate rasial, un bărbat afro-american este acuzat că a încălcat modestia unei femei albe. În apogeul nedreptăților rasiale, când o instanță plină de albi îi pleacă pentru sângele lui, este de la un singur om să-și lupte cazul. Un bărbat alb, pe nume Atticus Finch. S-a luptat cu curaj pentru a prezenta faptul că toți oamenii sunt creați egali în instanța de judecată, fie ea de culoare sau nu. Eforturile sale sunt zadarnice, întrucât instanța îl declară vinovat. Dar ceea ce rămâne în urmă cu privitorul este lecția pe care Atticus Finch o inculcă copiilor săi. Adică „nu înțelegi niciodată cu adevărat o persoană până nu iei în considerare lucrurile din punctul lui de vedere”. Bazat pe bestsellerul cu același nume al lui Harper Lee, „To Kill A Mockingbird” este unul dintre cele mai grozave filme ale tuturor timpurilor.

61. Geamul din spate (1957)

Ceea ce deosebește un film thriller capodopera de apele uzate comune care se îngrămădesc în mod regulat asupra noastră, este că în acestea din urmă, răsturnările sosesc într-o clipă, bazându-se mai mult pe șocul nostru decât pe veridicitatea răsucirii pentru a avea un impact. Dar în filme precum „Featra din spate”, lucruri minuscule evidente din vremea fotografului profesionist în scaunul cu rotile L.B. Jeff Jeffries se uită pe geamul din spate, picătură cu picătură, până se inundă, făcându-l pe Jeff inofensiv să bănuiască că un bărbat care locuiește peste curte a comis o crimă. Hitchcock își folosește camera cu măiestrie ca instrumentele unui iluzionist pentru a-și menține telespectatorii încordați, păcăliți și ghicitori până la dezvăluirea uluitoare. Prin urmărirea obsesivă de către Jeff a subiectului său de interes, Hitchcock comentează erorile voyeurismului, cât de atrăgător poate fi și sumbrătatea stilului de viață urban singuratic care duce la acesta. Și mai incredibil, este la fel de mult un comentariu despre voyeurismul spectatorului ca și al lui Jeff; deoarece suntem captivați de captivarea lui Jeff. A privi când nu ești urmărit este o bucurie rea; Hitchcock o știe, o admiră și ne atrage cu ea.

60. 4 luni, 3 săptămâni și 2 zile (2007)

Unele filme te emoţionează; unele te fac să râzi; unii iti rup inima. „4 luni, 3 săptămâni și 2 zile” aparțin unei categorii speciale de filme: cele care te fac anxios și nervos. După cum ați fi ghicit, astfel de filme sunt probabil cele mai rare dintr-o rasă rară. Filmul urmărește doi prieteni care încearcă să aranjeze un avort în brutalul regim comunist Ceaușescu din România. Visceral și fără compromisuri, filmul te prinde de gât și nu te lasă niciodată să pleci. Vizionarea acestui film este ca și cum ai experimenta senzația de sfâșietor pe care o ai când aștepți nervos ca unul dintre cei dragi să iasă dintr-o sală de operație după o intervenție chirurgicală. Nu este doar cinema realist în cea mai bună formă; este, de asemenea, unul dintre cele mai schimbatoare filme pe care le veți vedea vreodată.

59. Anul trecut la Marienbad (1961)

Filmul din 1961 al lui Alan Resnais „Anul trecut la Marienbad” este cel mai aproape de a vizualiza un vis și se face într-un mod cât se poate de ciudat. Muzica care ocupă fundalul pentru cea mai mare parte a timpului de rulare funcționează ca un sedativ care pune publicul într-o stare de somnolență. În ciuda acestui fapt, este aproape imposibil să ne ținem ochii de pe ecran, pentru că se întâmplă atât de multe în întreaga imagine, deși se arată doar puțin. Îmi place să mă gândesc la „Anul trecut la Marienbad” ca un film imaginat din subconștient, datorită naturii sale repetitive și confuze. Personajele sunt confuze și în legătură cu lumea bizară în care au fost băgați. Este o piesă matură și sofisticată, iar intriga principală – care implică un bărbat și relația lui cu o femeie ciudată pe care își amintește clar că a întâlnit-o cu un an înainte, deși ea nu își amintește același lucru despre el – foarte captivantă, originală, pasionat, romantic, de vis și, desigur, genial.

58. Căpșuni sălbatice (1957)

Ai fost vreodată într-o excursie în care nu ai nimic mai bun decât să te uiți pe fereastră? Pentru o anumită perioadă de timp, te uiți la priveliștea de afară, înainte ca gândurile tale să vină repede înăuntru, iar ceea ce este afară este acum doar un șablon – nu-ți mai reține atenția. Așa se întâmplă cu Isak Borg, protagonistul piesei clasice de spirit a lui Bergman, care și-a găsit locul în nenumărate liste ale celor mai bune filme din toate timpurile, inclusiv una compilată de Stanley Kubrick în 1963. El călătorește cu nora lui pentru a primi diploma. a doctorului Jubilaris din universita sa mater. Nu-l place și plănuiește să-și părăsească fiul. Dar profesorul nostru, interpretat de genialul Victor Sjöström, nu este foarte interesat de viitor. Gândurile sale și, în consecință, filmul, catapultat de mulți oameni pe care îi întâlnește în călătoria sa, aruncă lumină doar asupra trecutului său. Văzute prin lentilele iertătoare și sigure ale lui Bergman, amintirile sale sunt simple, familiare și umane. Ei nu îi slăvesc viața și nu îi resping realizările. Sunt dezordonate, ca majoritatea ai noștri și distorsionate în mod deliberat. Când ajunge în sfârșit la locul unde i se va acorda onoarea, ne dăm seama că nu a avut niciodată nevoie de o recompensă. L-a primit deja în acele căpșuni pe care le-a adunat împreună cu iubita din copilărie, negustorul care și-a adus aminte de el, relația tulbure cu soția sa, cele bune și cele rele, cele răscumpărătoare și de neiertat. La fel și noi, sub forma acestui film misterios, inexplicabil de emoționant.

57. Regulile jocului (1939)

Comedia ingenioasă și mâcătoare a manierelor a lui Jean Renoir reușește să reziste surprinzător de bine după toți acești ani, rămânând în același timp la fel de jucăușă și bântuitoare ca întotdeauna. A fost ocolit la momentul lansării atât de critici, cât și de public, ceea ce a făcut ca Renoir să renunțe la o parte semnificativă a filmului după premiera dezastruoasă – o porțiune care a prezentat în mare parte personajul lui Octave, care a fost interpretat de Renoir însuși. Deloc surprinzător este creșterea sa în statură de atunci. Filmul, în jonglarea sa vicleană și autoritară de personaje, teme, tonuri și decor, este întotdeauna delir de distracție, dar niciodată mai puțin diligent sau mai puțin somptuos realizat decât cel mai bun film al cinematografiei mondiale din acea perioadă. Imaginile sale minuțios forjate pulsează de rafinament, dar efortul nu se vede niciodată, iar filmul te lasă cu gura căscată de mirare cât de adânc ai fost în atmosfera sa construită cu pricepere. Cinematograful Jean Bachelet și Renoir se joacă cu camera într-un mod care conferă filmului o aerisire, dar controlul lor necruțător este ceea ce îl face o aventură constant intrigantă. Dacă toate acestea nu sunt suficiente, trebuie să știți că Alain Resnais a spus odată că filmul a fost cea mai copleșitoare experiență pe care a avut-o vreodată la cinema. Ar fi greu de găsit o recomandare mai strălucitoare.

56. Al treilea om (1949)

Film-noir este un gen asociat cu filme care oferă străzi întunecate, personaje secrete, seducătoare, un sentiment de mister și alb-negru crem pentru a acoperi totul. Deși multe dintre aceste imagini sunt intrigante și oferă un timp bun, puțini încearcă ceva inovator și diferit. The Third Man este unul dintre cele mai grozave film-noir realizate vreodată, deoarece își spune povestea sa uluitoare excepțional de bine, folosind înclinări olandeze impresionante, lumină izbitoare și muzică frumoasă. Filmul are de-a face cu un bărbat și cu ancheta sa de sine stătătoare asupra uciderii prietenului său bogat din punct de vedere financiar. Intriga de Al treilea om este plin de romantism, umor negru, răsturnări de situație și suspans. În esență, filmul poate fi numit o dulce poveste de dragoste, dar cu orice altceva, această infatuare este lăsată la îndoială. Jucând un scenariu scris cu măiestrie, opera lui Carol Reed este cea care te ține la marginea scaunului tău tot drumul, de la primul său act umil și plin de inimă până la un final care poate fi cel mai inteligent final al oricărei imagini pe care o ai. voi vedea vreodată.

