Cele mai mari 25 de scurtmetraje realizate vreodată
Există mulți care nu pot rezerva 90 până la 120 de minute pe zi pentru a viziona un film. Sunt preocupați și au o varietate de sarcini de deranjat pentru timp. Ei bine, filmele scurte sunt o rezoluție perfectă pentru astfel de oameni. Există oameni care iau în considerare alternative în diferite forme de artă, dar amatorii de filme hardcore trebuie să aibă o experiență asemănătoare unui film vizual și eu, aflându-mă la acel capăt al spectrului, crede-mă că știu prin ce trec. Un film sau un film este o serie de imagini statice atunci când sunt afișate pe un ecran care creează iluzia imaginilor în mișcare și nu există nicio constrângere de timp.
Ca un învățat pasionat, trebuie să înțelegeți că totul începe cu un scurtmetraj, un experiment pentru a vă măsura propriul talent și a distra în același timp. Unele filme scurte bune au influențat și definit cinematografia într-o măsură în care mulți nu știu și captează de obicei sublim esența unui regizor înflorit. Cu restricțiile alături și lipsa cinematografică, aveți întotdeauna opțiunea de a explora scurtmetraje, iar unele dintre cele mai mari filme au fost concepute după cele scurte. Există mii de scurtmetraje pe net, nu toate fiind neapărat de calitate și este sarcină să căutați cu informațiile minime furnizate despre ele destul de evident din cauza expunerii minime.
Acum, fiind un fan al filmelor de groază, întotdeauna tind să caut pantaloni scurți care să mă clatine și să nu servească doar scopului de a mă speria, trebuie să fii de acord că sperieturile de salt sunt palpitante doar pe durata lor, dar nu au niciun efect memorabil. Filmele de groază psihologică sau atmosferică sunt de obicei cele mai bune din lot și, în ciuda bugetului relativ scăzut, sunt dificile, deoarece necesită finețe prin tehnică, în timp ce tehnica ar putea fi de imagini vizuale sau poveste sau spectacole.
Acestea fiind spuse, iată lista celor mai bune filme scurte care vă vor sufla mintea. Puteți viziona unele dintre aceste cele mai bune scurtmetraje online pe Youtube, Netflix, Hulu sau Amazon Prime.
25. Codul 8
„Code 8” a fost produs în 2016 de Stephen Amell (Arrow) și Robbie Amell, în regia lui Jeff Chan, care a realizat și „Operation Kingfish”, prequelul de la Call of Duty: Modern Warfare 2. Frații Amell și Chan au realizat acest scurtmetraj film ca un teaser pentru un lungmetraj pe care l-au planificat și intenționează să folosească acest videoclip pentru a-și finanța proiectul. Decizia de a merge pe calea independentă a fost să exercite un control creativ complet asupra filmului lor, întrucât amestecul caselor de producție cu filmele a crescut abrupt. Motivul pentru care mi-a plăcut a fost pentru că nu continuă cu elementele sale cyberpunk, se odihnește undeva între lumea noastră și cea din „Blade Runner”, similar cu „Escape from New York” al lui Carpenter. Filmul are, de asemenea, un concept similar cu „X-Men”, cu o minoritate de oameni mutați care se confruntă cu greutatea guvernului exclusiv opresiv.
24. Jiminy
Oamenii familiarizați cu personajul lui Pinocchio trebuie să fie conștienți de Jiminy Cricket și de aici își ia titlul filmul. Acum, povestea lui Pinocchio are două versiuni, cea originală care este sumbră și deranjantă și cea de la Disney redusă pentru un public mai larg. „Jiminy” este o reimaginare futuristă a unei lumi în care oamenii au jetoane de control de tip greier care le oferă o alternativă pentru a îndeplini fiecare sarcină la perfecțiune. Jetoanele de la suprafață par a fi foarte utile și de susținere, ca versiunea Disney, dar pe măsură ce continuăm, înțelegem gradul de control pe care îl au asupra mentalității oamenilor, transformându-i într-o stare de adâncime mentală în deficitul său.
