Requiem pentru un sfârșit de vis, explicat

Știi genul de filme pe care le iubești și le admiri atât de mult încât trebuie să revii la ele din nou și din nou și îți place să o faci, doar în încercarea de a recapitula ceea ce ai simțit prima dată? Bine, ' Recviem pentru un vis 'Cu siguranță NU este unul dintre aceste filme. De fapt, se află la capătul opus al acelui spectru. Cu ani în urmă, imediat ce am terminat de urmărit filmul de o sută de minute, mi-am promis că nu mă voi mai întoarce la el, așa a fost impactul său devastator asupra unui tânăr eu. Dar iată-mă. Acum, câțiva ani mai târziu, l-am revăzut de dragul acestui explicator, iar impactul este același. Devastat pe măsură ce sunt încă la sfârșitul filmului după o vizionare nouă, nu vreau să trec cu agonie în intriga filmului. Cu toate acestea, voi lua doar un scurt minut pentru a extinde titlul filmului, lucru care, fără îndoială, m-a atras mai întâi spre film, înainte de a trece la aspectele tradiționale ale unui explicator. Citește mai departe.

Semnificația ‘Requiem’ pentru un vis

Începând cu definițiile dicționarului este destul de tradițional și prevestitor, dar voi continua și o voi face indiferent. Cuvântul, în afară de înclinațiile sale catolice, înseamnă de obicei amintire, fizică (jetoane sau totemuri) și non-fizică (acte). Acum, asta s-ar potrivi perfect cu cvartetul nostru de personaje principale, întrucât oricât de defecte sunt, au încă vise. Pentru Marion, este să devină designer sau să-și deschidă un magazin propriu. Pentru Harry și Tyrone, ar fi să se ridice în comerțul cu droguri și să-și îmbunătățească starea financiară. Visul Sara, poate cel mai miop dintre cele patru, este descrisă vocal de ea ca fiind la o emisiune de televiziune și fiind văzută și iubită de milioane, în timp ce se reunea cu fiul ei.

Cei patru par să facă inițial progrese bune în visele lor, indiferent de drum, până când dependențele lor obligă lucrurile să se prăbușească. Este un preț pe care îl plătesc pentru visele lor, o satisfacție de scurtă durată care îi face pe toți să-și prejudicieze viața ireversibil în căutarea acelui vis. O requiem pentru visele lor.

Sfârșitul, explicat

Finalul literal al filmului începe imediat după „Iarna” începe în film, sfârșitul metaforic. Tranziția are loc aproape ca un ciocan, când Sara experimentează o halucinație oribilă la ea acasă și decide să fugă la biroul lui Malin și Block pentru a afla de ce nu fusese încă chemată în spectacol. În acest moment, ea este văzută în cea mai mare parte într-o stare demențială, cu părul căruia i se răcește din rădăcini, iar comportamentul ei ca atare la agenție o aterizează într-o unitate psihiatrică, unde, după sesiuni forțate de hrănire orală și nazală, este supusă electroconvulsivității terapie atunci când cele menționate anterior eșuează, chiar în timp ce ea semnează acordul pentru aceasta într-o stare vegetată.

În timp ce se îndrepta spre Miami pentru a se asigura de dealerul însuși cu Tyrone, starea brațului infectat al lui Harry se înrăutățește, chiar dacă el continuă să cufunde acul în el. Tyrone îl duce mai târziu la un spital, unde medicul apelează la poliție și îi predă sub suspiciunea de dependență și la examinarea brațului lui Harry. Pe de altă parte, Marion continuă să se prostitueze pentru Big Tim și primește și mai multe droguri, cu atât se dedică mai mult activităților obraznice, chiar participând la un spectacol sexual.

Soarta suferinței cvartetului este dezvăluită în bucățile relativ relaxate care au urmat cincisprezece minute de frenezie absolută a nervului în fața ei. În timp ce Tyrone continuă să trudească la închisoare, fiind abuzat rasial și suportând retrageri grave, brațul infectat al lui Harry trebuie amputat pe măsură ce starea sa se agravează la închisoare. El este văzut plângând în timp ce plânge necontrolat pe patul de spital. Marion se întoarce acasă de la spectacolul de la Big Tim’s cu un scor mare și se întinde pe canapea, chiar lângă câteva exemplare ale desenelor ei de îmbrăcăminte pe care le făcea, o ironie dureroasă care țipa în acea scenă. În cele din urmă, și cel mai sfâșietor, Sara este aproape lobotomizată ca urmare a ECT asupra ei și nu pare să-și recunoască prietenii care vin să o viziteze, mai târziu descompunând-o văzând-o în acea stare. Cele patru personaje sunt prezentate curbându-se pe paturile lor ca niște fături pe măsură ce filmul se apropie de a tragic închide.