55. Strigăte și șoapte (1972)

Drama tragică de familie a lui Ingmar Bergman se confruntă cu o tristețe care este atât imaculat de disperată, cât și febril de urgentă. Nu este construit cu răbdare scenă cu scenă și livrat pe un platou până la sfârșit. Ești făcut să-l inspiri încă de la începutul filmului, care prezintă actorii principali și tristețea lor întărită și inflamabilă, cu prim-planuri superbe care fac ca disconfortul lor înăbușitor să fie evident. Toate acestea sunt acoperite de o multitudine neiertă de roșu, sub forma purpuriei cu care sunt pictați pereții casei în care se petrece povestea. Bergman ne face conștienți de duhoarea morții care le înconjoară pe femei cu o direcție atât de impunătoare încât o moarte reală nu este un motiv de alarmă. Dorul inerent violent al femeilor a făcut ca totul din film să fie o amintire bântuitoare, îmbibate de sânge în mintea mea. Elementele vizuale fascinante ale lui Sven Nykvist sunt temperate de scrisul subtil al lui Bergman și de spectacolele trăite cu măiestrie ale actorilor. Luminoasa Liv Ullman pare să misifice și să capteze de fiecare dată când aparatul de fotografiat este pe ea, în timp ce neîncrezătoarele Ingrid Thulin și Harriet Andersson sunt atât de neîntinate în munca lor încât se simte invaziv să intri în contact cu sentimentele lor. Bergman nu ne oferă idei clare de luat acasă, dar ne neagă toate celelalte senzații decât cele pe care le experimentează personajele sale. Ne întrebăm cât de departe merge accesul lui la emoțiile noastre și îl extinde la fiecare pas. În cele din urmă, „Cries and Whispers” nu trebuie crezut, trebuie trăit.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Poate este partitura bântuitoare a lui Morricone sau poate viziunea lui Delli Colli care este la fel de vastă ca Occidentul sau poate miezul neclintit care se agita în ochii lui Bronson și Fonda și poate este punctul culminant al tuturor acestor aspecte în aproape fiecare cadru a maestrului, Sergio Leone. . Dacă aveți nevoie de un western care să aibă atât frumusețea lui John Ford, cât și sălbăticia neiertă a lui Sam Peckinpah, atunci pur și simplu nu există nimeni apropiat de Leone. În opera sa magistrală, el realizează ceea ce i-au luat 3 filme anterior, pentru a crea o lume mistică în mijlocul neantului. Deși poate că nu există nimic spiritual la suprafață, filmul are zei. Zeii purtau coroane pline cu 10 galoane de praf de pușcă și nisip pe care le înghit cu apă. De asemenea, alegerea lui Henry Fonda ca antagonist a fost probabil decizia acelui deceniu, deoarece ochii lui albaștri înghețați nu semănau cu nimic la care Occidentul a asistat vreodată.

53. Annie Hall (1977)

Nimeni nu poate pretinde că înțelege enigma confuză și consumatoare care este dragostea ca Woody Allen. Și niciun film cu Woody Allen nu se apropie de a-l arăta în gloria sa autentică și ciudată decât această poveste a lui Alvy Singer, un comediant nevrotic și nihilist din New York care se îndrăgostește „mai mult decât îndrăgostit” de zburdalnică, zburătoare, veselă Annie Hall și apoi cade din ea. Filmul explorează, de asemenea, diferențele de gen în sexualitate prin relația lui Alvy și Annie „Yin și Yang”. Până la sfârșit, chiar și Alvy acceptă dragostea ca fiind irațională, nebună și absurdă, dar necesară în viață. Utilizarea mai multor tehnici narative inovatoare, cum ar fi ruperea improvizată a celui de-al patrulea perete, alternarea rapidă a trecutului și prezentului prin tăieturi netede, afișând în subtitrări cum se simt Alvy sau Annie în timp ce vorbesc de fapt ceva cu totul diferit și adăugarea unui „ poveste într-o poveste” ca punct culminant, ridică povestea deja captivantă. „Annie Hall” este probabil prima poveste de dragoste cu adevărat modernistă pe celuloid și a inspirat o generație de comedii romantice în locul ei. Nici unul nu este la fel de fermecător ca cel pe care încearcă să-l imite.

52. M (1931)

Apariția tehnologiei de înregistrare a vocii, un fenomen pentru care catargul a reprezentat „The Jazz Singer” din 1927, a condus la o saturație absurdă a dialogului în filme. Tehnologia a fost considerată de la sine înțeleasă ca o actualizare directă, mai degrabă decât un instrument care să fie utilizat împreună cu limbajul cinematografic stabilit. Fritz Lang, un om care și-a început cariera în cinematografia mut cu un șir de lucrări magistrale printre care Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen și excepționalul Metropolis. Migrația sa către sunet a atins apogeul în „M” din 1931 – un film care, spre deosebire de toate sursele din jur, a eliminat aproape tot zgomotul ambiental. Rezultatul este un talkie tăcut cu o atmosferă copleșitor de lipsită de viață: unul care susține atât de eficient narațiunea sa. Povestea în cauză lovește asupra unui ucigaș de copii și a incompetenței guvernării germane în a-l prinde - formându-și propria curte cangur pentru a-l pedepsi pe ucigaș. Ceea ce Lang comunică aici este de o maturitate incredibilă în mesaj: Justiția care merită să fie servită complet subminată de contextul politic al vremii - cu politica înregistrată a Partidului Național Socialist de eutanasie și idealuri din ce în ce mai violente manifestându-se ca o tumoare vicioasă pe acuzațiile oamenilor. . Performanța lui Peter Lorre, bogată în patos și umanism chinuit, ajută la ciocanul înșelăciunii profunde a lui „M” – una care rămâne nemăsurat de emoționantă și până astăzi.

51. 12 bărbați supărați (1957)

Răspunsul dacă băiatul a fost vinovat sau nu, nu vom ști niciodată. Dar un lucru pe care 12 Angry Men îl afirmă este că logica va prevala întotdeauna asupra intuiției, dacă există un om sănătos în mijlocul unei lumi de proști. Și este prostia o boală sau doar un produs secundar al ignoranței? Drama lui Sidney Lumet nu îți cere să-ți folosești creierul peste inimă, ci străduiește-te să ajungi la un punct în care poți lua o decizie, ambii lucrând în tandem. Alături de scenariul său captivant, care se află cu mândrie în curriculum-ul fiecărei școli de film din întreaga lume, camera și punerea în scenă sunt chiar dintr-un clasic japonez al noului val. Lăudându-se cu o performanță de neuitat din partea distribuției ansamblului, 12 Angry Men este un monument al cinematografiei americane.

50. Luminile orașului (1931)

Nu mulți dintre primii realizatori de film au recunoașterea și popularitatea în cultura actuală de care se bucură Chaplin. Acest lucru ar putea fi din multe motive. Filmele lui vorbesc oricui și sunt incredibil de hilare, dar mai mult decât atât, poveștile lui privesc situațiile melancolice într-o lumină plină de umor. Acesta este cazul cu ceea ce este probabil cea mai personală poză a lui, „City Lights”, care spune povestea unui vagabond și eforturile sale de a impresiona și de a ajuta o sărmană oarbă de flori. O face sub o fațadă, pretinzând că este un om bogat pentru a-i atrage atenția, dar întâmpină probleme în timp ce face acest lucru. Când un film continuă să fie la fel de amuzant și emoționant în zilele noastre ca acum peste 75 de ani, asta înseamnă de obicei că este ceva ce face bine. „City Lights” și-a lăsat amprenta asupra lumii prin reprezentarea sărăciei și a vieții în anii grei ai crizei, care este atât de bine executată și simțită încât nu reușește să emoționeze publicul, dându-i totodată speranța că un mâine mai bun.

49. Vino și vezi (1985)

A doua jumătate a unei echipe de filmare incredibil de calificate, regizorul Elem Kilmov a fost căsătorit cu Larisa Shepitko - virtuozul luminos din spatele „Wings” și „The Ascent”. Când a murit atât de trist într-un accident de mașină, Kilmov și-a terminat lucrul la proiectul ei excepțional neterminat „Adio” (care ar fi putut să ocupe cu ușurință acest loc) – și cred că ceea ce face ca acest context să fie atât de puternic este modul în care durerea bărbatului se scurge. fiecare cadru al operei sale. Cinematograful lui Kilmov fierbează de furie și disperare neexprimată: uriaș în propria sa greutate copleșitoare de emoție - și puține filme realizate vreodată au pulsat cu un sentiment la fel de puternic ca Vino sa vezi . Probabil că Cel mai bun film de război făcut vreodată, reprezentarea sa infernală a invaziei Wehrmacht a Belarusiei ecou cu explozii asurzitoare, imagini de coșmar și o lume care se scurge încet de viață - scenele sale filmate într-o lumină superbă și goală. Cu toate acestea, în toată această suferință, Kilmov își găsește calea spre înțelegere în concluzia sa transcendent matură. Poate că, în angajamentul său de a contempla tranziția vieții, își găsește în sfârșit puterea de a îngropa oasele regretatei sale soții. Se poate doar spera.

48. Al șaptelea sigiliu (1957)

De la primele imagini ale documentului iconic al lui Bergman despre credință, frică și mulțumire, există o vrajă asupra ta. Privirea crudă, granuloasă asupra mării, a coastei și asupra ei a unui cavaler curajos și întâlnirea lui fatidică cu personificarea morții definesc claritatea obiectivului filmului, chiar dacă lasă loc unei ambiguități seducătoare, aproape terifiante, care să fie prezentă în mod constant. Beneficiind de o performanță magnetică a incomparabilului Max von Sydow și a unei trupe de actori care ridică materialul uimitor al lui Bergman, bazat pe piesa sa, Wood Painting, la cote neașteptate, „The Seventh Seal” are în puținele sale 90 de minute influența unui vechi. fabulă transmisă de-a lungul generațiilor, care propulsează imaginația mult mai extinsă decât poate spera ea însăși să o conțină. Alb-negru strălucitor și clar al lui Gunnar Fischer asigură că intensitatea tulburătoare se târăște sub pielea noastră. Fluiditatea asemănătoare unui flux este rezultatul unei narațiuni desfășurate cu o încredere sublimă și o liniște tangibilă. Poate fi o poveste complet simplă, care totuși adăpostește idei valoroase în sânul ei, dar este cusută cu o țesătură atât de complicată și îndrăzneață, încât nu poți să nu te uiți la nenumărate ori pentru a se traduce într-o amintire de durată.