23. Darth Maul: Ucenic
Când treceam prin diferite scurtmetraje, acesta era un nume pentru care nu aș fi optat, în general, peste un milion de ani. Un fan a făcut filmul „Războiului stelelor din secolul XXI”, nu ne putem aștepta decât la cel mai mic din el. Dar am fost surprins de calitatea filmului și, sincer să fiu, aceasta este una dintre cele mai bune lucrări de acțiune live „Star Wars” pe care le-am văzut. Fiind un fan al războiului stelar, am disprețuit tratamentul față de Darth Maul restrâns la o piatră de temelie pentru îngrozitoarea dezvoltare Anakin Skywalker. Aici, vom vedea cum îndemânatul războinic crește într-un lord Sith, ucigând ceea ce seamănă cu o versiune vagă a lui Obi-wan și a discipolilor săi în acest proces. Scenele de luptă sunt foarte bine coregrafiate și realizate cu o agilitate așteptată de la oamenii care și-au dedicat viața artei.
22. Kung Fury
Nu știu ce m-a lăsat mai reîmprospătat după ce am vizionat ‘Kung Fury’, tributul adus divertismentului retro din anii 80 cu atmosfera sa grozavă sintetizată sau faptul că am găsit în sfârșit sursa memelor „Hackerman”. Scurtmetrajul lui David Sandberg incearcă în viitorul fantastic și parodează și filme similare din epoca retro. Kung Fury, eroul nostru este lovit de un fulger care îl transformă într-un războinic de artă marțială imbatabil și ceea ce urmează este ceva pe care îl vei crede doar dacă îl verifici. Cel mai bine filmul este redat la o rezoluție de 240p, astfel încât să vă lăsați cuprins de nostalgia VHS și, dacă nu este suficient, cavalerul David Hasselhoff face și el un cameo.
21. Frankenweenie
Din păcate, am urmărit acest clasic de 30 de minute al pre-secolului 21 Tim Burton, după ce am stat timp de 90 de minute prin versiunea „Corpse Bride”. Acesta a fost momentul în care Burton nu a umplut fiecare centimetru posibil de ecran cu paleta inspirată din epoca expresionistă. Acest scurtmetraj l-a concediat pe regizor pentru că Disney a considerat că este inadecvat pentru publicul tânăr vizat. Funcționează ca o interpretare modernă a lui Frankenstein, cu un câine înviat de tânărul său prieten înfrânt. Câinele a fost cel mai fidel prieten al omului și se poate întreba adulții cât de mult au însemnat pentru ei animalele de companie din copilărie și dacă ar face ceva pentru a-l salva. Deși adulții se pot împăca cu moartea, dar copiii nu pot și acest lucru oferă o bază foarte solidă pentru scopul filmului.
20. Nostalgistul
„Nostalgistul” ar putea într-adevăr să ducă nostalgie fanilor filmului „A.I.” al lui Steven Spielberg. Inteligență artificială ”. Filmul are loc într-o lume distopică în care oamenii pot folosi viziere modificate care prezintă o realitate virtuală. Filmul prezintă legătura dintre tată și fiu și m-a făcut să mă gândesc la modul în care termenul „tată-fiu” este foarte subiectiv. De fapt, unul se poate iubi și îngriji pe celălalt ca tată, iar celălalt poate reciproc respectul asociat fiilor. Deși are o durată de 17 minute, împreună cu filmele SF recente, acesta nu ține cont de ceea ce se consideră „condiții prealabile” pentru a fi într-o relație.
19. Sunt aici
Când am fost copil, am citit „Arborele de dăruire” al lui Shel Silverstein și, deși am găsit diverse versiuni ale acestuia, niciunul nu este la fel de înalt ca scurtmetrajul lui Spike Jonze. „Sunt aici” îl are în rolurile principale pe Andrew Garfield ca un robot într-o lume în care sunt tratați ca inferiori, nu sunt „folosiți greșit”, ci sunt priviți ca niște ciudat. Sheldon al lui Garfield este un introvertit care trăiește o viață monotonă, asemănător lui Theodore din „Her”, care a fost modelat pe această temă. Sheldon se îndrăgostește de robotul nesăbuit Francesca, care este opusul polar al lui, iar filmul explorează dragostea lui necondiționată pentru ea. Spre deosebire de poveste, Francesca nu este egoistă, ajunge să facă greșeli inocente care costă mult cuplul.
18. Labirint electronic: THX 1138 4EB
Deși George Lucas este renumit pentru lansarea francizei Star Wars, lungmetrajul său de debut „THX 1138” rămâne cea mai bună lucrare a sa și unul dintre cele mai bune filme științifico-fantastice din toate timpurile. În afară de a fi o portretizare înfricoșătoare a lumii orwelliene, filmul a ajutat la lansarea unei categorii de filme care îmbinau SF-ul cu satira socială. „Labirintul electronic” este baza pentru lungmetraj, iar Lucas a realizat-o pentru proiectul său universitar de film. Deși poate că îi lipsește calitatea din cauza unui buget redus, Lucas a primit acces la cartierele restrânse ale Marinei și, prin urmare, se simte ca o proiecție a unei lumi îndepărtate.
