Cele mai bune 18 filme existențiale din toate timpurile

„Existențialismul” este un termen inventat de filozofii europeni de la sfârșitul secolului al XIX-lea și al XX-lea, care credeau că gândirea filosofică începe cu subiectul uman - nu doar subiectul gânditor, ci individul uman care acționează, simte, trăiește. Potrivit acestora, oamenii caută să afle cine și ce sunt ei de-a lungul vieții, în timp ce fac alegeri pe baza experiențelor, credințelor și perspectivelor lor. Da, știu că este complicat. Dar, ca să spunem simplu, „existențialismul” este filozofia preocupată de găsirea sinelui și sensul vieții prin liberul arbitru, alegere și responsabilitate personală.

Mai jos este lista filmelor existențiale de top, prin care producătorii lor au încercat să dea un sens asupra a ceea ce înseamnă existența acestei lumi. Cât de mult ne modelează experiențele credințele? Și viața este cu adevărat lipsită de sens? Acestea sunt câteva dintre numeroasele întrebări pe care le pun aceste filme. Care dintre cele mai bune filme de iluminare este preferatul tău. Apropo, puteți reda în flux unele dintre aceste cele mai bune filme existențiale pe Netflix, Hulu sau Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Înflăcărat și plin de energie brută, „Birdman” se joacă cu arta filmului așa cum o cunoașteți și îi conferă o nouă dimensiune. Surprinde, provoacă și orbesc; uneori deodată. Este o nebunie, emoționantă și o experiență pe care tu, probabil, nu ai fi avut-o niciodată la cinematografe. O privire caustică și întunecată amuzantă asupra culturii instantanee a faimei și a celebrității în zilele noastre de Facebook și Twitter, îi bate joc de cei care sunt prizonieri după propria lor imagine. În cele din urmă, este un film despre un actor care trece printr-o criză existențială.

17. Synecdoche, New York (2007)

„Synecdoche, New York” este un film dificil de vizionat și chiar de stomac. Nu este ceva ce trebuie înțeles; astfel de filme trebuie să fie observate, simțite și reflectate. Extrem de cerebral, adesea șocant, „Synecdoche, New York” nu ar atrage toată lumea; este o sărbătoare a tot ceea ce un artist aspiră să fie și, totuși, este în cele din urmă o tragedie, care arată partea inversă a ambiției artistice, unde realul întâlnește irealul, plonjând mintea artistică în adâncurile întunecate ale incertitudinii și depresiei.

16. Persoana (1966)

Este dificil să adăugați un film de genul „Persona” în orice listă bazată pe gen, din cauza adâncimilor și ambiguităților pure ale temelor tratate în film. „Persona” este un film deschis la numeroase interpretări și este încă pe larg discutat, dezbătut și analizat de critici, cărturari și cinefili din întreaga lume. Filmul spune povestea a două femei, o asistentă medicală și pacientul ei mut și legătura stranie a personajelor lor ciudate. Filmul explorează identitatea umană, estompează și ne zguduie percepțiile despre vise și realitate și se aruncă în cele mai profunde și întunecate aspecte ale psihicului uman complex și ale fanteziilor bizare care îl cuprind. ‘Persona’ este o experiență profund intimă și personală și este o piesă pură de poezie cinematografică.

15. Șofer de taxi (1976)

„Șofer de taxi” spune povestea unui veteran din Vietnam distrus din punct de vedere emoțional de viața lui înnorată de singurătate și mizerie. Un film puternic condus de personaje, „Taxi Driver” prezintă o uimitoare actorie de actorie a lui Robert De Niro, care descrie descendența unui om în nebunie în timp ce îl vedem trăgând de extremitățile întunericului uman. Poate că Travis Bickle a fost odată un tip minunat și fermecător și războiul l-a făcut să se simtă străin de o lume care a fost cândva casa lui. Incapacitatea și disperarea sa de a intra în contact cu oamenii și lupta perpetuă pentru a se încadra într-o lume bizară, ciudată, plină de crime și infracțiuni, este un portret întunecat profund și tulburător al unui suflet uman.