47. La Dolce Vita (1960)

Virtuozul cu prudență, răbdare și poetic înmuiat al lui Fellini este expus pe deplin în câștigătorul său Palme d’Or, care în glamourul său plin de suflet și umbră surprinde un mod de a trăi care pare prea evaziv și, în anumite privințe, mult prea real. Ritmul său subliniază sentimentul de lipsă de scop al protagonistului și ne obligă să ne scăldăm în aranjamentul simfonic al vibrației vieții și cât de trecător este totul. Acest protagonist este interpretat de Marcello Mastroianni, cel mai bun în carieră, care folosește acest dar al timpului pentru a-și umple ochii cu o irezistibilă oboseală a lumii. A pune la îndoială semnificația anumitor secțiuni din „La Dolce Vita” care pot părea lipsite de importanță filozofică sau relevanță narativă înseamnă a respinge posibilitatea de a lăsa detaliile picante să te cuprindă și apoi să contemplați consecințele. Pe măsură ce partitura cerească a lui Nino Rota ne poartă în lumea amețitoare a Romei, așa cum este văzută prin ochiul iluzoriu al lui Fellini, vezi doar ceea ce vrea el să vezi și devine rapid ceea ce vrei să vezi și tu.

46. ​​Psycho (1960)

Ființele umane, în cel mai bun caz, pot fi descrise drept particularități. Mintea umană, care este capabilă de multe lucruri uimitoare, este, de asemenea, capabilă să se degenereze până la dincolo de înțelegere. „Psycho” al lui Alfred Hitchcock nu are nevoie de prezentări, deoarece ține capul sus, în mijlocul cinematografelor atemporale. Pe lângă faptul că este un clasic, este și un comentariu trist despre morala eșuată a ființelor umane. Și nu este Norman Bates, ține cont! Strângerea caustică a doamnei Bates, care a pus viața lui Norman într-o stare de slăbire chiar în copilărie și, în cele din urmă, la maturitate, este o reamintire a modului în care dragostea poate fi sufocatoare. Faimos, domnul Hitchcock a adoptat politici ciudate pentru „Psycho”, care includea să nu permită participanților târzii să intre în film. A fost adoptat pentru a asigura dreptatea deplină scenei de apogeu pulsatoriu a filmului. Un thriller până la cea mai adevărată formă, „Psycho” este povestea unui fiu, a mamei lui și a legăturii lor nesănătoase de posesivitate. Hitchcock a fost atât de înverșunat în privința finalului, încât a promovat filmul cu acest slogan – Nu dați sfârșitul – Este singurul pe care îl avem!

45. Solaris (1972)

„Solaris” a lui Tarkovsky este destul de asemănător cu fenomenele descrise în film. De la a mă încurca cu conceptul său adânc înrădăcinat, până la a evolua într-o entitate de care nu mă pot despărți, este o experiență care mă face să mă întreb despre natura ignorantă a fiecărei molecule care constituie universul. Poate că suntem conștienți de dimensiunile științifice, dar poate vreun instrument să calculeze cantitatea de dragoste sau tristețe pe care o deține într-o nanogramă a inimii? Poate cineva să găsească celula creierului în care se află o amintire de neuitat? De la muzica fascinantă a lui Bach în secvența de deschidere până la scena perenă a autostrăzii, utilizarea timpului de către Tarkovski pentru a detașa privitorul de funcționarea unei lumi normale este magistrală. Solaris este un tărâm în care emoțiile te trimit să te învârți cu nebunie, dar care nu s-ar emoționa atunci când nebunia este frumoasă la atingere și suficient de viscerală pentru a te absolvi de sinele tău.

44. Lista lui Schindler (1993)

Un film important care beneficiază foarte mult de flerul lui Spielberg pentru dramatic, este o experiență la fel de tulburătoare și sensibilă în sine. Filmul este, la fel ca mulți alții de pe această listă, un masterclass în ceva ce îmi place să numesc povestiri simpliste, de impact. Narațiunea îl urmărește pe Oskar Schindler, un om de afaceri german care a salvat viețile a peste o mie de evrei angajându-i în fabricile sale în timpul Holocaustului. Toți cei trei protagonisti, Liam Neeson în rolul lui Oskar Schindler, Ralph Fiennes în rolul lui Amon Goth și Ben Kingsley în rolul lui Itzhak Stern sunt într-o formă grozavă, oferind cea mai sinceră interpretare. O scenă în special spre sfârșitul filmului, în care Schindler se defectează luând în considerare câte vieți ar fi putut salva, este profund mișcătoare și rămâne gravată în mintea mea ca una dintre cele mai puternice scene de redare a inimii din cinema. Faptul că filmul a fost filmat în alb-negru, cu o utilizare rară, ocazională, a culorii pentru a simboliza sau evidenția un element de importanță, sporește experiența. Cu ușurință, cel mai bun film al lui Spielberg, rămâne o experiență esențială de vizionare a filmului.

43. Lawrence al Arabiei (1962)

Cinematograful ca mediu devine tot mai măreț. Cu o tehnologie de ultimă oră la dispoziția lor, realizatorii de film de astăzi ne oferă câteva experiențe cinematografice viscerale. Dar există unele filme făcute înainte ca CGI să fie în vogă, a căror scară pură și monumentală nu și-a găsit un egal. Drama istorică epică a lui David Lean, bazată pe viața lui T. E. Lawrence , una dintre cele mai renumite figuri ale Marii Britanii, este un astfel de film. Are rolul lui Pater O’Toole în rolul lui Lawrence și povestește aventurile sale din Peninsula Arabă în timpul Primului Război Mondial. Chiar de la început, David Lean pictează o imagine în mișcare strălucitoare a deșertului infinit în toată gloria sa, ajutat de directorul de fotografie Freddie Young și de o partitură captivantă de Maurice Jarre. Dar nu sacrifică în niciun fel emoția pentru extravaganță. În esență, „Lawrence of Arabia” este un studiu uimitor al personajului lui Lawrence – luptele sale emoționale cu violența personală inerentă războiului, propria sa identitate și loialitatea sa împărțită între Marea Britanie natală și armata ei și tovarășii săi recent găsiți în interiorul său. triburile deșertului arabe. Această calitate sănătoasă face din „Lawrence Of Arabia” unul dintre cele mai influente filme care au existat vreodată.

42. Căutătorii (1956)

Probabil cel mai grozav western realizat vreodată, cel mai bun film din marea carieră a lui John Ford, „The Searchers” este un clasic american, printre cele mai bune filme apărute din anii cincizeci. Deși admirat și respectat la acea vreme, puterea sa sfâșietoare și uluitoare nu a fost recunoscută de câțiva ani, dar la începutul anilor șaptezeci, a fost salutat ca un clasic al genului și poate cel mai bun western făcut vreodată. Cu siguranță, timpul a erodat o parte din puterea filmului, dar nu acea performanță impresionantă și furioasă a lui Wayne și nici rasismul din film care alimentează furia și furia. Narațiunea motrice a filmului, Ethan și căutarea lui este atemporală, la fel de puternică astăzi ca și atunci, poate mai mult pentru că atât de multe dintre punctele subtile ale poveștii sunt acum clare.

41. Pather Panchali (1955)

Filmul care a adus cinematograful indian în lume și ia dat cinematografiei unul dintre cei mai buni autori, Satyajit Ray. Bazat pe romanul lui Bibhutibhusan Bandopadhay, „Pather Panchali” spune povestea unei familii sărace, care încearcă să prospere prin multe adversități ale vieții. Se poate argumenta că romantizează sărăcia, întrucât spectatorul este martor la numeroasele încercări cu care se confruntă familia, câștigându-și mijloacele de existență. Cu toate acestea, momentele, intercalate cu muzica maestrului Ravi Shankar, sunt cele care rămân cu privitorul. Relația afectuoasă dintre Appu și sora ei Durga, secvența trenului, care este unul dintre cele mai importante momente ale filmului, duce filmul la un nivel cu totul diferit. „Pather Panchali” de-a lungul anilor a devenit unul dintre filmele de cult și apare în mod regulat în listele cu cele mai bune filme din toate timpurile, și pe merit.

40. Casablanca (1942)

Filmul clasic american prin excelență. Poate că există ceva atât de molipsitor în farmecul său încât încă te îndrăgostești de el, chiar și în toți acești ani de acum încolo. Pe lângă factorul său imens de re-vizionare, scorul său memorabil (As Time Goes By!) și dialogul extrem de citabil reprezintă un caz puternic. Pur și simplu, este un răsfăț când toate elementele unei experiențe cinematografice grozave sunt prezente în cantitățile potrivite!

Povestea este cel puțin simplă, aproape de banal uneori. Un bărbat cinic, cu inima zdrobită, care conduce cel mai faimos club de noapte din Casablanca, se trezește la răscruce de drumuri când doamna pe care a iubit-o apare alături de soțul ei. Dispozitivele complotului de aici sunt faimoasele scrisori de tranzit, dar povestea este în mod clar despre cei doi îndrăgostiți plasați pe fundalul etapelor incipiente ale celui de-al Doilea Război Mondial și decizia grea cu care se confruntă personajul lui Bogart, de a rămâne sau de a renunța. Cu toate acestea, ca și în cazul multor filme din acest gen, execuția face treaba, transformând „Casablanca” într-una dintre cele mai convingătoare drame romantice din toate timpurile, care este, de asemenea, incredibil de bine jucată; Humphrey Bogart și Ingrid Bergman sunt de top și sunt susținuți cu pricepere de jucători precum Paul Henreid, Claude Rains și Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Când privim cinematograful ca formă de artă, nu se poate nega perfecțiunea lui Barry Lyndon, de la o cinematografie frumoasă, decoruri fascinante, muzică remarcabilă până la regie puternică. Ca o poveste, vorbește despre viața unui tânăr în Europa secolului al XVIII-lea, în timp ce urca treptele către aristocrație, doar pentru a fi condus înapoi în jos de nenorocirea sa. Poza are în sine unele dintre cele mai grozave scene filmate vreodată, folosind lumini, culori, trăsături fizice, etc. acest film a făcut folosind un narator nesigur. Este rece și îndepărtat, rareori dând publicului șansa de a simți protagonistul. Din această perspectivă, Barry Lyndon este un studiu de caracter generos, cu personaje bogate, o notă realistă și un mod poetic de a comunica emoția. Pur și simplu este cinema la maxim.