Ca parte a actului final, filmul are două secvențe suprarealiste, implicând duo-fiul-mamă. În prima, chiar înainte ca situația lui Harry cu brațul amputat să fie dezvăluită, el este prezentat în aceeași secvență a lui pe debarcaderul Steeplechase de mai devreme în film, apropiindu-se spre sfârșitul său, unde se presupune că Marion ar fi în picioare, dar încă o femeie nedezvăluită pare să aibă spatele spre el. Ea dispare exact când Harry se apropie frenetic de ea strigând numele lui Marion și el este văzut căzând într-un abis metaforic în timp ce se retrage; o reprezentare vizuală a visului său evaziv și a sfârșitului său mizerabil.

A doua secvență este un fel de dorință care caută o fantezie de împlinire pentru Sara care, din patul instituției sale mentale, visează că va câștiga marele premiu la spectacolul la care a vrut mereu să meargă. Poartă o rochie roșie și arată la fel de subțire pe cât și-a dorit, pe măsură ce se reunește cu un Harry sobru, reformat și de succes. Cei doi se îmbrățișează într-un final destul de potrivit ironic, ca credite mut pentru rolul filmului. Tăcerea este apoi intercutată cu sunete de pescăruși și valuri, implicând scena unei plaje, dar vizuale nu sunt prezentate niciodată. Îmi place să-i spun sunetul „ceea ce ar fi putut fi”. Puțin rămâne la imaginație.

Teme, explicate

A numi pur și simplu filmul un film „anti-drog” care explorează lumea întunecată a dependenței și a abuzului de substanțe ar fi doar subminarea acestuia. Din nou, s-ar putea să ies pe un membru aici, dar cred cu tărie că este totul și mai mult. Analizând destul de profund arcul personajelor din Sara Goldfarb al lui Ellen Burstyn și concluzia îngrijorătoare a acestui fapt ar trebui să demonstreze cu adevărat ceea ce încerc să spun. Al ei este singurul personaj al celor patru din film care nu este dependent de heroină sau de vreunul dintre drogurile care depind în mod tradițional, dacă vreau să le numesc așa. Din punct de vedere tehnic, dependența ei este de amfetamine din consumul de comprimate de slăbire care duc la pierderea poftei de mâncare pentru ea, ducând la halucinații și dăunându-i corpului într-o manieră ireversibilă, dar se poate argumenta fructuos că nu știa ce era dependentă. la, trupul ei a făcut-o.

Metaforic vorbind, Sara poate fi numită în mod adecvat dependentă de noua atenție și personalitate care devin atributele ei pe măsură ce începe să piardă în greutate, lucru care îi conferă un sentiment de încredere în sine pe care îl pierduse cu mult timp în urmă și popularitate în rândul ei de vârstă mijlocie. prieteni, înainte de a începe rapid să se intensifice în voința ei de a trăi, de a se ridica din pat, provenind din a-și trăi singură viața la bătrânețe și de abatere de la fiul ei. Această dependență, desigur, ia o proporție monstruoasă pe măsură ce halucinațiile sale se înrăutățesc, iar așteptarea scrisorii care nu ajunge niciodată îi sporește dorința de a lua mai multe pastile.

Prin arcul individual al personajului Sara, Aronofsky imploră într-adevăr spectatorul să pună la îndoială chiar baza dependenței: ce este și ce o provoacă. De exemplu, toți cei care consumă zahăr zilnic sunt aproape dependenți de el, lucru care poate fi văzut atunci când începeți cu atenție să vă retrageți din el. Dar poate fi numit drog? Nu neaparat. Drogul Sara este rochia roșie în care vrea să se potrivească, reality show-ul la care vrea să participe. Un vis de neatins, este ceea ce îi conferă la început energia, oferindu-i un sentiment de scop și nu mai târziu începe să preia controlul înainte de a o distruge complet. În acest sens, dependența nu este neapărat o substanță, sugestiv. Toate acestea, desigur, sunt mai degrabă poetizate de mine, chiar indulgente, dar filmul m-a îndreptat spre aceste gânduri.