14. Primăvară, vară, toamnă, iarnă ... și primăvară (2003)

Facturată drept cea mai bună lucrare din grajdurile autorului sud-coreean Kim Ki-duk, „Primăvara, vara, toamna, iarna… și primăvara” este o poveste care povestește viața unui călugăr budist în timp ce trece prin diferitele etape ale viaţă. Filmul poate fi considerat o metaforă pentru continuitatea perpetuă și natura ciclică a vieții umane. Pe parcurs, explorează și temele iubirii, sacrificiului, devotamentului, izolației și fidelității. Cunoscut pentru că prezintă foarte puține dialoguri, filmul are o natură profund contemplativă și duce publicul într-o călătorie senină.

13. Al șaptelea continent (1989)

Numirea lui Michael Haneke „Al șaptelea continent” ca film de groază mi se pare foarte greșit, dar așa este menționat de majoritatea oamenilor care l-au văzut. Este greu să te certi cu ei, deoarece vizionarea acestui film lasă pe cineva să se simtă fără speranță, deprimat și speriat. Având de-a face cu o familie care urăște lumea și viața în general, acest clasic din 1989 ia o poziție rece și îndepărtată pentru a izola în continuare cei trei jucători de restul societății, ceea ce determină încet, dar sigur, publicul să se simtă profund pentru ei ca fiind existența ia o întorsătură întunecată. Fiind unul dintre cele mai deranjante filme care a câștigat vreodată ecranul de argint, piesa de debut a lui Haneke îl batjocorește pe spectator și nu-și dă drumul niciodată. Dacă publicul îl numește un film de groază, atunci îl fac referindu-se la un film înfricoșător, care nu seamănă cu niciun altul. Acoperit de ambiguitate și realism, Al șaptelea continent este o relatare personală, intimă și terifiantă a unei povești adevărate care te lasă în tăcere, deoarece cel puțin câteva minute după ce se termină, devii incapabil să pronunți un singur cuvânt.

12. Spiritul stupului (1973)

Maestrul spaniol Victor Erice a realizat doar trei lungmetraje înainte de a se retrage. Încă în viață astăzi, filmele sale precum El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ și mai ales Spirit of the Beehive, debutul său de nedefinit, care ne fac să ne dorim cu toții să facă încă filme. O poveste parabilică a doi copii, unul explorând existența sa cu o fascinație inocentă, adesea uimitoare, iar celălalt obsedat de filmul „Frankenstein” care a jucat în teatrul lor local. Portretul său mistificator al inimii spaniole este lăsat într-o ambiguitate atrăgătoare prin direcția caracteristic neutră a lui Erice - rareori aventurându-se pentru metoda cinematografică în favoarea observării silențioase. Lucrarea rezultată este nedumeritoare, captivantă și vă va lăsa să vă întrebați despre enigma intrinsecă a vieții însăși: întrebările sale fără răspuns, marile sale mistere și neajutorarea lor năucitoare. Pentru a vă lăsa complet devastat sau mișcat incomparabil, nu există nicio îndoială că, până la extremul „Spirit al stupului” va fi o experiență importantă.

11. Satan Tango (1994)

Am fost hipnotizat de capodopera întinsă, prodigioasă a lui Béla Tarr, când am văzut-o prima dată. Simțul său pragmatic al lumii reale și răbdarea sunt calitățile sale definitorii. Observă mai mult decât reflectă și contemplă mai mult decât oferă declarații bine formate. Realismul său mitic și sumbru este prea bun pentru a fi adevărat și mult prea brutal pentru a fi realizat cu un astfel de ochi pentru frumusețe. Tot ce mi-am dorit să fac până la sfârșit a fost să-mi închid toate ferestrele și să mă învăluiesc în întuneric, pentru că filmul pentru mine fusese ca nebunul acela din biserică și plângerile sale avuseseră prea mult sens. Sunt încântat să raportez că reflecțiile sociale și politice „Sátántangó” au început să se clarifice pentru mine, pe măsură ce m-am întors în mod repetat.