38. Generalul

Unul dintre cele mai vechi titluri de pe listă, „Generalul” servește ca o reamintire a faptului că multe capodopere moderne de acțiune se află într-o umbră foarte lungă, proiectată de nimeni altul decât geniul comediei tăcute Buster Keaton. Dispunând de o operă la fel de impresionantă ca chiar și Charlie Chaplin, iubitorul vagabond al artistului din urmă schimbă locuri cu o cavalcadă de personaje încântătoare de prost în cazul lui Keaton; totul înconjurat de inchizitivitate cinematografică care a întins granițele mediului în filme precum Sherlock Jr. și Cameramanul. Toate acestea fără să menționăm măcar opera sa magistrală, The General din 1927: în urma unui inginer confederat care se grăbea să-și avertizeze partea cu privire la avansarea trupelor Uniunii în timpul Războiului Civil American. Narațiunea sa formează un șablon pentru recentul „Mad Max: Fury Road” al lui George Miller și pentru aproape fiecare film cu pisici și șoareci realizat vreodată, dând rezistență cu comedia sa hilară, efectele speciale impresionante și cascadorii cu bravado care îl vede pe Keaton punându-și viața mai mult în pericol. decât o dată pentru adularea publicului său iubitor. Generalul rămâne unul dintre, dacă nu cel mai bun film de acțiune realizat vreodată – unul care se distrează cu fiecare gram din ființa sa și reușește să evoce cât mai multe momente de amploare epică superb gestionate pentru a rivaliza cu orice distracție încărcată de CG făcută astăzi.

37. Blow Up (1966)

Timpul ? Anii șaizeci swinging. Locul? Londra. Orașul care orbiește și uimește. Vibrant și plin de farmec. Sex, droguri si Rock'N Roll. Una peste alta, o zi din viața lui Thomas, un fotograf de modă care trăiește o viață de, ei bine, să spunem o moralitate îndoielnică. Într-o zi plină de evenimente, în timp ce parcurge fotografiile unui cuplu pe care le-a surprins mai degrabă pe furiș într-un parc, descoperă un cadavru în el. Merge în același loc și găsește că trupul este bărbatul din cuplu. Speriat, se întoarce în studioul său pentru a găsi că acesta este jefuit, dar cu o fotografie rămasă, cea a cadavrului. A doua zi, corpul dispare. Cine l-a ucis? Și de ce a dispărut cadavrul? De ce Thomas a simțit că este urmărit? „Blow Up” este actul de clasă al regizorului Michelangelo Antonioni care a inspirat mulți regizori de-a lungul anilor, inclusiv Brian De Palma și Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Epifania amețitoare și suprarealistă a iubirii și sfâșierii inimii nu a fost niciodată explorată în modul și în gradul de succes cu care o face „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Luxuriant, cu imagini frumoase și o partitură inventive, asemănătoare cu coloana sonoră a epocii tăcute, este imposibil să explic totul despre „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Fără îndoială, filmul este stratificat cu o narațiune dificil de urmărit – deși, de fapt, este simplu odată ce începi să urmărești – este unul dintre acele filme care este foarte plină de satisfacții pur și simplu pentru că nu te poți împiedica să te leșini de conceptul extrem de atent și profund emoționant. film care este. Dar adevărata vedetă a spectacolului este scriitorul său, Charlie Kaufman , care, sub forma „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, ar fi putut foarte bine să fi scris cel mai profund scenariu din istoria cinematografiei. Un film care nu este doar unic în felul său, ci și re-vizionat la nesfârșit, cu ceva nou de găsit în fiecare vizionare.

35. Taxi Driver (1976)

În „Taxi Driver”, Martin Scorsese ne oferă în Travis Bickle unul dintre cei mai tulburați, mai puțin probabil, dar capricios protagoniști ai vremurilor noastre. Filmul îl urmărește în timp ce devine șofer de taxi pentru a-și face față insomniei și îl urmărește cum este depășit încet de toată nebunia din orașul din jurul lui. Adevăratul mod în care Taxi Driver câștigă ca film este modul în care reușește să se strecoare spre tine, făcându-și încet drum prin nenorocirea și groaza care pare să-l ofenseze pe Travis Bickle. Prin asta, își câștigă pe bună dreptate distincția ca un thriller psihologic mai mult decât o dramă, lucrând adesea la mai multe niveluri decât pur și simplu două. Filmul poate fi un ceas deranjant pentru unii, din cauza subiectului său întunecat, a unui tratament și mai întunecat și a unui pumn de violență, dar pentru spectatorii care doresc să privească dincolo, este o încercare genială de a înțelege partea din film. psihicul uman care se trage cel mai adesea sub forma de vigilantism. Adică, cine nu gândește să se ridice la incorectitudinea timpurilor noastre și să o dea înapoi? Este acea fantezie adânc înrădăcinată de împlinire a dorințelor cu care „Taxi Driver” o joacă într-un mod extrem de eficient. Filmul este acum considerat unul dintre cele mai importante filme realizate vreodată și a introdus lumea în forța care a fost Scorsese.

34. Căile gloriei (1957)

Înainte ca Stanley Kubrick să continue să exploreze aspectele inexplicabile ale societății care nu numai că au depășit timpul, ci și așteptările telespectatorilor de la ei înșiși, el a realizat această piesă de război captivantă pe care o clasific alături de „Vino și vezi”. Spre deosebire de acesta din urmă, Paths of Glory extrage interpretarea sfâșietoare a WW din aceeași superficialitate a umanității, care a dominat ultimele lucrări ale lui Kubrick. În lumea lui Kubrick, demonii nu sunt acoperiți cu sânge și noroi, ci cu medalii și mândrie, iar iadul se adâncește în cel mai sacru dintre locuri, curtea. Într-o perioadă în care industria adoptase banda atractivă 3, monocromul lui Kubrick a pictat războiul cu o singură nuanță. Cadavrele, zdrențe, barăcile, fumul, cenușa, totul camuflat cu vederea comună a agoniei dureroase.

33. Trei culori: roșu (1994)

Cea mai tristă parte a dispariției unui artist este atunci când crezi că lucrarea lor finală se întâmplă să fie cea mai mare din toate timpurile. Acesta a fost cazul autorului polonez Krzysztof Kieslowski și ultimul său film „Roșu”. Kieslowski și-a anunțat deja retragerea din regie după premiera filmului la Cannes în 1994, dar dispariția sa tragică la aproape doi ani după ce și-a anunțat retragerea este ceea ce o face și mai profund tristă. „Roșu” este ultima parte din foarte apreciata sa trilogie „Trei culori” și este despre o tânără care dă peste un bătrân după ce îi lovește accidental câinele cu mașina ei. Bătrânul este un judecător pensionar, detașat de viață și de orice fel de emoții și își petrece timpul spionând alți oameni. Între cei doi se dezvoltă o legătură puțin probabilă, cu subtilități romantice. „Roșu” este despre șansele și coincidențele care ne lovesc zilnic și despre eșecul nostru de a recunoaște frumusețea și semnificația acestora. Există un sentiment inexplicabil de melancolie care se întinde pe tot parcursul filmului despre tragedia destinului uman și a timpului și despre modul în care noi, ca oameni din lume, suntem cu toții conectați într-un fel sau altul. „Roșu” este o performanță uimitoare în realizarea de filme și este pur și simplu unul dintre cele mai grozave filme realizate vreodată.

32. Comoara din Sierra Madre (1948)

După cum sugerează și numele, asociem adesea vânătoarea de comori cu aventura pulsatorie și adrenalina asociată cu aceasta. Dar există foarte puține povești care vorbesc despre emoțiile pe care le suferă oamenii în timp ce se îmbarcă într-o călătorie pentru a obține acel aur. Se spune adesea că adversitatea îți scoate în evidență adevăratul caracter. „The Treasure of Sierra Madre” spune o poveste în care pofta de aur aduce schimbări neplăcute în personaje, ducând în cele din urmă la dezolarea lor individuală. În timp ce accentul se pune pe lăcomia care corupă conștiința, studiul caracterului uman în situații adverse rămâne cu privitorul. O poveste tragică despre lăcomie și trădare, acest film a câștigat premiul Academiei pentru cel mai bun regizor, cel mai bun scenariu adaptat și cel mai bun actor în rol secundar. De-a lungul anilor, acesta a devenit un clasic de cult pentru iubitorii de cinema de pe tot globul.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, un termen care se desemnează revistelor sau cărților care evidențiază în primul rând violența, sexul și criminalitatea. Aceste elemente au făcut ca revistele să se vândă ca niște clătite fierbinți. Tarantino a luat aceste elemente, le-a amestecat în jurul a trei povești și a creat o narațiune care nu a fost mai puțin decât un geniu cinematografic. Unul dintre cele mai unice filme de cultură pop care au fost făcute, spectatorul este introdus în lumea asasinului mafiot Vincent Vega, partenerul său în crimă și gura motorului Jules Winnfield, soția gangsterului Mia Wallace, boxerul Butch Coolidge și este uluit de tratarea sa elegantă a criminalității și violenței. Unul dintre cele mai importante aspecte ale filmului care a contribuit la succesul său a fost interpretarea lui Samuel L Jackson. În calitate de asasinul Jules Winnfield, care citează versetele din Biblie ca șiruri, a fost fenomenal. Unul dintre cele mai mari filme ale acestei epoci, „Pulp Fiction” a devenit un manual pentru cineaști aspiranți din întreaga lume.