17. O călătorie pe Lună
Au trecut 115 ani de când s-a făcut A Trip to the Moon, ia un moment și a lăsat-o să se scufunde. George Melies a descris călătoriile spațiale în 1902, cu zeci de ani înainte de a fi construită chiar prima rachetă capabilă să acopere distanțe lungi și mai mult de jumătate de cu un secol înainte ca cineva să vină cu un design care să-l poată trimite pe om în spațiu. Dacă acest lucru nu era suficient, el chiar a descris pe ecran marțianul asemănător cu extratereștrii. Melies a fost un adevărat vizionar și opera sa indică suprarealismul timpuriu și realismul magic, iar pasiunea sa pentru geometrie este aproape hipnotizantă. Este disponibil atât în alb-negru, cât și în versiunea color pe YouTube și l-aș sfătui pe primul, deoarece acesta din urmă se simte prins de autenticitate din cauza procesului de restaurare veșnică.
16. Jeteul
Am făcut ipoteza unei situații, să presupunem că Chris Marker a văzut-o pe La Jetee la un teatru local într-o zi în copilărie, iar ani mai târziu, dacă ar fi trimis înapoi în timp și ar fi realizat că el a fost creatorul, ar schimba modul în care a fost filmul? făcut? Am auzit că nu-și permite să-și permită o cameră video și, prin urmare, a optat pentru a compila fotografiile, ceea ce cred că se sincronizează foarte bine cu brusca din fluxul de timp din perspectiva protagonistului. Interesant este că, potrivit propriei sale creații, nu a putut, pentru că oricât de vag și metafizic ar fi călătoria în timp în film, pur și simplu nu există scăpare din prezent. Planul tău de existență este limitat la prezent, care este probabil singurul lucru care contează, deoarece este singurul lucru capabil să te afecteze. La Jetee este experimental, abia există ceva realist în film; premisa, procesul, dragostea, totul este doar un exercițiu de înșelăciune.
15. Alexia
Începând cu „Alexia”, un scurt-film argentinian cu un complot dominant de social media-groază cibernetică. Prezintă o relatare supranaturală a evenimentelor, care este lipsită de verosimilitate, dar compensează neajunsurile sale cu o atenție deosebită la detalii. Alexia era o fată care s-a sinucis după ce iubitul ei (liderul) s-a despărțit de ea și îl vedem trecând prin profilul ei, un semn de vinovăție și afecțiune care probabil locuiește în interior. După ce a discutat online cu actuala sa iubită, el decide să se împrietenească cu Alexia, ceea ce duce la pierderea computerului său și la mesaje de la moartea Alexia, inclusiv o imagine smulsă din „Ringu”.
Lucrările cu camera și editarea sunt fenomenale, cu prim-planurile care surprind confuzia totală în ochii plumbului și anxietatea lui din ce în ce mai mare prin degete și mișcarea întârziată a cursorului. Unghiurile camerei și comutarea sunt ușor exagerate, dar solicită atenția corectă și reușesc să creeze o stare de spirit nedumerită. Din punct de vedere tehnic, filmul este foarte sănătos, VFX, în ciuda bugetului său, care nu înșeală intelectul publicului, fantoma și imaginea irisului sunt realizări frumoase. Alexia se dovedește a fi mai mult decât un virus care încurcă computerul, iar perspectiva la sfârșit este terifiantă și te face să meditezi la soarta liderului. Scenariul nu este nimic grozav și se bazează pe sperieturi, dar adevăratul impact al filmului are loc doar atunci când îl raportați la un nivel mai obișnuit, gândindu-vă la el, fără a vă înclina spre aspectul supranatural.
14. Omul zâmbitor
„Omul zâmbitor” pune un copil împotriva diavolului, iar copilul nu are superputeri sau abilități caracteristice unui film de la Hollywood. Nu. Copilul este făcut să se confrunte cu răul pur și cu nașterea terorii, deoarece cuvântul „frică” se limitează la fantome și vrăjitoare în timpul copilăriei și toate acestea au loc în mijlocul morții. Nu am intenția de a discuta complotul, deoarece nu există o modalitate posibilă de a mă concentra asupra punctelor importante ale complotului în timpul său de rulare de 7 minute, deoarece ar strica total experiența.