10. La Dolce Vita (1960)

Virtuosul lui Fellini, atenuat, răbdător și poetic, este pe deplin afișat în câștigătorul său de Palme d'Or, care, prin strălucirea sa sufletească și umbroasă, surprinde un mod de viață care pare prea evaziv și, în anumite privințe, mult prea real. Ritmul său subliniază sentimentul lipsei de obiectiv al protagonistului și ne obligă să ne scăldăm în aranjamentul simfonic al vibrației vieții și cât de fugitiv este totul. Acest protagonist este interpretat de cel mai bun profesionist Marcello Mastroianni, care folosește acest dar al timpului pentru a-și umple ochii cu o oboseală irezistibilă din lume. A pune sub semnul întrebării semnificația anumitor secțiuni din „La Dolce Vita” care pot părea lipsite de importanță filosofică sau relevanță narativă este să respingem posibilitatea de a lăsa detaliile picante să te spele și apoi să contemplăm consecințele. Pe măsură ce scorul ceresc al lui Nino Rota ne poartă în lumea amețitoare a Romei, așa cum se vede prin ochiul iluzoriu al lui Fellini, nu vezi decât ceea ce vrea el să vezi și devine rapid ceea ce vrei să vezi și tu.

9. 8 1/2 (1963)

Exploatând gravitațele umbrite ale lui Marcello Mastroianni, energia electrică a lui Fellini poate fi copleșitoare. Vă așteptați la percepția dvs. asupra unui anumit moment și îi recunoașteți bogăția sufocantă doar pentru a descoperi că regizorul a trecut la o altă secvență fluturată, delicios. Ideile sale despre artiști și obsesia lor perplexă, ridicolă pentru ei înșiși, pot părea datate - sau mai rău, irelevante -, dar îndrăzneala construcției și expresiei lor nu se pierde niciodată asupra noastră. Ne vrăjește și ne înșelă, fără să ne permită niciodată să ne luăm ochii de pe el și apoi ne alunecăm printre degete în timp ce ne zărește că nu am avut-o niciodată la îndemână. Fellini nu este mult diferit de clarvăzătoarea Maya din film care pare să știe la ce se gândește toată lumea: o abilitate atribuită de asistenta ei telepatiei. Când protagonistul nostru, Guido, îl întreabă pe asistent despre cum o face, el notează clar: „Este parțial un truc și parțial real. Nu știu, dar se întâmplă. ' Nici un cuvânt nu ar putea fi mai potrivit pentru a descrie filmul.

8. Al șaptelea sigiliu (1957)

Din primele imagini ale documentului iconic al lui Bergman despre credință, frică și mulțumire, există o vrajă aruncată asupra ta. Privirea strălucitoare și granuloasă a mării, a coastei și a unui cavaler curajos și a întâlnirii sale fatidice cu personificarea morții definește claritatea obiectivului filmului, chiar dacă lasă loc unei ambiguități seducătoare, aproape terifiante, care să fie prezentă în mod constant. Beneficiind de o reprezentație magnetică de la incomparabilul Max von Sydow și o bandă de actori care ridică materialul uimitor al lui Bergman, bazat pe piesa sa, „Wood Painting”, la niveluri neașteptate, „The Seventh Seal” în cele 90 de minute minore are influența o veche fabulă transmisă de-a lungul generațiilor care propulsează imaginația mult mai expansivă decât poate spera ea însăși să o conțină. Strălucitorul alb-negru strălucitor al lui Gunnar Fischer asigură că intensitatea îngrozitoare se târăște sub pielea noastră. Fluiditatea asemănătoare curentului este rezultatul unei narațiuni desfășurate cu încredere sublimă și un nivel de tangență tangibil. Poate fi o poveste complet simplă, care, cu toate acestea, adăpostește idei valoroase în sânul său, dar este cusută cu o țesătură atât de complicată și îndrăzneață, încât nu poți să nu te uiți la ea din când în când pentru a se traduce într-o amintire durabilă.