Filmul este pus în mod obișnuit și sub genul tragediei psihologice, un titlu care corespunde majorității celorlalte opere ale lui Aronofsky. Cu toate că vom vedea cu siguranță cum rezista ‘Requiem’ când vine vorba de fostul gen de film, reflectând cu atenție asupra psihicului fiecărui personaj, cel din urmă dintre cele două genuri amestecate nu ar trebui să fie deloc o problemă. Este un film tragic, fără îndoială, unul care funcționează indiferent de faptul că poți să relaționezi sau nu cu personajele filmului sau chiar să-ți placă sau să-ți pese de ele, ceea ce cred că vine destul de prescurtat, deoarece aproximativ 60% din timpul său de funcționare de 100 de minute este momentul în care drogurile și efectele sale negative au început deja și au preluat viața celor patru protagoniști ai noștri. Aronofsky stabilește că, prin imagini, iertător și fără compromisuri, cum ar fi să conduci un șurub cu un mesaj pe el în cap.

Subtilitatea este complet afară, în special în ultimele treizeci de minute sau cam așa ceva. Cred că este deosebit de imposibil să nu tresăriți văzând pe cineva care trece prin ceea ce suportă aceste patru personaje, în special Harry și Sara, înainte de a-și întâlni soarta tristă la sfârșitul filmului. Aceasta este într-adevăr puterea vizuală, oricât de explicită sau deranjantă este. Nu contează dacă îți pasă sau nu de personaje, mesajul, dacă altul decât tragedia, merge acasă cu tine.

Alegeri stilistice

Nu m-aș înșela în a spune că aproximativ jumătate din triumful acestui film este hullabaloo-ul său tehnic. M-am abținut în mod deliberat să nu folosesc cuvântul finețe pentru a merge cu „tehnic”, deoarece ați fi de acord că nu este bine și nu este intenționat să fie. Ceva de genul „Grand Budapest Hotel” este „bine” din punct de vedere tehnic: luxuriant și generos în mișcările sale. „Requiem for a Dream” este dezordonat, grăbit, claustrofob și împușcat inconfortabil, remarcabil lipsit de practic orice filmare cu unghi larg: lucruri pe care te-ai întreba care ar trebui să fie exact mărcile unui film despre efectele nefaste ale drogurilor și multe altele, și mintea tu, vizionând filmul îți pune gândul în cap, un alt testament al faptului că funcționează.

Chiar dacă urmăriți filmul fără un ochi acut, veți observa o mulțime de tehnici ale camerei testate și aduse la bun sfârșit, inclusiv, dar fără a se limita la scurgeri de timp, prim-planuri extreme, ecranul divizat pentru interacțiunile mai personale, peștii lentilele oculare pentru a invoca un sentiment de claustrofobie, iar camera Snorricam a legat camera pentru a adăuga urgență anumitor scene, fiind doar câteva dintre ele.

De asemenea, nu m-aș înșela în a ghici că oamenii care se simt cel mai greu în realizarea unui film Aronofsky ar fi editorii, iar numărul mare de fotografii pe care le are acest film dovedește clar acest lucru. Conform surse , spre deosebire de gama standard de 600-700 de fotografii pentru un film obișnuit de 100 de minute, „Requiem” are aproape 2000 de fotografii, intercalate rapid ca montaje în secvențele în care personajele se răsfățează cu ingerarea acestor medicamente, fie prin pufnit sau intravenos, trecând rapid de la starea lor de sobrietate la o euforie de scurtă durată indusă. Această tehnică este adesea denumită montaj hip hop (puteți vedea cum își primește numele) și este utilizată în mod eficient pentru a-și reprezenta stilistic personajele sub influență.

În final, în special, scenele ajung să fie tăiate rapid aproape în fiecare secundă pentru a contopi situația dificilă a celor patru personaje principale; unele dintre sunete se suprapun și ele. Toate acestea se joacă la sunetul sonor al lui Clint Mansell și al temei frumos bântuitoare a Cvartetului Kronos, una dintre scorurile mele de film preferate din toate timpurile, amplificată în intensitate și ritmuri comparativ cu începutul filmului, reflectând urgența acelor secvențe. . Trebuie să recunosc că am avut gâtul în gură și o mână întâmplătoare în timp ce urmăreau ultimele 15 minute ale filmului. Sunt atât de îngrozitoare.