Intruziunea este un subiect de rutină pentru filmele de groază și ceea ce îi face pe unii să iasă în evidență este modul în care sunt filmate. Încă de la început vi se dă impresia prezenței unei forțe supranaturale, dar ceea ce descoperiți este o întruchipare fizică a acesteia și nu o creatură gazoasă sau o prezență invizibilă. Folosește fiecare truc din Cartea Clovnilor pentru a-l atrage pe copil către un eveniment cel mai nefericit și este posibil ca acest tratament să nu prezinte sperieturi, dar te deranjează, iar un film de groază funcționează numai când rămâne în mintea ta după ce ai terminat cu aceasta. Acest film nu este prescris pentru nicio persoană care tinde să fie neliniștită în compania clovnilor.
13. El și-a luat pielea pentru mine
A fi plasat sub numai groază ar fi o rușine. Aceasta este partea din listă în care vom lăsa deoparte groaza convențională uzată și ne vom concentra pe groaza indusă de materie și de calitățile sale realiste. Scurtmetrajul de 12 minute respectă titlul său și se concentrează pe un bărbat care își ia pielea pentru a-și dovedi dragostea față de iubita sa. Susținut de un machiaj fantastic și de o utilizare zero a CGI, protagonistul fără piele este un spectacol de privit (în ceea ce privește tehnica pentru public și emoțional pentru iubita sa, care nu își poate exprima reacția față de frumusețea sa copleșitoare). Tipul fără piele intră sub pielea ta (joc de cuvinte), dar acest lucru este încetinit de acceptarea cuplului la situația care funcționează foarte bine ca o comedie întunecată. Mai departe în film, există o tensiune din ce în ce mai mare, iar moda începe să se uzeze, lăsând în urmă urme peste tot, urme pe care nu vor să le simtă, deoarece nu mai sunt confortabile cu el.
Filmul este minunat, cu scrieri impecabile, actorie și lucrări de cameră (scena din prim-plan a cărnii prăjite și imaginea lungă a amprentelor din toată casa sunt foarte inteligente) și poate fi interpretată ca o metaforă a transparenței. Îndepărtându-și pielea, plumbul dezvăluie totul și rămâne cinstit față de relația lor, deschizându-se chiar dacă partenerul său nu răspunde. La început, ei devin mai intimi cu adevărul care le ridică legătura, dar pe măsură ce timpul progresează, observăm satisfacție în el, deoarece partenerul său doar ajută la rezolvarea problemelor sale, dar nu îl urmărește niciodată, până la punctul în care există o tensiune evidentă între ei, rezultând șocantă ultimă scenă.
12. Canis
Canis este un scurtmetraj de groază stop motion care se învârte în jurul unui băiat prins într-o casă înconjurat de câini care ar fi fost animalele de companie perfecte pentru ghoulii din „Noaptea morților vii”. Este sumbru, înnebunitor și este un mare NU pentru persoanele care nu suportă violența datorită explorării impensabile a sângelui, dar acest lucru nu ar trebui să te lase să te distragă de la capodopera care este. Setarea se simte post-apocaliptică din cauza punctelor de supraviețuire a complotului, cum ar fi conservarea hranei, ruinele civilizației, nașterea unui om, animalele furioase și monocromul decolorat.
Personajele au fost realizate din sârmă, țesătură și lemn și au fost aduse la viață (o afirmație foarte dură) prin tehnici de stop motion de Anna Solanas și Marc Riba. În ciuda tonului său nihilist, are un final care clasifică pe bună dreptate acest lucru ca pe un basm, cu partea „zână” la fel de dominantă ca un vârf de sânge în ocean. O poveste de vârstă majoră care ar primi un „R!” evaluarea referitoare la viol, disforia speciilor, uciderea unei persoane dragi, consumatorii de om și părți ale corpului tăiate este orice altceva decât un film pentru copii. Din punct de vedere tehnic, acesta poate fi îmbunătățit doar prin alegerea nr. 1 din această listă, cu detalii impecabile în ceea ce privește producția și designul sunetului, fiecare cicatrice este tăiată cu cantitatea perfectă de nebunie și un singur aspect poate transmite povestea din spatele ei.