30. Bătălia de la Alger (1966)

Puține filme și-au exercitat povara politicii într-un mod care să le îmbogățească efectul cinematografic, dar lăsați-l pe numele smecherului maestru italian Gillo Pontecorvo să preia punctul de aprindere încă fierbinte al opresiunii coloniale franceze de la sfârșitul anilor 50 asupra poporului algerian și să-l transforme în ceva. cu totul convingătoare. Paralelele încă previzate observarea admirabil de neutră de către Pontecorvo a terorii și a terorismului comis de ambele părți face astăzi trăirea „Bătăliei de la Alger” o provocare intelectuală fascinantă pentru înțelegerea noastră a războiului alb-negru, în același timp cu răceala în țeapă a lui Miklós. Filmografia de neșters a lui Jancsó. Mai mult decât atât, tehnicile sale de editare a știrilor sunt un reper în comunicarea cinematografică și, în mintea mea, a folosit mult mai puternic tehnicile de tăiere frenetice ale Nouvelle Vague decât multe dintre catargurile sale exploratorii. Odată văzută, niciodată uitată - „Bătălia de la Alger” este pur și simplu o piesă fundamentală a cinematografiei mondiale.

29. Goodfellas (1990)

Este visul unui regizor să creeze un film de epocă pentru perioada în care este realizat. Dar pentru Martin Scorsese, este un obicei. Pentru fiecare deceniu în care a fost A-Lister, a realizat un film considerat a fi printre cele mai mari ale perioadei. A făcut „Taxi Driver” în anii 1970, „Raging Bull” în anii 1980, „Goodfellas” în anii 1990, „The Departed” în anii 2000 și „The Wolf Of Wall Street” în anii 2010. Și drama cu gangsteri din 1990, bazată pe povestea adevărată a asociatului mafiot Henry Hill, a devenit unul dintre reperele genului. Filmul, povestit la persoana întâi de Hill, prezintă ascensiunea și căderea lui ca parte a mafiei din New York din 1955 până în 1980. Spre deosebire de toată extravaganța gangsterilor din „Nașul” sau „Scarface”, „Goodfellas” se ocupă de detalii autentice ale vieții cotidiene de gangsteri, concentrându-se atât pe relația lui Hill cu soția sa Karen, cât și pe isprăvile sale cu colegii săi de bandă. Dar Scorsese folosește toate săgețile din tolba lui de trucuri pentru a face această aventură ademenitoare, cum ar fi această fotografie legendară de urmărire lungă , un dialog memorabil și un act exploziv al lui Joe Pesci în rolul lui Tommy DeVito, asociatul furtunos al lui Hill. Când vine vorba de genul criminal, „Goodfellas” este la fel de bun.

28. Taur furios (1980)

Martin Scorsese este cunoscut pentru că înfățișează în filmele sale povești cu protagoniști sparți, defecte, adesea autodistructivi. Și a cercetat adesea analele istoriei pentru a-și găsi eroii căzuți în poveștile adevărate. „Raging Bull” este povestea de viață a legendarului boxer Jake LaMotta, a cărui furie autodistructivă și obsesivă, gelozie sexuală și apetit animal, care l-au făcut campion în ring, i-au distrus relația cu soția și familia sa. Filmul este filmat în întregime în alb-negru, pentru a portretiza cu adevărat epoca în care a fost plasat și starea de spirit întunecată și deprimantă pe care a definit-o. Scorsese se aștepta ca acesta să fie proiectul lui final. Astfel, el a fost minuțios de exigent în realizarea filmului. La fel de dedicat a fost și Robert De Niro, care joacă rolul titular. El a luat 60 de lire sterline și s-a antrenat efectiv ca boxer. El îmbiba manierismele scurt-contopite ale lui LaMotta cu o perfecțiune de foc, în timp ce se scufundă complet în personaj. A primit un meritat pentru necazurile sale. Acesta este cel mai mare triumf al lui Scorsese-De Niro. Un opus intens și puternic.

27. Nașul: partea a II-a (1974)

În istoria celei de-a doua tranșe, puține filme s-au cunoscut să fie la înălțimea primei, lasă-le în pace să le depășească în unele aspecte. Dacă se face o listă care să includă astfel de filme, „Nașul: Partea II” va fi bijuteria sa de vârf. A fi la înălțimea moștenirii primului a fost o sarcină uriașă în sine, dar această continuare a sagăi „Nașul” nu numai că a reușit în asta, ci și-a extins și moștenirea pentru a deveni parte din cea mai mare poveste americană despre crima organizată spusă vreodată. Filmul prezintă două narațiuni paralele; unul se ocupă de Michael Corleone ca noul șef al „afacerii de familie” Corleone, al doilea prezintă un excelent Robert De Niro ca tânăr Vito Corleone și ascensiunea lui la putere. Cele două povești sunt țesute cu pricepere, oferind o narațiune ademenitoare care nu slăbește strânsoarea privitorului o dată. Al Pacino face unele dintre cele mai bune lucrări ale sale aici, privirea lui nou-găsită practic mestecând peisajul de fiecare dată când apare pe ecran. Unul dintre acele filme aproape perfecte care pot fi vizionate indiferent de timp, loc și ultima ta vizionare, iar tu ajungi în continuare într-o supunere totală și uimire față de el. Dacă partea I este sfântul altar, partea a II-a este pâinea și vinul.

26. O portocală mecanică (1971)

Primul lucru care probabil îmi vine în minte când i se cere să descrie acest film într-un singur cuvânt este „deranjant”. Singurul film de pe listă pe care îndrăznesc să-l revăd, m-am surprins tresărind de mai multe ori în timp ce priveam acest film. „A Clockwork Orange” este un comentariu social în cea mai mare măsură, oferind imagini clare din care s-ar putea să nu-ți mai revii niciodată. Este întuneric, este întortocheat și nu oferă răscumpărare celor care îl caută într-un film cu probabil cea mai sumbră interpretare a unei distopie în termeni societali. Și în asta, cred, stă succesul filmului în a transmite un mesaj tulburător acasă. Neconvențional în orice fel vă puteți imagina, ne oferă protagoniști care sunt răutăcioși până la miez și se complac în acte de ultraviolență și viol; comentează starea socio-politică a lucrurilor în cel mai dur mod pe care ți-l poți imagina, te pune într-o stare de confuzie pe măsură ce Alex DeLarge (interpretat de un carismatic Malcolm McDowell) este supus unor moduri inumane de recondiționare și termină lăsând publicul într-un Farrago de toate lucrurile pe care această experiență tulburătoare te face să simți dintr-o dată. Într-adevăr, o lucrare de proporții kubrickiene.

25. Vertij (1958)

Povestea lui „Vertigo” este așa – fostul detectiv Scotty (James Stewart) suferă de acrofobie din cauza unui incident care s-a întâmplat în îndeplinirea datoriei. El este abordat de un vechi prieten pentru a fi cu ochii pe soția sa, Madeleine, despre care crede că este posedată. Inițial sceptică, Scottie devine în curând obsedată în mod autodistructiv de domnișoara drăguță, care pare să fie mult mai mult decât lasă ea. Strălucirea lui Alfred Hitchcock constă în faptul că cele mai mari filme ale sale, incitante de vizionat prima dată, par să deschidă un nou strat de înțelegere privitorului la fiecare privire succesivă. Sigur, la o privire superficială, „Vertigo; este un mister de crimă psihologică bine conceput. Dar pe măsură ce îl priviți iar și iar, temele sale de agresiune masculină și de construcție a imaginii feminine în mintea unui bărbat încep să se dezvolte ca o cutie infinită și să vă cuprindă. Probabil cel mai fin film de îmbătrânire realizat vreodată, strălucirea de ardere lentă a lui Vertigo este mărturisită de faptul că, la deschiderea unor recenzii mixte, filmul este considerat pe scară largă drept unul dintre cele mai grozave filme realizate vreodată. O capodopera de la maestrul thrillerelor.

24. Hiroshima, dragostea mea (1959)

Născut din mintea vizionarului francez Alain Resnais, „Hiroshima mon amour” este un film care plânge de o putere transcendentală. Povestea timpului s-a împletit cu memoria și cu cicatricile ambelor care au avut loc la Hiroshima în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, spuse prin intermediul a doi oameni - unul francez, unul japonez - în timp ce încearcă să pună laolaltă mesajul predominant al devastării provocate acolo. Doar că nu există nimic de câștigat, intelectual sau emoțional, dintr-o asemenea prostie. Este o lucrare plină de durere internațională, care ajunge mai departe decât conflictul în sine și până la adevărurile și represiunile care bântuie ființele umane în fiecare zi. Prin reverberațiile exploziei atomice, găsim o mică parte din ceea ce este atât de greșit cu noi înșine. Faptul că Resnais pur și simplu înțelege această confuzie de neatins, mai degrabă decât să încerce să o repare, este ceea ce face din „Hiroshima mon amour” una dintre marile capodopere ale cinematografiei.