7. Stalker (1979)

Păstrându-și descendenții mai mici, care includ seria de televiziune cu succes „Westworld”, la distanță, influența colosală „Stalker” asupra povestirii vizuale nu poate fi exagerată. Ideile - filozofice, spirituale și științifice -, precum și explorarea lor cinematografică abilă și glorioasă din „Stalker” și-au găsit impresiile asupra multor science-fiction care vor veni după ea. Nu atât alunecarea, inducerea transei și în puncte, ritmul abstract sau utilizarea stimulatoare a sufletului de sepia monocromatică în afara „Zonei” și culorile de imprimare ale locațiilor din Estonia, care au fost reflectate în lucrarea realizatorilor de filme precum Terrence Malick și Lav Diaz, pentru a numi câteva, dar răbdarea și umilința de durată. Transmiterea în mare măsură a domniei filozofice publicului, Tarkovsky lasă atât de mult spațiu pentru spectatori să descopere multiplele fațete metafizice ale filmului, încât chiar și poezia sa literală și vizuală de neegalat pare la fel de importantă pentru fabricația noastră, ca și pentru a sa și a colaboratorilor săi.

6. Apocalypse Now (1979)

Un film de război ar putea fi o alegere puțin probabilă. Dar, așa cum am spus, filmele grozave se rup de obstacolele genurilor lor. „Apocalypse Now” este considerat pe scară largă drept cel mai mare film de război realizat vreodată. Dar, la baza ei, este un film care explorează și existențialismul. Călătoria căpitanului Willard într-un sat obscur din Cambodgia pentru asasinarea unui enigmatic ofițer al armatei renegate servește ca o metaforă vizuală a călătoriei destrămătoare a ființei umane în abisul existenței. „Apocalypse Now” este despre căutarea de răspunsuri a lui Willard. Cu el în călătorie, punem la îndoială moralitățile create de o societate civilizată mascată de ipocrizie și megalomanie. Fascinația lui ciudată și misterioasă pentru colonelul Kurtz culminează cu descoperirea extremităților războiului care ar putea transforma un om într-o bestie necivilizată.

5. Cele 400 de lovituri (1959)

„Cele 400 de lovituri” de François Truffaut este o adevărată piesă de artă ce provine din durerea reală. O lucrare cu adevărat sinceră și profund personală, Truffaut i-a dedicat filmul tatălui său spiritual și teoreticianului filmului André Bazin, apreciat la nivel internațional. De natură autobiografică distinctă, propria copilărie a lui Truffaut a fost tulburată și acest lucru se reflectă foarte clar în film. La exterior, filmul este despre delincvența juvenilă și adolescentă, care este adesea condusă de neglijarea societală și parentală. Uită-te puțin mai adânc și vei găsi un film despre speranță; sper că este atât intens, cât și terapeutic. Antoine Doinel, protagonistul, este într-un fel o reprezentare strictă a societății în sine, o societate care își ascunde propriile eșecuri în spatele regulilor, pedepselor și judecăților. Filmul curge ca un râu și duce publicul de-a lungul unei călătorii de speranță, disperare, empatie și chiar furie. Dacă vreți vreodată să vedeți cum arată o capodoperă, nu căutați mai departe de „The 400 Blows”.

4. Tokyo Story (1953)

„Tokyo Story” este ceea ce aspiră fiecare cineast care dorește să spună o poveste semnificativă. Evident, toate rămân scurte! Nu există un exemplu mai bun de film care redă o poveste epică într-un mod atât de simplu, dar magistral, eficient și de neuitat. Cu „Tokyo Story”, Yasujiro Ozu a realizat ceva care este visul fiecărui cineast viu: să rămână pentru totdeauna în audiență inima și mintea. Oricine a văzut „Tokyo Story” va ști despre ce vorbesc. Filmul spune povestea unui cuplu japonez îmbătrânit, tradițional, care își vizitează copiii în Tokyo doar pentru a ajunge la realizarea dură a faptului că copiii lor sunt prea ocupați cu viața lor pentru a le îngriji și s-au îndepărtat imens de ei, din punct de vedere cultural și emoțional. . Ceea ce este, de asemenea, atât de grozav la film este tema sa universală cu care oricine și oriunde se poate lega. Stilul cinematografic al lui Ozu vă asigură, de asemenea, că sunteți captivat într-o poveste care oferă informații profunde asupra psihicului uman în schimbare odată cu schimbarea timpurilor. Pur și simplu genial!