Trecându-se la complot, Teo supraviețuiește împreună cu câinele său și un bătrân (care ar putea fi bunicul său) și îi este greu să se împace cu gravitatea situației în care sunt blocați. Totul se schimbă atunci când o greșeală duce la moartea gardianului la fălcile câinilor sălbatici și el trebuie să acționeze pentru a-l proteja pe el și câinele său prin uciderea intrușilor. Este violat de o femeie care se îmbracă ca un câine pentru a supraviețui și trebuie să recurgă la mâncarea cărnii de câine, în timp ce vedem că câinele său devine din ce în ce mai neliniștit și sălbatic din cauza adversităților și a singurului lucru care îl separă de ceilalți care mănâncă bărbați este o simplă apariție. Povestea se desfășoară într-o fază chiar grotescă și dureroasă, care indică în cele din urmă finalizarea transformării lui Teo într-un om, gata să ia lumea.
11. FUCKKKYOUU
‘FUCKKKYOUU’ este un film suprarealist tulburător și o dovadă a influenței horrorului lincian. Filmat în monocrom granulat cu viziuni încețoșate și scorul de Flying Lotus interpretând simfoniile din „Eraserhead”, acesta este un film cu care Lynch ar fi mândru. Filmul începe cu o orientare care amintește de filmele de groază anii 30-40 și o creatură desfigurată asemănătoare cu „Omul elefant”. Mi-a fost greu să construiesc o teorie care să explice evenimentele, iar celulele creierului meu au fost complet atrase de Elementul Surpriză și a trebuit să mă refer la surse virtuale. Filmul se învârte în esență în jurul unei creaturi umanoide care se luptă cu identitatea și genul său atunci când se confruntă cu respingerea care are loc prin schimbarea perioadelor de timp, trecutul fiind decăderi ale realității după ce a fost transformat prin injecția care ni se arată la început.
Filmul este plin de dureri strigătoare și de disperare urlătoare, cu muzica fără suflet într-adevăr capabilă să tulbure sh * t-ul oricărei persoane sănătoase. Titlul filmului este o glumă din interior și a apărut în timpul unei sesiuni în care Flying Lotus bloca melodii în mod aleatoriu și unul dintre ele suna ca „F * ck you”. Poate fi interpretat și ca ultimul strigăt al ființei mutante, un răspuns adecvat la acele plante care îl străpungeau. Fiind în pierdere de cuvinte, vă pot solicita doar să o verificați singură, deoarece experiența este nituitoare și, deși s-ar putea să ajungeți să nu faceți nimic din ea, vă va arunca creierul. Crede-mă pe cuvânt!
10. Momente de tăiere
Aș fi pus „Cutting Moments” ceva mai sus pe listă datorită aspectelor vizuale și a subiectului extrem de deranjant, dar „The Big Shave” fiind o inspirație majoră pentru acest lucru a avut un impact mai mare într-un moment în care doar Peckinpah îndrăznea să folosească culoare roșie mai mult decât ceea ce a fost considerat normal. Cutting Moments se învârte în jurul unei familii americane care arată normal din exterior; un bărbat, soția lui și fiul lor, dar suferă de probleme care afectează o cantitate considerabilă de familii din societatea occidentală, care duc la titluri care te fac să tremuri.
Sarah și Patrick trăiesc cu emoții suprimate și au preferat izolarea, Patrick neagând complet existența lui Sarah. Răceala dintre ei este atât la nivel fizic, cât și emoțional, Patrick deviat îndemnurile sexuale față de fiul său în timpul unui eveniment care este prezentat vag. Sarah încearcă să se îmbrace într-o manieră erotică pentru a-i face pe plac lui Patrick, dar atunci când această încercare eșuează, la fel și stabilitatea ei mentală. Într-o stare complet defectă, ea se complace în auto-mutilare severă ca ultimă soluție, care este urmată de evenimente pur și simplu de neconceput și care ar fi influențat într-o oarecare măsură „Antrichistul” lui Lars von Trier.
9. Marele bărbierit
Primul scurtmetraj al lui Martin Scorsese este prefața perfectă a carierei sale. Plin de marca sa subtext extremist catolic de păcat, mortificare fizică și bătălia interioară dintre credință și realitate suprapuse de teme de violență, strenuozitate și tensiune. Întregul film este amplasat într-o baie și în timpul său de rulare de 5 minute, „The Big Shave” implică un bărbat care își sprijină fața de două ori, o dată cu intenția de a scăpa de părul facial și data viitoare cu intenția de a scăpa de se. Este experimental și există prea multe fotografii în prim plan decât ar folosi în mod normal Scorsese, dar el obține echilibrul corect între reprezentarea directă (oglinda) și indirectă (lama de ras) a actului, oferindu-i o identitate diferită de un film hippie strălucitor. .