23. La întâmplare Balthazar (1966)

Capodopera dezolantă a lui Robert Bresson este un exercițiu de simțire. Se îndepărtează de a defini un protagonist clar sau o temă centrală, dacă nu iei în calcul forța miraculoasă a naturii care este Balthazar și dacă iei filmul pe față, nu o faci. Dar dacă îi permiți să fie punctul tău de acces la peisajul emoțional și tematic al filmului, este greu să te întorci din el fără răsplată. Stilul vizual deosebit, suplu și cool al lui Balthazar pare aproape plin de farmec în retrospectivă; fragilitatea ei calmoasă învăluită într-un sentiment de control resemnat și deosebit de înțelept. Chiar și onestitatea ei palpabilă ascunde un efort studiat de a se reține puțin, de a hrăni în simplitatea sa de decor și de caracter o bogăție lăsată publicului să o descopere și, în unele cazuri uluitoare, să-și imagineze. Deoarece actorii vorbesc atât de puțin despre situația lor dificilă, experimentăm actele aleatorii și nerezonabile de cruzime și simțim tristețea înăbușitoare. pentru lor. Într-o formă în care chiar și cei mai realizați artiști nu urmăresc decât să întărească simțurile spectatorilor conformându-se celor încercate și testate, imaginile lui Bresson mi-au oferit un șablon liric pe care să-mi întemeiez amploarea compasiunii, chiar și să evaluez cât de conștientă este compasiunea. .

Toate acestea mă readuc la gândul meu inițial. Atribuirea unei semnificații fiecărui moment din „Balthazar” nu depinde de faptul dacă presupunem că conținutul său este alegorii de natură socială sau chiar politică, ci de modul în care acestea ne fac. simt savurând complexitatea și liniștea lor, în loc să se bazeze pe expunerea fără minte la care apelează majoritatea filmelor. Este perfect logic, așadar, ca protagonistul să fie măgarul omonim.

22. Andrei Rublev (1966)

Cred că „Andrei Rublev” este cel mai mare exemplu al conceptului de sculptură în timp al autorului rus Andrei Tarkovski. O mare parte din ultima sa lucrare a fost abstractă, deoarece s-a ocupat de teme incredibil de personale și de vizualizare, care a fost împrăștiată de-a lungul perioadelor de timp. Cu „Andrei Rublev”, Tarkovski a surprins timpul însuși și apoi l-a mângâiat cu cele mai profunde nuanțe ale sufletului unui artist. Tarkovsky este, probabil, singurul regizor care ar putea atinge cea mai mare realizare în a descrie represiunea unui artist. El explorează regimurile opresive ale Rusiei, care sunt la fel de indigene țării, precum literatura sa profundă, care a pus sub semnul întrebării cele mai convingătoare întrebări referitoare la spiritual și metafizic. Multe dintre trăsăturile ulterioare ale lui Tarkovsky, inclusiv filmarea fluxului naturii, pot fi observate în călătoria lui Andrei Rublev. Este un film care te filmează, te zdrobește și te pune pe gânduri – atât în ​​timpul filmului, cât și mult după ce s-au difuzat creditele.

21. Aventura (1960)

Cum te simți în legătură cu un mister nerezolvat? Sau o poveste neterminată? Cauți închiderea căutând-o cu disperare? Sau accepti faptele si apoi mergi mai departe? Nu asta înseamnă viața? Compromis și merge mai departe? Filmul care a adus recunoașterea lui Michelangelo Antonioni în întreaga lume, „L’Avventura” este povestea unei tinere femei care dispare, în timpul unei călătorii cu yachting pe coasta Siciliei. Căutarea ei, o aduce împreună pe fostul ei iubit și pe cel mai bun prieten și începe o relație tulburătoare. În timp ce povestea este țesută în jurul căutării unei femei dispărute, adevăratul ei scop este de a construi o narațiune, fără a fi centrată în jurul unui eveniment major și totuși să poată captiva publicul. Adevăratele motive ale personajelor centrale nu sunt niciodată explicate pe deplin și, pe măsură ce filmul se termină, spectatorul este forțat să accepte că unele evenimente rămân neexplicate, la fel ca viața. O capodopera incontestabila!

20. Breathless (1960)

Cu mult înainte ca Quentin Tarantino să-și dea drumul spre scena indie americană cu abordarea sa neobișnuită a filmului, care a sporit accentul pe stil în detrimentul substanței, a existat un bărbat pe nume Jean Luc-Godard care a preluat fără teamă gramaticile cinematografice tradiționale și le-a rupt nesăbuit. jos, redefinind și modelând filmele așa cum le vedem astăzi cu un film numit „Breathless”. Poate că niciun alt film nu a reușit să surprindă nebunia trecătoare a tinereții într-un mod în care „Breathless” o face cu energia sa nesăbuită și atmosfera îmbătătoare. Folosirea ciudată a tăierilor de sărituri exaltă nebunia inerentă a premisei, deoarece Godard vă îndepărtează cu înverșunare de personajele sale, cerându-vă să vă concentrați asupra aspectelor fragmentate ale poveștii în loc de povestea în ansamblu. „Breathless” este unul dintre cele mai importante debuturi cinematografice din istoria cinematografiei și, deși continuă să polarizeze cinefilii și criticii, nu se poate nega influența pe care o are asupra cinematografiei moderne.

19. Seven Samurai (1958)

Akira Kurosawa este unul dintre cei mai originali, influenți și cunoscuți regizori care au trăit vreodată. Roger Ebert a spus odată despre Kurosawa. S-ar putea argumenta că acest cel mai mare dintre regizori a dat locuri de muncă eroilor de acțiune în următorii cincizeci de ani și nu ar fi putut fi mai adevărat. „A Fistful Of Dollars” al lui Sergeo Leone, despre care se spune că a dat naștere genului Spaghetti Western, a fost inspirat din „Yojmbo” al lui Kurosawa. De asemenea, intrarea noastră actuală este o cotitură tehnică și creativă și a inspirat nenumărate repovestiri directe, precum și multe elemente vizuale în cinematografia modernă . Drama epică prezintă povestea celor șapte ronin (samurai fără stăpân) care iau armele pentru a apăra o civilizație săracă, care nu mai are un loc pentru ei, de atacurile bandiților din Japonia din secolul al XVI-lea, care culminează cu o bătălie aprigă. Dar strălucirea „Seven Samurai” constă în faptul că spune o serie de povești bine concepute, care variază între genuri, în cadrul dramei principale. Pe tot filmul sunt prezente elemente de acțiune, aventură, romantism și majoritate. De asemenea, constă din personaje la fel de bogat dezvoltate ca o friptură rară, care mai târziu avea să devină elemente de bază ale mai multor genuri. Cu adevărat o operă de artă inspirațională.

18. Arborele vieții (2010)

„Arborele vieții” este cea mai înaltă formă de cinema: pur și simplu nu spune o poveste, ci își propune să-ți schimbe viața. Este un film care va avea nevoie de timp pentru a crește asupra ta și, atunci când o va face, îți va fi greu să nu te gândești constant la el. Un poem cinematografic de o amploare și o ambiție extraordinare, „Arborele vieții” nu cere doar publicului să observe, ci și să reflecte și să simtă. Cel mai simplu, este o poveste a călătoriei de a se regăsi pe sine. Cel mai complex, este o meditație asupra vieții umane și a locului nostru în marea schemă a lucrurilor. Nu contează în ce credință crezi sau dacă crezi într-o entitate superioară. Adevăratul sentiment de uimire din film provine din magia care este viața însăși. Cel mai frumos aspect al filmului este că se îmbunătățește cu timpul, ca un vin bun.

17. Close Up (1990)

Regatul mare autor iranian Abbas Kiarostami a văzut adesea frumusețea și poezia în episoadele cele mai absurd de banale ale vieții umane. Cu intrigi înșelător de simple și decoruri naturaliste, Kiarostami a explorat teme universale care au depășit fără întreruperi barierele culturale datorită tipului de umanitate în care era în mod inerent învăluit cinematograful său. „Close Up” este, fără îndoială, cea mai realizată lucrare a sa și una dintre cele mai originale și inventive lucrări. de artă cinematografică produsă vreodată. Filmul ia forma unei docu-ficțiune pentru a cronica procesul din viața reală a unui bărbat care s-a uzurpat pe regizorul iranian Mohsen Makhmalbaf. Distribuția include oameni care au fost de fapt implicați în proces, jucându-se pe ei înșiși în film. „Close Up” este o explorare uluitoare a identității umane văzută prin ochii unui bărbat obișnuit care se luptă să se descurce cu el însuși și cu viața lui și, din tristețe disperată și dragoste autentică pentru arta cinematografică, el intră în pielea idolului său pentru știi cum e să fii cu adevărat în viață, admirat și respectat. Acesta este un film de cel mai înalt nivel.

16. Jeanne Dielman, 23 de ani, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Acest lungmetraj de avangardă franceză, cu Delphine Seyrig în rolul principal, nu este o simplă experiență cinematografică. Este mai aproape de un exercițiu – un test și te afectează în moduri pe care puține alte filme le-au făcut înainte sau de după. Piesa independentă se concentrează pe trei zile din viața unei gospodine singuratice și tulburi, în timp ce ea își parcurge programul strict plin de treburi casnice banale. Ea este o mamă și o văduvă care face sex pentru domni seara pentru a-și câștiga existența. Problemele apar atunci când, în a doua zi, rutina ei este ușor tulburată, ducând la un fel de efect de domino care se reflectă în orele care urmează. Jeanne Dielman trage cineva în lumea sa lentă și meditativă cu semnătura regizorală distinctivă a lui Akerman, care implică atmosferă diegetică și o aură hipnotică adusă de personalitatea calmă, subtilă și răbdătoare a operei de capodopera, care este o celebrare dureroasă a monotoniei existenței.