Acestea fiind spuse, indiferent de alegerile stilistice pe care le face Aronofsky, este destul de evident că impactul său intenționat a fost personalizarea și înstrăinarea sporită, în încercarea de a ne atrage personal către suferința personajului, permițându-ne o privire mai bună asupra stării sale de minte. În multe secvențe, chiar și camera POV este utilizată eficient pentru a ne face să vedem tot ceea ce vede personajul. Personalizarea te face să-ți dai seama de disperarea unui personaj care se învârte din dependență, încercând uneori chiar să te pună în locul lor.

Decodarea Enigmei din spatele lui Aronofsky

Consider cu tărie că afacerea cu cinematograful lui Darren Aronofsky este că ori îl iubești, ori îl urăști. Niciodată nu am văzut pe cineva care să fi simțit doar un „eh” după ce a vizionat unul dintre filmele sale sau să fi avut un punct de mijloc în ceea ce privește ceea ce au gândit despre asta. Fie îl analizează profund, fie îl resping complet ca fiind prost. Personal și, din fericire, mă găsesc la capătul anterior: eu iubesc absolut ceea ce face omul, fie el „Pi”, acest film, Fântâna și mai ales „Black Swan”, cel mai bun film al său din parerea mea, urmata indeaproape de ' Recviem pentru un vis '. Chiar și în caracteristicile sale mai puțin îndrăgite, inclusiv „Noah” și „Mamă”, este greu să ratezi nivelul meșteșugului și munca vizibilă în fiecare cadru cu care îmbibă întregul film.

În această conjunctură, este destul de ușor să subliniem ceea ce face Aronofsky atât de dezbinator. Chiar și nayayers lui sunt de acord că alegerile sale stilistice sunt ceva ce pot aprecia chiar și în cele mai proaste filme ale sale; dar o anumită plângere obișnuită este că există adesea prea mult din ea care susține un complot destul de subțire. Pentru a adăuga la asta, absolut niciuna dintre lucrările sale nu pare să găsească o definiție într-un singur gen și toate acestea prezintă anumite elemente fantastice, suprarealiste, în afară de rara distincție de a fi drenant emoțional și devastator, „Lebăda neagră” și „Requiem” fiind exemplele perfecte absolute. În acest sens, nu se poate nega că, chiar și pentru un apreciator, filmele sale sunt prea mult de lucru, pentru ochi, minte și urechi. În plus, valoarea lor de revizuire este aproape zilnică, ca să nu vreau să arunc o umbră mohorâtă peste ziua mea.

Cele mai bune lucrări ale lui Aronofsky, atât „Requiem”, cât și „Black Swan” pot fi studii psihologice îmbogățite seminal în cel mai bun caz, dar băiatul este mai întunecat decât o noapte fără lună. Cu toate acestea spuse, nu am nicio îndoială în a-l numi cel mai singular director divizor din timpurile moderne și aș spune că a câștigat mai degrabă infamia și titlul. În timp ce vor fi fani ca mine, care să-și apere viziunea în anumite momente, chiar să ia criticile la un moment dat ca și cu „ Mamă ', Să zicem, este aproape justificat faptul că omul și munca sa divizatoare ar atrage și un public desconsiderat, adesea plin de ură.

Cuvântul final

‘Requiem for a Dream’ este poate al lui Aronofsky lucrare cel mai puțin divizorie , unul definitiv printre primii săi ani, câștigând majoritatea publicului său și chiar nayersers în a arăta un adevăr urât cu cea mai mică cantitate de subtilitate imaginabil. Este întunecat, de neiertat și, de asemenea, de neuitat într-un anumit sens, totul prin cât de grea este ca o experiență. În timp ce mesajul împotriva abuzului de substanțe este puternic și clar și se aude la câțiva kilometri dincolo de sat, „Requiem for a Dream”, pentru majoritatea timpului său de rulare, este greu de rezolvat, în virtutea faptului său vizual și a intensității neîncetate a tragediei, mai ales în ultimii biți. Cu toate acestea, voi recomanda acest film prima șansă, așa cum am fost de când am văzut-o prima dată. Indiferent dacă ajungi să iubești, să urăști sau să fii absolut respins de aceasta, trebuie să o urmărești pentru a-ți forma acea opinie și îți sugerez să o faci imediat, dacă nu ai făcut-o deja.

Citiți mai multe în Explainers: Incasabil | Mamă | Se7en