Acum voi discuta despre complot, deoarece funcționează ca o metaforă ascunsă în titlul său alternativ „Viet 67” prezentat în timpul creditelor finale. Viet 67 este o referință la războiul din Vietnam, o problemă extrem de criticată în timpul în care a fost împușcat cu o imagine clară a războiului și a fost dezvăluit președintele Johnson în țară. Auto-mutilarea reflectă implicarea autodistructivă a SUA în război, care a dus la pierderea a 1 milion de vieți americane, bărbați care erau oameni normali ca publicul și aveau cunoștințe minime despre evenimentele cu care trebuiau să se confrunte.
8. Melodrama sacramentală
Bucată de cinema absolut dezgustătoare și ticăloasă. Melodrama Sacramental este o înregistrare lungă de 17 minute a piesei omonime a lui Alejandro Jodorowsky cu grupul său teatral The Panic Movement. Grupul poate fi considerat un cult și motivul lor a fost să realizeze ceea ce au făcut Bunuel și Dali în anii 20 prin șocul publicului și revigorarea suprarealismului care devenise minusculă burghezie. A jucat în primul rând pe Jodorowsky îmbrăcat în motociclist și l-a prezentat pe el tăind gâtul a două gâște, lipindu-și doi șerpi în piept și având pe sine dezbrăcat și biciuit. Alte scene includeau femei goale acoperite de miere, un pui răstignit, uciderea în scenă a unui rabin, un vagin uriaș, aruncarea de țestoase vii în public și conserve de caise.
În deghizarea originalității, acest scurtmetraj implică cruzimea animalelor și abstractizarea sexuală, dar, spre deosebire de operele lui Bunuel, el ajunge să fie atât de crud, nici nu șochează, nici nu-i împrumută patosul suprarealist formei de artă. Funcționează ca „Centipede uman” sau „Un film sârbesc”, pentru a folosi groaza fizică inutilă pentru a obține nimic și aceasta este o dovadă foarte copleșitoare a viziunii neobișnuit de magnifice a lui Jodorowsky, care a fost transmisă prin „El Topo” și „Sfântul Munte”. Nu-mi displace, îl citez pe Rick Blaine „Dacă aș gândi ceva, probabil aș face”.
7. Șase bărbați care se îmbolnăvesc, de șase ori
David Lynch Primul film, realizat la un buget de 200 de dolari, a fost un scurtmetraj de animație stop-motion care i-a adus un premiu Memorial la concursul de pictură și sculptură experimentală al școlii sale de film. Filmul constă dintr-o pictură animată, care prezintă șase figuri dismorfice regurgitând în ordine cu sunetul unei bucle de sirene în fundal. Criticii l-au descris ca o paradigmă utilă pentru simțul narativ al lui Lynch, mulți indicând asemănările pe care le împărtășește cu „Eraserhead”.
Complotul propriu-zis (din motive de comoditate) se desfășoară timp de un minut, cu starea figurilor în curs de transformare, organele lor interne devin vizibile și stomacul lor este umplut cu o substanță viu colorată, care se deplasează până la cap, provocându-i vărsăturile , și acesta este redat de 4 ori pentru a ține cont de timpul său de rulare de 4 minute. Observați aparițiile anormale, intenția de a dezgusta (vărsături), utilizarea groazei fizice (descrierea organelor interne), designul sonor în plină expansiune care era prezent în filmele sale anterioare și partea amuzantă este că unii spectatori se pot simți rău sau dezorientați după ce au vizionat asta și oamenii care sunt perfect în regulă cu asta, oricum gluma este asupra ta și tu îi reprezinți pe cei șase bolnavi.
6. Iubirea există
Deși un maestru al cinematografiei în sine, Maurice Pialat a scăpat de renume la fel de mult ca eludat de regulile cinematografice preexistente. Cu toate acestea, cei familiarizați cu munca sa vor aprecia cât de clară este influența sa asupra nenumăratelor filme moderne. Este dificil să-l încadreze pe Pialat în orice categorie concretă, deoarece filmele sale au fost înrădăcinate într-un realism atât de nesentimental și dens emoțional încât a apărut formalist. Una dintre primele sale lucrări este scurtmetrajul documentar de 20 de minute, L’Amour Existe, care este comentariul său asupra extinderii urbane în Franța de după război și a conflictului său de clasă. Construiește o narațiune împușcată a realității sordide a dezvoltării pariziene, cu suburbiile în decădere, neglijate, cu o voce în off de Jean-Loup Reynold. Pialat scoate în evidență cu o răbdare elaborată cât de sumbru era viața în suburbii în perioada postbelică, pe măsură ce publicitatea a preluat realitatea și oamenii au îmbrățișat o viață materialistă și anostă.