15. Rashomon (1950)

Una dintre cele mai neconvenționale și experimentale piese de filmare pentru vremea sa, „Rashomon” îl urmărește pe maestru la lucru, dând totul cu abilitățile sale de a povesti. Pentru a spune simplu, este o relatare a unui incident care a avut loc din patru puncte de vedere extrem de diferite, cele ale acuzatului, ale victimelor și ale celor care pretind a fi martori oculari. Se remarcă din toate punctele de vedere tehnice, cu o editare aproape impecabilă și o regie magistrală, dar filmul își asigură câștigurile pe problemele tematice cu care se ocupă; întrebările despre existenţa unui adevăr absolut. Este adevărul într-adevăr la fel de obiectiv și inechitabil pe cât îl crede cineva sau există o anumită subiectivitate legată de el? În mod normal, este obiectiv sau cel puțin este considerat pe scară largă, aparent fără alte versiuni ale acestuia. Acest film îl pune sub semnul întrebării într-un mod în care spectatorul însuși este lăsat exasperat de întrebări, comentând, de asemenea, frecvent despre modul în care oamenii uneori nu sunt complet sinceri nici măcar cu ei înșiși. Este pe cât de complex tematic devine, dar aparent atât de simplu pe cât vrei să fie.

14. Stalker (1979)

Ținând la distanță descendenții săi mai mici, care includ serialul de televiziune de mare succes „Westworld”, influența colosală a lui „Stalker” asupra povestirii vizuale nu poate fi exagerată. Ideile – filozofice, spirituale și științifice – precum și explorarea lor cinematografică abil și glorioasă din „Stalker” și-au găsit impresiile asupra multor science-fiction care vor urma. Nu este atât alunecarea, inducerea de transă și, la anumite momente, ritmul abstract sau utilizarea emoționantă a sepiei monocromatice în afara zonei și culorile imprimate ale locațiilor din Estonia, care s-au oglindit în munca unor regizori precum Terrence Malick. și Lav Diaz, ca să numim câteva, dar răbdarea și smerenia de durată. Predă în mare parte domniile filosofice către public, Tarkovsky lasă atât de mult loc pentru ca spectatorii să descopere mai multe fațete metafizice ale filmului pentru ei înșiși, încât chiar și poezia sa literală și vizuală de neegalat pare la fel de o născocire a inventării noastre, cât și a lui. și a colaboratorilor săi. Și totuși, filmul rămâne la distanță, călăuzindu-ne în misterele inscrutabile ale minții și ale inimii și nu ajungem niciodată să le dezvăluim, pentru că calea dreaptă nu este niciodată cea corectă.

13. Fanny și Alexander (1982)

La aproape 35 de ani de la lansarea sa inițială, filmul regizoral final al lui Bergman este la fel de fascinant de disecat, precum a fost pentru criticii de pe tot globul la acea vreme, care păreau să se străduiască să se asigure că opiniile lor sunt auzite. Aceste opinii au fost mult mai dezbinătoare decât sunt astăzi, dar locul filmului în filmografia lui Bergman pare încă greu de definit. Nu seamănă, ca ton, structură și amploare, de orice făcuse Bergman până în acel moment. Dar este, de asemenea, o amalgamare indubitabilă a tuturor instinctelor sale tematice și vizuale încrucișate în această tapiserie care afirmă viața unei familii din Suedia de la începutul anilor 1900. Exuberanța sa pitorească pare să vă atragă toată atenția la prima vizionare, cu variațiile sale profund captivante de roșu, verde și galben blând și cald, care formează o paletă de culori atât de îmbătătoare încât absența sa - când totul este drapat în alb, negru și albastru aspru - pare punitiva. Cronicile meticulos elaborate ale lui Bergman radiază cu verva unui picnic în familie și posedă familiaritatea legăturilor umane ținute împreună de zeci de ani de o afecțiune autentică și fragilă. În această interpretare generoasă a vieții, nașterea și moartea sunt ambele întâmplătoare. În lumea mică, aceste personaje, ca majoritatea dintre noi, locuiesc, bucuriile circumferențiale sunt tot ceea ce se poate spera și sunt suficiente pentru ei, așa cum ar trebui să fie și pentru noi. Este totul o iluzie? Privind acest ansamblu gigantic făcând astfel de minuni, s-ar putea crede că da. Dacă este, crede-mă, nu vrei să fie spulberată.

12. Apocalypse Now (1979)

Există filme de război care arată complexitatea războiului (cum ar fi „Enemy At The Gates”), unele altele care mustră și detestă noțiunea despre acesta (cum ar fi „Pianist”) și apoi este îndrăznețul „Apocalypse Now”, care nu oferă o opinie sau concluzie, ci, în schimb, dezvăluie o descriere grafică a ororilor războiului, în timp ce glorificează soldații care iau parte la el. Dezbaterea continuă până la această dată dacă „Apocalypse Now” este pro-război sau anti-război. Iubește-l sau urăște-l; sigur este că o să-ți amintești. Una dintre cele mai problematice producții din istoria Hollywood-ului, scenariul și regizorul Francis Ford Coppola a ajuns la cea mai strălucită lucrare a sa din punct de vedere tehnic. Premisa simplă este simplă – căpitanul Willard trebuie să înceteze cu o prejudecată extremă, Col. Kurtz, care a intrat pe teritoriul inamic și a ieșit AWOL. Dar călătoria debilitantă a lui Willard prin câmpurile de luptă îngrozitoare din Vietnam (elevată de cinematografia uluitoare a lui Vittorio Storaro) rămâne înrădăcinată în minte mult după ce creditele au apărut. Cu o scenă memorabilă după alta și performanțe definitive ale lui Martin Sheen în rolul lui Willard, Marlon Brando în rolul lui Kurtz și Robert Duvall ca „entuziast de napalm” Lt. Col. Kilgore, „Apocalypse Now”, așa cum a spus pe bună dreptate Coppola, nu este despre Vietnam. Este Vietnam.

11. Cele 400 de lovituri (1959)

„Cele 400 de lovituri” de François Truffaut este o adevărată operă de artă care provine din durerea reală. O lucrare cu adevărat sinceră și profund personală, Truffaut a dedicat filmul tatălui său spiritual și teoreticianului cinematograf apreciat la nivel internațional André Bazin. În mod distinct de natură autobiografică, propria copilărie a lui Truffaut a fost tulburată, iar acest lucru se reflectă foarte clar în film. În exterior, filmul este despre delincvența juvenilă și adolescentă, care este adesea condusă de neglijarea societății și a părinților. Privește puțin mai adânc și vei găsi un film despre speranță; sper că este atât intens, cât și terapeutic. Antoine Doinel, protagonistul, este cumva o reprezentare dură a societății însăși, o societate care își ascunde propriile eșecuri în spatele regulilor, pedepselor și judecăților. Filmul curge ca un râu și duce publicul într-o călătorie de speranță, disperare, empatie și chiar furie pură. Dacă ați dorit vreodată să vedeți cum arată o capodopera, nu căutați mai departe decât „The 400 Blows”.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch nu este regizor. Bărbatul este un visător. Și „Mulholland Drive” este cel mai mare vis pe care l-a visat vreodată. Un vis care încapsulează fiecare emoție care cuprinde existența umană. Este greu de explicat sau descris un film precum „Mulholland Drive”, deoarece acesta este un film despre experiență și despre ceea ce iei din ea, mai degrabă decât un complot bazat pe o narațiune convențională, care te hrănește cu răspunsuri cu care ai putea lua acasă cu bucurie. Lynch a afirmat adesea că viziunea sa pentru un film se bazează în esență pe numeroase idei și sentimente. Și aceasta devine o poartă către înțelegerea unui film la fel de complex și stratificat precum „Mulholland Drive”. Este un labirint de vise, ambiții, dorințe și coșmaruri. Lynch știe ce ne îngrozește cel mai mult și ce ne duce la nebunie. Și această reflectare tulburător de intimă a subconștientului uman este cea care face din „Mulholland Drive” o operă de artă atât de profund chinuitoare. Unul care te învăluie cu un sentiment de căldură și tandrețe înainte de a-ți tăia chiar prin craniu.

9. Hoții de biciclete (1948)

Simplitatea este sofisticarea supremă – Leonardo Da Vinci. Una dintre cele mai dificile sarcini în realizarea unui film este să îți dai seama când să-ți închei filmul. Sfârșitul din Hoții de biciclete este atât de sincronizat cu începutul, deoarece începem de la Antonio, un om obișnuit care iese din mulțime până la Antonio, un om obișnuit, care se risipește în mulțime. Viața în Roma de după război se transformase în fiecare zi într-o luptă și abia dacă era cineva care să iasă din mlaștina aceea de mizerie. Sunt foarte puține filme care oferă o introspecție la fel de profundă precum Hoții de biciclete. Este un film care îți va rupe inima în bucăți și totuși te va inspira să trăiești viața la maximum. Rareori, un film atât de simplu în premisă este atât de strălucit de eficient în mesajul său. Este practic imposibil să uiți filmul odată ce l-ai vizionat. Deși cea mai mare realizare a filmului constă în câți cineaști independenți a inspirat, care până astăzi citează „Hoții de biciclete” drept inspirație.

8. Povestea Tokyo (1953)

„Tokyo Story” este ceea ce aspiră orice regizor care dorește să spună o poveste semnificativă. Evident, toate sunt scurte! Nu există un exemplu mai bun de film care redă o poveste epică într-un mod atât de simplu, dar magistral, eficient și de neuitat. Cu „Tokyo Story”, Yasujiro Ozu a realizat ceva care este visul oricărui cineast în viață: să locuiască pentru totdeauna în inima și mintea publicului. Oricine a văzut „Tokyo Story” va ști despre ce vorbesc. Filmul spune povestea unui cuplu japonez în vârstă, tradițional, care își vizitează copiii în Tokyo doar pentru a-și da seama că copiii lor sunt prea ocupați cu viața lor pentru a avea grijă de ei și s-au îndepărtat enorm de ei, cultural și emoțional. . Ceea ce este, de asemenea, atât de grozav la film este tema sa universală la care se poate relaționa oricine, oriunde. Stilul de filmare al lui Ozu asigură, de asemenea, că sunteți absorbit de o poveste care oferă perspective profunde asupra psihicului uman în schimbare cu vremurile în schimbare. Pur și simplu genial!