2. 2001: O Odiseea Spațială (1968)

Geniul din „2001: O Odiseea spațială” constă în faptul că călătoria spirituală pe care ne-o parcurge nu este de acord cu teismul sau agnosticismul sau cu nimic în special - depinde în totalitate de audiență de modul în care doresc să interpreteze film. Aceasta variază de la credința unui teist în existența unui Dumnezeu atât de bun și iubitor, până la cinismul unui agnostic, până la lipsa de sens a vieții pe care un nihilist ar putea să o aleagă. Cu toate acestea, cel puțin, Kubrick stabilește cât de neînsemnate suntem și cât de mici sunt așa-numitele noastre progrese tehnologice! Avem ani-lumină să mergem înainte să obținem răspunsurile la oricare dintre întrebările existențiale care apar în mintea noastră.

3. Arborele vieții (2011)

Terrence Malick nu pune la îndoială existența lui Dumnezeu în „Arborele vieții”. Cu toate acestea, sentimentul său real de mirare nu iese din ea; mai degrabă se bucură de magia că este viața însăși. Într-o eră în care Dumnezeu a devenit un mijloc de a dovedi superioritatea și o scuză pentru a face rău și chiar a ucide, „Arborele Vieții” prezintă un mod frumos, dar rezonabil, de a-L privi pe Dumnezeu. În cele din urmă, „Arborele vieții” este un poem cinematografic cu o ambiție și o ambiție extraordinare. Nu îi cere doar publicului să observe, ci și să reflecte și să simtă. În cel mai simplu caz, „Arborele vieții” este o poveste despre călătoria de a se regăsi pe sine. În cea mai complexă situație, este o meditație asupra vieții umane și a locului nostru în marea schemă a lucrurilor. În cele din urmă, „Arborele vieții” s-ar putea să schimbe modul în care privești viața - m-a schimbat.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Această caracteristică de avangardă franceză, cu Delphine Seyrig în rolul principal, nu este doar o experiență cinematografică. Este mai aproape de un exercițiu - un test și te afectează în moduri pe care puține alte filme le-au făcut înainte sau de atunci. Piesa independentă se concentrează pe trei zile din viața unei casnice singure și cu probleme, în timp ce trece prin programul ei strict plin de treburi casnice banale. Este o mamă și o văduvă care desfășoară activități sexuale pentru domni seara, pentru a-și câștiga existența. Problemele apar atunci când, în a doua zi, rutina ei este ușor tulburată, ducând la un fel de efect de domino care se reflectă în orele care urmează. Jeanne Dielman îl trage pe unul în lumea sa lentă și meditativă cu semnătura regizorală distinctivă a lui Akerman, care implică o atmosferă diegetică și o aură hipnotică adusă de personalitatea calmă, subtilă și pacientă a capodoperelor, care este o sărbătoare dureroasă a monotoniei existenței.

1. Balthazar aleatoriu (1966)

Capodopera dezolantă a lui Robert Bresson este un exercițiu de simțire. Se îndepărtează de definirea unui protagonist clar sau a unei teme centrale, cu excepția cazului în care numărați forța miraculoasă a naturii care este Balthazar și dacă luați filmul pe valoarea nominală, nu o faceți. Dar dacă îi permiți să fie punctul tău de acces la peisajul emoțional și tematic al filmului, este greu să te întorci fără recompensă. Stilul vizual particular, slab și rece al lui Balthazar pare aproape plin de farmec în retrospectivă; fragilitatea sa placidă înfășurată într-un sentiment de control resemnat, singular înțelept. Chiar și onestitatea sa palpabilă ascunde un efort studiat de a reține puțin, de a hrăni în simplitatea sa de decorare și caracter o bogăție lăsată publicului să descopere și, în unele cazuri uluitoare, să-și imagineze. Atribuirea semnificației fiecărui moment din „Balthazar” nu depinde de dacă presupunem că conținutul său este alegorii de natură socială sau chiar politică, ci de modul în care ne fac simt savurând complexitatea și liniștea lor, în loc să se bazeze pe expoziția fără minte la care recurg cele mai multe filme. Atunci are un sens perfect ca protagonistul să fie măgarul omonim.