L’amour Existe subliniază, de asemenea, cum clasa mijlocie și superioară pariziană se bucură de o educație mai bună nu doar din punct de vedere academic, ci și din punct de vedere cultural, în timp ce copiii suburbani nu au acces la teatre sau săli de concert. Pialat descrie noile clădiri de locuințe care au apărut rapid ca „lagăre de concentrare” cu ferestre mici, orizontale, de unde nu este nimic de privit. Acest scurtmetraj a câștigat premii la Festivalul de Film de la Veneția și la Prix Lumieres. Maurice Pialat a continuat să facă numeroase filme geniale precum A Nos Amours și Sous le Soleil de Satan, care au câștigat Palme d’Or la Cannes.
5. Țigări și cafea
Deși țigările și cafeaua erau doar P.T. Anderson A doua oară în spatele camerei, nu se simte în niciun caz ca o muncă a unui amator. Filmul se desfășoară aproape în întregime într-un restaurant și ni se prezintă procedural cinci personaje, poveștile lor și o bancnotă de 20 USD care le conectează. Există un bărbat tensionat și nervos care își povestește povestea, căutând ajutorul unui prieten vechi mai compus, care este foarte special în așteptarea până la turnarea cafelei și a aprinderii țigărilor, altfel conversația nu va avea un sens real. În celălalt stand, există un cuplu în luna de miere care și-a pierdut toți banii după ce soția le-a aruncat totul la jocuri de noroc. O vreme mai târziu, un om umbros aparent fără legătură cu ceilalți intră în restaurant. Cu toate acestea, pe măsură ce o factură de 20 USD își face drum de la unul dintre personaje la altul, vom afla că acestea pot fi conectate între ele.
Acest scurtmetraj de 23 de minute are o poveste suficientă pentru un film înainte și altul după el. Dialogul, încadrarea și camerele din film arată că este realizat de cineva care știe exact ce vrea. Cea mai distinctivă caracteristică a acestui film este utilizarea planului de urmărire pentru pauze de scenă. Interpretarea în acest film este, de asemenea, deosebit de bună. Ulterior, Anderson a adaptat și extins acest scurtmetraj într-un lung metraj, „Hard Eight” - următoarea sa aventură.
4. Six Shooter
Martin McDonagh, care a regizat În Bruges și Șapte psihopați, a început mai întâi prin realizarea unui film de comedie neagră de 27 de minute în Irlanda, numit Six Shooter - care a câștigat un Oscar și este unul dintre cele mai cunoscute scurtmetraje din toate timp. Este aproape surprinzător cum un film atât de puternic încărcat de moarte și pierderi personale reușește să fie atât de amuzant și expresiv în același timp. Scurtmetrajul este extrem de bine realizat și inteligent, astfel încât umorul să se simtă diferit atât de brandurile americane, cât și de cele britanice de comedie neagră. Urmează un bărbat îmbătrânit, Donnelly, care tocmai și-a pierdut soția și, în călătoria cu trenul înapoi de la spital, se găsește așezat alături de un adolescent rambunctios a cărui mamă tocmai a murit. Lângă ei se află un cuplu sumbru care tocmai și-a pierdut copilul nou-născut.
Cu toate acestea, acest cadru aparent sumbru ia în curând o întorsătură mai întunecată, iar lucrurile devin mai dezordonate și mai amuzante în același timp, cu dezvăluiri de crimă, sinucideri, lupte cu armele cu poliția, vaci care explodează și moarte de animale de companie. Oricine este familiarizat cu celelalte filme ale McDonagh nu va avea nevoie de alte motive pentru a viziona această capodoperă. Cu toate acestea, acest film formează și vizionarea esențială pentru oricine se bucură de o comedie neagră inteligentă, ceea ce înseamnă pur și simplu toată lumea.
3. O femeie cochetă
Probabil cel mai prolific dintre toți regizorii New Wave, Jean-Luc Godard face filme din anii 1950 cu aceeași inventivitate ca niciodată. Până în prezent, el a regizat peste sute de filme, inclusiv Dispret, Breathless și Band of Outsiders. Însă Godard și-a început călătoria regizorală cu un scurtmetraj mai puțin cunoscut, Une Femme Coquette, în 1955. Bazat pe o poveste a lui Maupassant, scurtmetrajul în alb-negru de 9 minute urmărește o femeie căsătorită, fiind brusc tentată să cocheteze cu un necunoscut după ce a văzut o prostituată atrăgând cu grație bărbați care treceau de la o fereastră deasupra străzii. Este extrem de impresionată de modul grațios în care femeia îi atrage pe străini - cu un zâmbet dezinvolt, dar primitor, care ar fi putut la fel de ușor să însemne „Ce zi frumoasă!”.