7. In the Mood For Love (2000)

„In the Mood For Love” este pur și simplu cea mai grozavă poveste de dragoste filmată vreodată. Perioadă. Ar fi putut fi atât de ușor o piesă de teatru sau chiar o poezie. Cu imagini frumoase, captivante și muzică rafinată, care străpunge sufletul, „In The Mood For Love” spune povestea complexă a doi indivizi simpli. Doi indivizi care trec prin frica și momeala de a se îndrăgosti; și odată îndrăgostit, durerea pură de a-l lăsa incomplet. „In the Mood for Love” descrie dragostea în forma ei cea mai vulnerabilă. Și, făcând acest lucru, dezvăluie propriile noastre vulnerabilități și cât de neputincioși suntem în fața iubirii. Rareori un film atât de subestimat și atât de rezervat are un asemenea impact după vizionare.

Nu sunt sigur dacă regizorul Wong-Kar-Wai a intenționat să facă filmul pe care l-a făcut, având în vedere că a filmat în cea mai mare parte filmul fără un scenariu. Dacă te uiți la istorie, cele mai definitorii opere de artă sunt accidentele fericite. Numărați „In the Mood For Love” printre ei.

6. 8 1/2 (1963)

Numărul opt și jumătate în filmografia maestrului italian, această epopee înăbușitoare, delicioasă a fanteziei, coșmarurilor și a unei realități prea tulbure este ca un biscotti – hotărât absurd în forma sa și copt într-un mod care nu permite devorarea lui în întregime. o dată. Lucrările sale înfricoșătoare și neliniștite completează viziunea conștientă a lui Fellini despre un regizor care încearcă să canalizeze numeroasele experiențe modificatoare pe care le-a avut de-a lungul vieții sale înnodate în noul său film. Oricât de semi-autobiografică ar fi, „8 1/2” trece prin publicul său, cu toată complexitatea sa răpitoare intactă, într-un ritm atât de radical, încât m-am trezit încercând să-i deconstruiesc imaginile compuse cu inteligență în scopul de a-mi găsi propriul loc în Specificul falnic al lui Fellini, dar nu a reușit niciodată să aterizeze ferm pe pământ.

Exploatând gravitația umbrită a lui Marcello Mastroianni, electricitatea pură a lui Fellini poate fi copleșitoare. Te agăți de percepția ta asupra unui anumit moment și îi recunoști bogăția sufocantă doar pentru a descoperi că regizorul a trecut la o altă secvență fluturantă și delicios de echilibrată. Ideile lui despre artiști și obsesia lor nedumerită și ridicolă față de ei înșiși pot părea învechite – sau mai rău, irelevante – dar îndrăzneala construcției și expresiei lor nu este niciodată pierdută pentru noi. Ne vrăjește și ne amăgește, ne permițându-ne niciodată să ne luăm ochii de la ea și apoi ne strecoară printre degete când ne dăm seama că nu l-am avut niciodată în mâna noastră. Fellini nu este cu mult diferită de clarvăzătoarea Maya din film care pare să știe ce gândesc toată lumea: o abilitate atribuită de asistenta ei telepatiei. Când protagonistul nostru, Guido, îl întreabă pe asistent despre cum o face, el notează clar: Este parțial un truc și parțial real. Nu știu, dar se întâmplă. Niciun cuvânt nu poate fi mai potrivit pentru a descrie filmul.

5. Persoană (1966)

Cred că este sigur să spun că „Persona” a spart de unul singur cinematograful. Fiind un film de groază la suprafață, clasicul lui Ingmar Bergman din 1966 este mai mult un studiu al identității individuale decât orice altceva. Folosind tehnici de montaj inovatoare, unghiuri clare ale camerei, expresii reci, dialoguri captivante și o regie splendidă, acest film spune într-un mod cât se poate de ambiguu povestea unei actrițe celebre care își pierde vocea și a asistentei care o îngrijește. într-o casă retrasă, unde personalitățile lor distincte încep încet să se contopească unele cu altele. Fiind cea mai cinematografică aventură a regizorului, „Persona” se asigură că schimbă orice regulă convențională a filmului pentru a încerca să aducă o experiență proaspătă și captivantă. Cu unele dintre cele mai grozave actori realizate vreodată pe celuloid, atmosfera filmului ne ajută să apreciem întrebările pe care le avem despre el, concentrându-ne în mod inteligent asupra meșteșugului pus în joc. Pur și simplu, nu există nimic asemănător „Persona”, și asta ar putea fi foarte bine un fapt.

4. Nașul (1972)

Posibil, cel mai influent film realizat vreodată. Una dintre cele mai rare adaptări care este de fapt mai bună decât materialul sursă - în acest caz romanul cu același nume al lui Mario Puzo - filmul a rezistat de-a lungul veacurilor și este un clasic în adevăratul sens al cuvântului, care continuă să se îmbunătățească cu fiecare. vizionare. Filmul prezintă o familie de mafie sub conducerea lui Don Vito Corleone și se concentrează pe tranziția fiului său, în timp ce acesta preia afacerea de familie după moartea patriarhului. Fără îndoială, spectacolele sunt unul dintre punctele forte ale acestui film, marii printre care Marlon Brando în rolul lui Vito Corleone și Al Pacino în rolul lui Michael Corleone, redefinind standardele actoricești prin interpretarea lor. Toate celelalte, în special scenariul și cinematografia și partitura, sunt de așteptat ca rating A și definitorii de gen. Pe bună dreptate, nu există cinefil care să nu fi văzut această capodopera a unui film. Este altarul unde mergem să ne rugăm.

3. Cetăţeanul Kane (1941)

Sfântul Graal al cinematografiei americane. „Citizen Kane” a definit aproape fiecare aspect care cuprinde arta cinematografică. Un film care a încălcat nenumărate convenții ale filmului doar pentru a crea altele noi. Chiar de la tehnicile sale inovatoare, inclusiv iluminarea, sunetul și imaginile, până la stilul său de povestire extrem de inovator, „Citizen Kane” a schimbat modul în care au fost făcute filmele. Filmul este un studiu de caracter profund profund care ia forma unei drame misterioase în dezvăluirea adevărurilor din viața unui enigmatic magnat al publicațiilor al cărui ultim cuvânt a stârnit interesul unui reporter. Pornește într-o călătorie, explorând o ființă umană care odată și-a început viața cu ambiții și dorințe brute, dar care va ceda în curând puterilor seducătoare ale lăcomiei și autorității. „Citizen Kane” este o operă de artă extrem de puternică, care explorează teme profunde și surprinde fațetele emoționale infinit complexe ale vieții de viață ca ființă umană.

2. Oglinda (1975)

Ar putea fi arta atât de personală încât să nu reușești să o deosebești de creatorul ei? Aceasta este o întrebare care m-a lovit când am văzut prima dată „Oglinda” a lui Andrei Tarkovski. Aceasta este o operă de artă în care artistul se preda complet lucrării sale, iar tu nu reușești să faci distincția între el și munca pe care o face. Este aproape ca și cum Tarkovsky a respirat întregul film. Autorii și-au făcut capodoperele, schimbând și modelând cinematograful așa cum îl vedem astăzi, dar Tarkovski a făcut un pas dincolo de asta și a atins ceea ce nu poate fi atins; dând viață artei sale. „The Mirror” este doar cinematograf. Îți puteai vedea pe Tarkovsky, familia lui, cultura în care a crescut. De fapt, poți reuși să te vezi pe tine însuți în ea, pe mama ta și există acest sentiment de Deja Vu care îți lovește mintea, privind aceste locuri. Este aproape ca și cum ai fi fost acolo, poate în viață sau într-un vis pierdut undeva. Și pentru un artist să creeze ceva atât de personal și intim este ceva cu adevărat dincolo de cuvinte. Este un film care confirmă ceea ce am știut mereu: cinematograful este cea mai mare formă de artă.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Ca orice altă intrare de pe această listă, „2001” este, de asemenea, o lecție de filmare. Mai mulți regizori, inclusiv oameni precum Christopher Nolan și Denis Villeneuve, au vorbit despre felul în care filmul a fost inspirația lor. Deci, da, filmul este o minune tehnică. Dar nu acesta este motivul pentru care filmul a ajuns în fruntea acestei liste de atât de multe filme grozave. Se așează în vârf pentru că este un film care a îndrăznit să meargă într-un loc în care nu a mai fost niciun film. La naiba, nimeni nici măcar nu știa că există un astfel de loc în care cinematograful ar putea urmări să meargă. Și dacă arta cinematografică a necesitat vreodată un motiv sau o dovadă care să confirme că scopul său de existență este mult mai mult decât un simplu divertisment, atunci iată-l: cu totul convingător și extrem de mitic, „2001: Odiseea spațiului”.

Stanley Kubrick a extins orizontul cinematografiei cu aproape toate filmele sale. Cu „2001: A Space Odyssey”, el a dat, de asemenea, un nou sens a ceea ce poate realiza cinematograful. Majoritatea realizatorilor de film folosesc cinematograful ca mijloc de a spune o poveste. Dar Kubrick s-a folosit de cinema pentru a pune întrebări. Ce a întrebat? Totul, de la Dumnezeu până la scopul existenței noastre. În timp ce „2001: Odiseea spațiului” este un film științifico-fantastic foarte inteligent în sine, este și mult mai mult. Cred că este un film care este mai mult o căutare filozofică pentru a determina dacă Dumnezeu există. Vorbește despre țintirea sus!