După ce a asistat la acest lucru, ea decide impulsiv să îi zâmbească flirtând următorului bărbat pe care îl vede. Une Femme Coquette amintește de alte lucrări timpurii ale lui Godard - cu o coloană sonoră optimistă, condusă de un dialog articulat, de fotografii cu unghi larg și de o editare destul de rapidă. Se credea că filmul s-a pierdut mult timp până de curând, când a apărut pe YouTube. Scurtul are, de asemenea, un cameo al unui Godard în vârstă de 24 de ani, care ar trebui să fie un motiv suficient pentru cinefilii să-l verifice. (Priveste aici )
2. Tramvai
Krzysztof Kieslowski a făcut din Tramwaj, unul dintre cele mai bune scurtmetraje, în timp ce era încă student la școala de film. În acest film lung de 5 minute, îl urmărim pe un tânăr într-o noapte de iarnă când urcă într-un tramvai pe care observă o tânără frumoasă care stă singură. Ochii lor se întâlnesc, fata pare inițial neliniștită, dar se încălzește încet până la prezența lui, în timp ce închide ușa tramvaiului, văzând cum aerul o răcea și apoi începe să mestece un cub de zahăr copilăresc. Dar, înainte de a se putea întâmpla ceva, tramvaiul ajunge la oprirea omului și îl debarcă. Regretă imediat că a ratat un moment atât de oportun și este copleșit de dorința de a se apropia de fată, așa că aleargă în spatele tramvaiului sperând să o prindă. La început, l-am văzut pe bărbatul care stătea singur într-un club unde dansează toată lumea și nu pare să se distreze. Probabil că nu este foarte norocos cu doamnele, motiv pentru care trebuie să fi simțit un sentiment greu de plâns și, prin urmare, alergarea lui impulsivă.
Aproape toți utilizatorii au simțit cel puțin o dată o căldură similară când au văzut un străin aleatoriu, cineva diferit de ceilalți, cineva atât de atrăgător încât vrem să-i cunoaștem. Aceeași situație a fost exprimată și de domnul Bernstein în Citizen Kane când povestește cum își amintește încă o fată pe care a văzut-o doar o secundă când era tânăr, purtând o rochie albă pe un feribot. În afară de complot, ceea ce face ca scurtmetrajul să fie interesant este priceperea magistrală a lui Kieslowski din spatele camerei și marele său talent pentru povestiri. Kieslowski a devenit de atunci unul dintre cele mai mari nume ale cinematografiei de arthouse și a realizat lucrări minunate precum The Dekalog și trilogia Trois Couleurs.
1. Un câine andaluz
Câinele andaluz este o rasă cu originea în Spania, locul de naștere al lui Luis Bunuel și Salvador Dali, cei doi creatori ai acestui scurtmetraj monumental. În Peninsula Iberică există picturi rupestre care reprezintă câini cu o asemănare puternică cu această rasă și, sincer, elementul realității tulbure din picturile rupestre este singurul lucru pe care filmul îl împrumută din existența câinelui andaluz. Deși mișcarea suprarealistă începuse deja în anii 20, nu a reușit să atragă atenția la nivel mondial și Bunuel-Dali a realizat acest lucru șocând publicul cu imagini care nu simbolizau decât suprimarea creativității.
Chiar de la prima sa fotografie care îl implică pe Bunuel însuși, tăindu-i ochiul unei femei cu umorul vitros vărsat care îți agită creierul până la ultima imagine a unui cuplu mort îngropat în nisip de plajă, filmul nu își scade niciodată intensitatea o dată și deși una ar putea argumenta despre modelul absurd al scenelor care ajută această cauză, este important să observăm cum sunt aranjate într-un mod care să le ofere o continuitate propice. Tehnicile și imaginile de groază corporală din majoritatea scenelor au fost studiate și aplicate în nenumărate alte filme construite pe vise sau teme de groază. Cele mai notabile exemple sunt „Oldboy”, „Spellbound”, „Quills” și „The Blood of a Poet”. Deși o mulțime de critici au adoptat diverse teorii pentru a explica evenimentele filmului, ele se limitează la cuvântul „teorie”, iar Bunuel râde de orice explicație plauzibilă față de acesta.